Louise Bourgeois

A celebration of the extraordinary sculptor and her pioneering sculptures and drawings.Survey by Robert Storr, Interview by Paulo Herkenhoff (with Thyrza Goodeve), Focus by Allan Schwartzman, Artist's Choice text by Françoise Sagan, Writings by Louise Bourgeois

Born in Paris, Louise Bourgeois (b.1911) is an extraordinarily influential sculptor equally admired for her intimate drawings and her highly personal writings

Her career spans some 70 years and touches upon such key movements as Surrealism, Abstract Expressionism and Feminism; after a lifetime of little artistic recognition, Bourgeois now enjoys cult status

Themes such as the Other, the feminine and the masculine, and the body – as well as her own specific biography – spin a tangled and intense life-long body of work

The Interview offers a rare glimpse into the mind of this notoriously reclusive artist

One of the century's most distinguished artists, Louise Bourgeois is an utterly unique figure. Born in Paris in 1911, Bourgeois spent most of her career receiving little recognition from the art community. She has worked closely to many of the century's key artistic moments, from Surrealism to Abstract Expressionism to feminist art, and yet she remains distinct from all of them. An extraordinarily influential sculptor, she has worked, often experimentally, with materials varying from alabaster, plaster, latex, bronze and marble. Bourgeois is equally admired for her intimate drawings, often combining fragments of text, and her highly personal writings, which often address her long and complex life story. With the backdrop of a conflicted and sexually complicated family upbringing, her struggles as an artist in a world reserved for men, as well as her experiences as a mother, the subject of her work is as broad as the materials in which she expresses them. As a figure of outstanding significance in contemporary art, her stature has been recognized by such awards as the American National Medal of the Arts (1991), the French Grand Prix National de Sculpture (1991) and the Venice Biennale's Golden Lion Prize (1999), among others.

Critic Paulo Herkenhoff (with Thyra Goodeve) has been in discussion with Bourgeois for many years. Topics in their Interview range from her troubled relationship with her father, to men's fashions, to her recollections of Marcel Duchamp, whom she knew personally. Critic and curator Robert Storr's Survey chronicles the unique trajectory of Bourgeois' work and life from a highly personal point of view. In his Focus, critic Allan Schwartzman concentrates on Cell (You Better Grow Up) (1993), an intense cage-like space. For her Artist's Choice Bourgeois has selected extracts from the novel Bonjour Tristesse (1954) by Francoise Sagan, whose story about a young girl's response to her father's amorous relationships parallels to some degree the artist's own childhood experiences. The Artist's Writings include an early text, 'The Puritan', from 1947, alongside discussions of her own work, autobiographical writings and artist's projects.

Robert Storr is Rosalie Solow Professor of Modern Art at the Institute of Fine Arts, New York University. Formerly Senior Curator at the Museum of Modern Art, New York, in 2004 he curated the 5th SITE Sante Fe Biennial in New Mexico. Storr was a contributing author to Phaidon's Raymond Pettibon (2003), Alex Katz (2006) and Robert Mangold (2000).

Paulo Herkenhoff is an independent curator and critic based in Rio de Janeiro. Formerly adjunct Curator in the Department of Painting and Sculpture at the Museum of Modern Art, New York, Herkenhoff was Artistic Director of the 24th Bienal de Sao Paulo (1999) and Curator of the Brazilian Pavilion of the 47th Venice Biennale (1997).

Allan Schwartzman is an independent art critic who often contributes to The New York Times as well as many other journals and newspapers. Schwartzman is a longtime follower of Bourgeois' work.

Louise Bourgeois　　路易絲·布爾喬亞Ｌｏｕｉｓｅ　Ｂｏｕｒｇｅｏｉｓ是至今健在的享有世界聲譽的女性藝術傢之一，而且她的名望隨著歲月的流逝還在不斷增長。很少有人直到９０歲時還能保持如此旺盛的創造力，她的存在本身就演繹瞭一段生命的奇跡。作為一位走過世紀的當紅老太太，通過她的藝術，我們清晰可見的是整個現代藝術所走過的探索曆程以及對人性主題深沉而持久的關懷。

１９９３年英國ＢＢＣ國傢電視廣播公司要為８２歲的路易絲·布爾喬亞（Ｌｏｕｉｓｅ　Ｂｏｕｒｇｅｏｉｓ）拍攝藝術傢生活紀錄片，剛一開鏡，布爾喬亞就把一群工作人員嚇得魂飛魄散。她拿起一隻花瓶往地上一砸，一臉怒氣地說不想拍此片，然後舉起一個寫著“不準入內”的牌子，在鏡頭前抗議。導演尼格·芬奇（Ｎｉｇｅｌ　Ｆｉｎｃｈ）與藝術傢一再溝通，並約法三章隻拍攝經過布爾喬亞允許的畫麵，片子纔終於順利拍成，而這部影片也成為描繪這位傳奇藝術傢的經典力作。

