具体描述
《莫谢莱斯24首钢琴练习曲:作品70》主要内容简介：作者在此呈现给公众一部练习曲集的同时，也提出了一种供练习者思考的理念及相关的实践之路。那就是，练习者经过很多各式各样的训练后获得了相应的个人素养，这是学习钢琴演奏的第一步，在此之后，练习者往往希望能够探索一些独有的个性，诸如一些早期大师的伟大典范所启发他的那些独特的东西。这些特质可能不再新颖，但仍应该赋予其新的表现，哪怕所重现的是虽与以往雷同但对于他自己来说却是特有的风格。作者设想本套练习曲的学习者像他自己那样敬仰于那些著名的大师，并通过对他们作品的长期研习，已经建立起坚实的基础和基于音乐感觉与修养的演奏风格；作者也希望能理解演奏者之所想，使弹奏中引入比出自于简单机械式的完美的手指运动更为多样的色彩。为了使本套练习曲更为实用，作者执意添加了各式各样有助于演奏者的提示。尽管这些提示也能在其他钢琴理论典籍中见到，但在作者看来仍值得重新提及，因为根据一个错误的观点，认为钢琴演奏的学习进程中总会伴随着健忘，甚至忽略的是重要的基本规则。对于那些认为这些规则不重要、忽视其中价值的，如果他希望赢得一位富有乐感的演奏者的声誉，必将增长痛苦的练习过程，直到最后发现必须重复折回他的练习进程。
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这套练习曲集，初上手时颇有种面对高山仰止的敬畏感。那些快速的音阶和琶音，像是湍急的河流，试图冲垮我原本略显笨拙的指法。记得第一次尝试那些大幅度的跨越，手指仿佛被看不见的绳索束缚，每一次触键都充满了计算和不安。更别提那些需要精确控制力度的乐章，轻柔处如羽毛拂过琴弦，重音时又似雷霆万钧，想要在这两种极端之间找到平衡，简直是对听觉和触觉的双重考验。我花了好几周时间，仅仅是把前几首的节奏型跑顺畅，那种挫败感是真实存在的，就像是迷失在复杂的迷宫里找不到出口。但是，当某一天，某一个难点突然‘开窍’了，那些原本僵硬的音符开始流畅地连接起来，变成一股有生命力的音乐洪流时，那种成就感是任何言语都无法比拟的。它不仅仅是技巧的磨练，更像是对演奏者内心耐心和毅力的深刻拷问，每攻克一关，都能感觉到自己与钢琴之间的壁垒又消融了一分。
评分坦白说，这套练习曲在音乐性上的雕琢，远超我最初对“练习曲”的刻板印象。我原以为它们会是枯燥的、纯粹的机械训练材料，但事实证明，我错了。当我真正投入进去，用心去聆听每一个音符之间的关系时，我感受到了强烈的戏剧冲突和情感张力。有些乐章充满了近乎狂暴的能量，仿佛在描绘一场宏大的内心挣扎，需要演奏者释放出全部的激情和爆发力；而另一些则安静得近乎冥想，每一个音都像是从深沉的寂静中缓慢生长出来，需要极高的控制力来维持那种脆弱的平衡。我曾经试着在不同的心情下弹奏同一首练习曲，发现它会呈现出截然不同的面貌——这说明它的结构是如此丰富，足以承载演奏者自身的情感投射。这已经不是简单的指法练习，而是在用键盘与听众进行一场深入的心灵对话。
评分翻开这本乐谱时，我最先被吸引的是它排版的精致与严谨。每一个指法标记都如同精密仪器的刻度，清晰、准确，没有丝毫含糊不清的地方，这对于正在学习早期巴洛克或古典时期风格演奏的爱好者来说，简直是福音。我习惯于在练习前仔细研究这些提示，它们不仅仅是‘建议’，更像是作曲家留下的、穿越时空的现场指导。尤其是那些关于踏板使用的标注，细致到了令人发指的地步——何时需要半踏，何时需要完全释放，每一个细节都指向一种特定的音响效果的追求。我发现，仅仅是按照这些标记去尝试，我的音乐理解力都有了显著的提升，不再是盲目地追求速度，而是开始关注声音的‘质感’和‘呼吸感’。这套练习曲的深度在于，它迫使你去思考：在最快的速度下，你如何依然能保持清晰的复调线条？这种对清晰度的执着追求，无疑是提升演奏表现力的核心要素。
评分我必须承认，对于初学者来说，这套曲子可能显得有些“吃力不讨好”。我曾经尝试让我的一个刚学琴不久的朋友翻阅，他看到那些密集的十六分音符和复杂的双手交叉时，几乎立刻就合上了书。它要求的预备知识和技术基础是相当高的，它假设了学习者已经具备了良好的乐感和一定程度的指板独立性。然而，正因为它的高门槛，它成为了我提升“瓶颈期”的绝佳利器。每当我感觉自己的演奏停滞不前，找不到突破口时，我就重新回到这套作品中，找一个恰好能挑战我当前极限的练习来攻克。每一次成功，都像是为我的技术体系添砖加瓦，让我的演奏视野变得更开阔，对于更高难度的作品也能更从容地应对。它更像是一个技术‘试金石’，而不是温和的‘启蒙教材’。
评分最让我感到惊喜的是，这套练习曲的复调处理能力训练得极其到位。在现代钢琴演奏中，很多作品都需要清晰地分离出不同的声部线条，而这套曲子正是为此而生的绝佳范本。你会发现，即使在最快的速度下，你依然需要清晰地突出主旋律的线条，同时保持伴奏声部的稳定与和谐，这要求双手的高度协同和大脑的快速切换能力。我特别喜欢其中几首涉及三声部或四声部交织的练习，它们迫使你去‘听见’那些原本容易被你忽略的内声部。经过反复练习，我发现自己对于乐曲的整体结构感和层次感有了质的飞跃，不再是‘一团乱麻’地弹奏，而是能清晰地勾勒出音乐的骨架和血肉。这对于日后演奏复杂的室内乐或管弦乐改编曲都有着不可估量的帮助。
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