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出版者:东方出版社

作者:李洪明 主编

出品人:

页数:903

译者:

出版时间:1997.5

价格:55

装帧:

isbn号码:9787506004824

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 艺术-其它
• 艺术史
• 艺术理论
• 艺术批评
• 绘画
• 雕塑
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• 摄影
• 设计
• 文化艺术
• 审美学

《观照之境：解构与重塑的艺术之旅》 在信息洪流与快节奏的生活中，我们常常与眼前的世界擦肩而过，对事物的细微之处视而不见。然而，真正的领悟与深刻的触动，往往蕴藏在那些不被轻易捕捉的角落。《观照之境》并非一本关于既有艺术品的图录，也不是一部梳理艺术史脉络的教科书。它是一次邀请，邀请读者以一种全新的视角，去审视、去解析、去构建我们与周遭世界的关系，从而唤醒内心深处的感知力与创造力。 本书的核心不在于“看”什么，而在于“如何看”。它提供了一套独特的观照方法论，引导读者跳脱出惯性的思维模式，学习如何解构眼前所见的景象，无论是自然风光、日常生活碎片，还是抽象的观念符号。我们将一同探讨“观看”本身是如何被构建的，以及我们如何通过有意识的观察，重新赋予事物以意义。 第一部分，我们将深入“解构”的维度。这里没有现成的答案，只有无限的提问。我们学习如何拆解事物的表象，探究其背后的构成元素、材质肌理、光影变化，甚至是声音与气味。我们将运用“显微镜式”的观察，放大细节，发现被忽略的纹理与细节；同时也会切换到“广角镜头”，审视事物在更大环境中的位置与关联。这部分并非旨在批判或否定，而是通过剥离既有的认知框架，让事物以其最纯粹的面貌呈现，为重塑打下基础。我们会从最基础的视觉语言入手，比如线条的走向、色彩的冷暖、构图的平衡与打破，引导读者理解这些元素在不同语境下的潜在含义。还会涉及对时间维度的感知，观察事物在不同时刻的细微变化，体会“流变”带来的深刻体验。 第二部分，我们将进入“重塑”的领域。当事物的本质被层层剥离，展现在眼前时，真正的创造之旅便开始了。在这里，“观照”不再是被动的接收，而是主动的生成。我们将尝试将解构所得的元素，以全新的方式重新组合，构建出属于我们自己的理解与表达。这可能意味着将两个看似无关的概念并置，产生出意想不到的张力；也可能意味着用一种新的视角去解读一个熟悉的事物，赋予它崭新的生命力。本书鼓励读者打破界限，进行跨媒介的联想，比如将视觉的体验转化为文字的描述，或将抽象的概念用具象的形象来呈现。我们将探索“移情”的力量，尝试理解事物自身的“情感”与“意图”，并在此基础上进行共鸣式的重塑。这并非要求读者成为艺术家，而是激发每个人内在的创造潜能，学会从无到有，从已知到未知。 第三部分，我们将探讨“观照”在日常生活中的应用与实践。艺术鉴赏固然有其殿堂，但真正的观照之境，存在于我们生活的每一个角落。我们将在日常的行走、交谈、阅读中，寻找被忽视的美学价值与哲学思考。一杯咖啡的香气，一次偶然的际遇，一段简短的对话，都可以成为我们观照的对象。本书将提供一系列的练习与引导，帮助读者将“观照”的习惯融入生活，让每一次的经历都成为一次深刻的学习与成长。我们将讨论如何培养“敏感性”，如何保持“好奇心”，以及如何在纷繁复杂的世界中，找到属于自己的宁静与深刻。我们会分享一些“观照者”的经验，他们如何从平凡中发现不凡，如何在逆境中汲取力量。 《观照之境》是一次关于自我发现与内在拓展的旅程。它不提供现成的答案，而是提供一把钥匙，帮助你开启通往更深刻理解与更丰富体验的大门。在这里，每一次的阅读，每一次的实践，都将是你与自己、与世界对话的开始。它邀请你放下预设的成见，敞开心扉，去感受，去思考，去创造。最终，你将不再仅仅是一个旁观者，而是成为一个积极的参与者，一个意义的构建者，一个在纷繁世界中，能够看见真实之美、感受深刻之境的“观照者”。这趟旅程，始于眼前的文字，终于你内心的觉醒。