看來路易絲·布爾喬亞是如此保護著自己的“私有領域”，不準任何人跨越雷池一步，但是檢視她曆來的藝術創作，卻又不得不驚訝於她是如此毫無掩飾地解剖自己的私密，完全赤裸地攤在陽光下供世人議論。她自殘式地挖掘童年經驗以及與父親之間愛欲與仇恨的交織，將夢魘似的騷動與不安反映在她的作品當中。

源於發泄的創作

路易絲·布爾喬亞，１９１１年齣生於法國巴黎，童年時期就看見父親將情婦接到傢中同住，而母親的一味隱忍讓她感受到沉浸在悲痛中的情緒，讓她的童年經驗一直處於焦慮和不安的狀態中。１９３２年，她的母親過世，２１歲的路易絲·布爾喬亞進入大學，開始她專攻數學專業，鏇即則因興趣而轉嚮藝術領域繼續學業。

１９３８年，路易絲·布爾喬亞與美國藝術史傢羅伯特·哥德瓦特（Ｒｏｂｅｒｔ　Ｇｏｌｄｗａｔｅｒ）移居美國，她追尋著母親的溫柔特質，渴望寜靜而平和的傢庭生活。最初幾年布爾喬亞將繪畫當作藝術創作的主要錶現方式，但是後來她越來越感覺到，平麵繪畫不能真正將內心積壓的情緒完整地錶達，因而轉嚮雕塑的創作，她說：“為瞭完全錶達我對這個傢庭不能容忍的極限，我必須選擇一個形式發泄心中的焦慮，並且可以不斷改變、毀滅並重生。”

１９４９年經由杜象（Ｍａｒｃｅｌ　Ｄｕｃｈａｍｐ）的鼓勵，她在紐約舉辦第一次個展，從此之後布爾喬亞不斷地以新的材質與形式發展自己的藝術語言，人體雕塑轉化成如同建築或僅是簡單的幾何圖形，有時甚至隻是抽象的型態。

布爾喬亞從此在藝術界逐漸成名。１９８２年，紐約現代美術館為她舉辦大型的迴顧展之後，她的作品震撼瞭歐洲評論界，自此在世界各地展齣不斷，並獲無數榮譽與大奬。比如１９８９年在德國法蘭剋福舉行歐洲第一次迴顧展；１９９２年第九屆德國卡塞爾文件展中展齣，作品隨即被法國巴黎現代美術館收藏；１９９３年代錶美國參加威尼斯雙年展以及裏昂雙年展；１９９６年參加第２３屆聖保羅雙年展；１９９９年獲得威尼斯雙年展金獅奬榮耀；２００３年獲得瞭本年度的沃爾夫基金奬等等。在長期的創作生涯裏，她的藝術標誌著當代美學觀念與創作形式的創新革命。

超現實主義的作品

從錶現形式和內涵分析，路易絲·布爾喬亞是屬於超現實主義的藝術傢，她的作品充滿瞭象徵意義。母親的縫紉機與針綫、女性的貼身內衣褲或是男性的身體都成為她創作中不可或缺的元素，但她又不同於傳統的超現實主義藝術傢，將“象徵”當作是超脫於現實世界的工具，她說：“藉由象徵，人們可以有更深層的意識性的溝通。但是你也必須明瞭一件事，象徵就是象徵，它不是血肉的交流。”她將自己豐富的內心情感用完全個人的方式錶達，展現齣來的卻是人類的欲望和疏離、死亡與恐懼，所以在她的裝置空間裏，我們可以感受到病態的沮喪和排解這種沮喪的幽默感。

路易絲·布爾喬亞真正舉世聞名是在上世紀70年代。她曾說過：“對於我來說，雕塑就是軀體的再現，我的軀體就是我雕塑的本質。”她構想由男性生殖器，胎盤和乳頭組成的混閤體，時而形象時而抽象。（Cumul I，1968）（其作品堆積I）巨型蜘蛛雕塑，夢境囈語般的建築結構是她代錶性作品中最齣名的作品。90年代初，這位年過八旬的女藝術傢把欲望的復雜性和持久性充分錶現於雕塑中，作品體積越來越大。

１９９０年以後，路易絲·布爾喬亞的作品達到成熟的境界。以“密室”為題的一係列雕塑作品為例，每間密室都代錶著不同形式的痛苦與恐懼，身體上的、感情上的、心理上的、精神上的與理性的……觀者對於每間密室有一種偷窺的樂趣，而這些密室又刺激著人們的感官與記憶。

童年的成長記憶一直是布爾喬亞創作的靈感來源，但是她認為緬懷過去或沉浸在迴憶中都隻是在浪費生命，然而如果這些情感自己跑迴來找你，那就是最真的感情，因此她的所有作品幾乎可以稱為是她自傳中的一頁。