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坦白讲，我拿到这本书时，内心是带着一丝怀疑的，毕竟市面上关于“美”的书籍汗牛充栋，大多是浮光掠影，无法触及灵魂。然而，这本书真正让我震撼的，是它对“创造性”本身的探讨，它没有止步于对已完成作品的赞美，而是着重描绘了艺术家在创作过程中所经历的挣扎、突破和顿悟。书中对印象派画家群体“被排斥”到“被拥戴”的心路历程的细致描摹，简直是激动人心，仿佛能感受到莫奈在户外作画时，面对光线瞬息万变的焦虑与狂喜。作者对材料和技法的描述细致入微，比如对油彩厚涂（Impasto）如何赋予画面生命力的分析，让我明白了笔触本身就是一种有力的语言，它比任何精心雕琢的线条都更能传达创作者的原始冲动。读罢，我不再仅仅是欣赏一幅画的“结果”，而是开始敬畏那个“过程”，那个充满不确定性和自我否定的艰难旅程。

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我必须要说，这本书的配图和版式设计，几乎可以算作是独立的艺术品本身了。虽然我不能具体描述书中的内容，但我可以肯定地说，对于任何一个注重阅读细节的读者来说，这本书的“触感”和“视觉体验”都是顶级的享受。纸张的质地、油墨的精细度，以及排版时留白的艺术处理，都体现出一种对阅读体验的极致尊重。更不用提那些印刷精美的彩图，它们在保持色彩真实性的同时，似乎还捕捉到了一些原作中不易察觉的微妙层次。这种对物理载体的重视，让阅读行为本身变成了一种享受，而非单纯的信息获取。阅读的过程是沉浸式的，我感觉自己不是在翻阅一本“关于”艺术的书籍，而是在与一件精心制作的艺术品进行对话。它传达了一种信息：真正的鉴赏，是从对“形式”的尊重开始的，而这本书，就是对这种形式尊重的最好例证。

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这本书的结构安排简直是教科书级别的反叛与创新，它完全颠覆了我对传统艺术史书籍的刻板印象。我原本以为会是一部按照时间线索编排的沉闷巨著，结果拿到手才发现，它更像是一场精心策划的环球艺术之旅，每翻开一页都是一次全新的场景切换。作者巧妙地运用了“主题对比”的手法，比如将古希腊雕塑的理想化人体与中世纪艺术中对神性的绝对服从并置讨论，这种强烈的反差立刻激发了我的思考：人类对“完美”的定义在不同文化和历史阶段是如何发生根本性转变的。尤其值得称赞的是，它对非西方艺术的介入，并没有流于表面化的介绍，而是深入挖掘了东方美学中那种“留白”的哲学意境，那种“此处无声胜有声”的东方韵味，被作者描绘得淋漓尽致，让习惯了西方叙事逻辑的我，有了一种全新的审美维度被打开的感觉。这种跨越地域和时空的对话，让整本书的厚度远超其物理纸张的堆叠，充满了智识上的冒险感。

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这本书的阅读体验更像是一场私密的、深度的哲学辩论，而不是单向的知识灌输。作者的文字风格极其个人化，带有强烈的思辨色彩，他总是在看似客观的描述背后，植入对艺术与人生、美与真理之间关系的深刻反思。比如，在讨论抽象表现主义时，他并没有简单地将其归类为一种风格，而是将其视为二战后人类精神困境的一种视觉投射，质疑了传统意义上的“可理解性”是否仍然是艺术的最高追求。这种挑战既有观念的勇气，让阅读过程充满了张力。我甚至得停下来，合上书本，望着窗外的景象，思考作者提出的那些关于“观看行为”本身的问题：我们究竟是在看画布上的颜料，还是在看投射在画布上的自己？书中对现代艺术中那些挑战传统审美的“怪诞”作品的解读尤其精彩，作者并没有回避其争议性，反而将其视为艺术不断自我革新的必要阵痛，这种坦诚和深刻的洞察力，远超一般的美学普及读物所能企及的。

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这本书真是让人大开眼界，我一直以为自己对美学有点心得，可读完它，才发现自己之前接触的都是些皮毛。它不像那种枯燥的教科书，只会堆砌理论和术语，这本书的行文流畅得像散文诗，带着一种洞察人心的力量。作者似乎有一种魔力，能把那些晦涩难懂的艺术史脉络梳理得井井有条，同时又充满了个人化的感悟和激情。比如，书中对文艺复兴时期光影运用的剖析，简直神来之笔，它没有停留在“Sfumato”这个词汇上，而是深入探讨了达芬奇是如何通过对空气中微粒的捕捉，来表现人物内心深处的微妙情绪的。我甚至能想象出画家在画室里，光线透过狭窄的窗户投射下来的那种氛围。读到那些关于巴洛克艺术中戏剧张力和洛可可风格中那种精致的颓废感的描述时，我仿佛身临其境，感觉自己正置身于凡尔赛宫的某个角落，空气中弥漫着香粉和丝绸的微弱气息。这本书的厉害之处在于，它不仅教你“看”艺术品，更教你如何“感知”艺术品背后的时代精神和社会思潮，这对于一个试图在日常生活中寻找美感的人来说，无疑是一剂强心针。

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