對大多數人而言，布爾喬亞是神秘的；但對布爾喬亞來說，她的藝術就是要使人們看到理由——這也是她的格言“Ｍａｋｉｎｇ　ｐｅｏｐｌｅ　ｓｅｅ　ｒｅａｓｏｎ”。

[編輯本段]主要作品

大屋子的秘密迴憶

路易絲•布爾喬亞齣生於巴黎一個富有的地毯商人傢庭：“我媽媽愛上瞭我爸爸，爸爸是一個花心的壞男人。他們開始戀愛，但沒有結婚，他們同居，有瞭一個孩子。一個女孩，不幸的是，她死瞭。於是他們又生瞭下一個孩子，老天爺，仍然是個女孩!於是他們接著生，還是個女孩，並給她取名叫作Louise……那就是我。你們能明白當我降臨的時候，洇染在傢裏每一個角落的那種深度絕望的氣氛嗎?我真誠地為我不是一個男孩而嚮我的母親道歉 …… 後來，我的弟弟終於齣生瞭，當然。”

在弟弟齣生之後，他們舉傢從巴黎聖日耳曼大道搬至Choisy-le-Roy鄉下大彆墅。就在那個大房子裏，在孩子們悲傷的眼神中、在患重病的母親的允許下，又住進瞭父親的情人Sadie小姐。她教Louise英文，但她也失去瞭這個女孩的信任——“我做作品的動機，來自與Sadie麵對麵時的那種負麵復仇情緒。事實上，我是賭氣著去完成工作的。”於是，這間童年的大屋子在1992年的時候被Louise做成瞭模型，進而依據在腦海中殘留瞭半個多世紀的迴憶與想像，大型裝置係列 —— cell(密室)脫胎完成。很多扇門被Louise拼成瞭牆，把一個個單元空間單獨地割裂開來，並放置在一起。這五個獨立的空間分彆述說著五個黑暗的記憶片斷：屬於父母的密室裏擺著一張紅色的床，暗示著謀殺，而那麵床前的橢圓大鏡子則揭露瞭偷窺;金屬蜘蛛環抱著巨大的鐵籠，那是母親在竭盡全力地保護幼小的她;透過半掩的玻璃門，泛黃的白裙子被掛在動物白骨做成的衣架上，既沒有朝氣也不腐爛;在另一個密室的外圍有一行小字——“藝術是心靈健康的保證”，裏麵則掛有巨大的黑色男士襯衫;瓶瓶罐罐被懸在一張單人小鐵床的上方，在那些透明的容器裏，她的眼淚、痛楚、歡樂和恐懼被不停蒸發。

五年之後，路易絲把自己對這間鄉下“大牢房”的恐懼錶達到瞭巔峰 —— 大型裝置“危險的過道”。此時的她，眼光如同一個男人那般理智，對細節拿捏準確：把無數破舊的木椅子掛到天花闆上，往玻璃氣球裏填塞動物碎骨，把傢具擺放得如刑具一般。她不再抒情，她冷眼旁觀著自己荒謬的童年樂園。

run away女孩

母親病故的那一年，路易絲自殺未遂，也開始接觸藝術。她在巴黎美院和一些小工作室裏學習畫畫。有一天，老師看到她的畫，隨即拿起一根木頭掛在樓梯上，木頭就自己轉動瞭起來。老師對Louise說：“我不明白你為什麼選擇畫畫，你應該去做雕塑。你看，這根木頭被這麼掛起來，即是雕塑。”受此啓發，她去瞭意大利，在木頭和大理石上歡快地找到瞭自己的藝術錶達語言;再後來，她遇到瞭美國藝術評論傢羅伯特•葛瓦特(Robert Goldwater)。於是她決定把自己嫁給他——那預示著生活從此將從大西洋的彼岸開始——她終於得以逃離那間巴黎鄉下的大屋子。

可剛到美國的那些年頭，等待她的隻有沉默。她擁有一個享有名望的丈夫，卻背負著逃離法國的負罪感。為此，她領養瞭一個法國孤兒——“我一定要從法國帶走些什麼東西放在我的身邊，而一個法國孩子的眼睛給瞭我這份缺失的安全感。”

這之後，她開始在棲身的寓所頂層進行創作，並與一些居住在美國的法國藝術傢保持著親密接觸。藉著對法國的溫柔思念，她開瞭自己的第一個雕塑展，而那些最初的木頭雕塑呆闆而單調，細而長，不難看齣賈科梅蒂或者布朗庫西的風格。她給它們取名為“人”。一直到1960年代，她的雕塑纔展現齣形態的層齣不窮與獨特性，以其“柔軟的風景”為代錶：大理石的圓球彎麯而油滑，令我仿佛看到瞭一些正在沉睡的生命潛伏著的膨脹與蘇醒，力量無聲地迸發。路易絲給這些石頭編瞭一些小故事——一個如無頭袋鼠般的石頭，被叫做“對大自然的學習”，散發著母性的氣息;另外一個石頭則被稱為“傢裏的女人”;而我特彆情有獨衷的則是一個其上滿布圓球的不規則石頭，Louise說其靈感來自於幼年時在那間鄉下大屋子裏玩的捉迷藏遊戲——啊哈，又是那間大屋子。

身在異國的日子仿佛一切太平，她誕下瞭兩個兒子。他們跟她的姓，讓•路易絲•布爾喬亞(Jean Louis Bourgeois)和阿蘭•布爾喬亞(Alain Bourgeois)是她割捨不下的法國情懷，悲傷鄉愁的血脈延續。

70歲纔到來的黃金時代

在父親病故、丈夫猝死之後，所有關於那間鄉下大屋子的恐懼終於再一次地襲擊瞭時已年屆70歲的路易斯•布爾喬亞;而與之相輔相承的，貯藏於她體內的真實創作力量也在這個時期大肆爆發瞭。一邊，她想要永遠地跟法蘭西說再見，改換國籍，以美國人的身份參加瞭二屆威尼斯雙年展;另一邊，她的作品開始變得肆無忌憚，那個紅色的傢庭餐桌曾被藝術評論傢認為是最為暴力而恐懼的作品。路易絲重新用迴早期素描裏的紅色，她翻開抽屜裏少女時代的日記本，上麵是用紅墨水筆跡反復記錄的誑言和咒語：紅色是血的顔色。紅色是痛的顔色。紅色是暴力的顔色。紅色是危險的顔色。紅色是害羞的顔色。紅色是嫉妒的顔色。紅色是批評的顔色。紅色是重審的顔色 ……

她的作品開始更關注人物命運和人性主題，從外在來看，那些金屬尖銳的雕塑變得悲傷而暴力——路易斯•布爾喬抱著巨大的陽具fillette，猙獰地微笑，這張照片簡直成瞭藝術傢的代錶肖像。那些溫柔版本的fillette也性彆模糊，被細繩冰冷地懸掛角落。一隻兔子被刨膛破肚。一隻眼睛脫離身體。我仿佛看到瞭一個孤獨的老太太內心深處的不安與恐怖，塵封的迴憶突然蘇醒，多舛的命運和無常的人性開始顯山露水。

她仍然在那創作個展的最後一部分是一些布料縫製的娃娃，它們同樣通體透紅，既暗示著死亡也意味著生命。路易絲把小一點的布偶縫在大一點的布偶身上，那隱喻著孩子與母親的關係，介於連接與分離之間的微妙狀態：不要拋棄我，彆讓我離開你的子宮。路易絲也把自己的每一個傢庭成員都做成瞭布娃娃，他們相互擁抱在一起，沒有性彆，一個身體兩個頭，互相親吻，生命短暫的溫暖被停擺瞭。

走齣展廳，我在那一長廊的黑白照片前做最後的駐足停留。從路易斯•布爾喬亞剛齣生，到在地毯行做買賣的父母，到那間神秘的鄉下大屋子，到runaway至美國，結婚，生子，父親的情人，她的丈夫，她的三個孩子…… 每個時刻、每個她生命中經曆過的重要人物，都用一張張黑白照片來記載。這對她這一生的迴顧，一直追溯瞭一個世紀，直到2008年最近的那張照片上，Louise已經老得不行瞭，可她身穿最時髦的白色T恤衫，上麵印著當代藝術界所有名人的抬頭。

如果與歲月的漸長相呼應的，是藝術錶達方式的返樸歸真，技巧與目的大隱隱於無形;那麼路易斯•布爾喬亞以她自身及其作品對此進行瞭最勇敢的實踐。她老瞭，記憶開始衰退;她不知道周圍發生過些什麼，她也不知道周圍在發生著些什麼;如果有人好心地告訴她、提醒她，她興高采烈地呼應著然後馬上遺忘。她很快就97歲瞭，不再需要空間來記憶有關這個二十一世紀的無聊細節，她的空間已經被童年的迴憶牢牢占據瞭，甚或那根本已不是迴憶，而隻是她的想像。

從來沒有一個藝術傢，把自己的一生如此直白勇敢地展示給世人，她帶給我們人性在命運改變中的深刻思考，她被稱作一代偶像!你可以說她隻活在自己的世界裏，但她一嚮如此，獨來獨往，她說她是女性主義者可從來不見她參與任何女性主義的時髦活動。她的年代經曆瞭印象派的騰飛、極簡主義的流行，可她卻不屬於任何一個流派，她一直走在藝術之巔，卻絕對獨立於流行之外。

來源於百度百科