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出版者:

作者:费奥娜·皮尔特

出品人:

页数:96

译者:传神翻译

出版时间:2009-8

价格:50.00元

装帧:

isbn号码:9787505964747

丛书系列:柯林斯 30 分钟绘画系列

图书标签:

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探索油画的无限可能：从入门到精通的全面指南 油画艺术，一场色彩与光影的永恒对话 本书旨在为所有对油画艺术怀抱热忱的初学者和希望提升技艺的中级学习者提供一套系统、深入且极具实践指导价值的教程。油画，以其独特的媒介特性——丰富的质感、持久的色彩表现力和卓越的层次感——长期以来被视为西方绘画的主流形式。它不仅是一种创作媒介，更是一种观察世界、表达情感的独特视角。 本书摒弃了冗长晦涩的理论说教，将重点放在“动手实践”与“艺术思维”的同步培养上。我们相信，掌握油画的精髓，在于理解材料的脾性，并在不断的实践中建立起属于自己的视觉语言。 第一部分：油画的基石——材料与准备 1. 认识你的工具箱：油画材料的全面解析 在开始创作之前，深入了解你的“武器库”至关重要。本章将详细介绍当代油画创作所需的主要材料，确保你能够做出最适合自己风格和预算的选择。 颜料的选择与化学特性： 我们将分类讲解传统油画颜料（如土性色、镉系、钴系、群青等）的化学成分、覆盖力（Opacity）、透明度（Transparency）以及干燥速度。重点介绍“重油”与“轻油”的区分，以及如何解读颜料管上的标签信息。同时，探讨当前环保型无味油的兴起及其应用场景。 媒介剂的魔法： 媒介剂是油画的灵魂。我们将详细拆解调和油（如亚麻籽油、罂粟油、核桃油）的提纯过程和对画面光泽度的影响。深入讲解松节油、矿物油精（White Spirit）作为稀释剂和清洗剂的功能，并提供几种经典媒介配方（如“四油三稀释法”、“荷兰油”等）的精确配比和适用范围，教你如何根据天气和画面需求调整媒介的粘稠度。 画笔的哲学： 从天然鬃毛笔（Hog Bristle）到合成纤维笔，再到貂毛笔（Sable），每种笔触都带有独特的“性格”。我们将指导你如何根据描绘对象（如大面积铺色、精细刻画、边缘柔化）选择合适的笔型（圆头、平头、扇形、排笔），并提供科学的清洗和保养方法，延长画笔的寿命。 基底的构建： 成功的油画始于坚实的基底。我们将从帆布（Linen vs. Cotton）、木板、密度板的准备工作讲起。详细演示“打底”的科学性：如何正确调配和涂抹吉索（Gesso，底料），确保基底的吸油性适中，防止颜料渗漏或时间久了导致画布脆裂。 2. 工作空间的设置与安全实践 一个高效且安全的工作环境是持续创作的保障。本章提供专业的工作室设置建议，包括光线（自然光与人工光的色温匹配）、通风系统（处理溶剂气味的必要性）、颜料储存和废弃物处理的环保规范。 第二部分：从零开始——掌握基本技法 3. 色彩理论的深度实践 色彩是油画的生命线。本书超越基础的色轮概念，聚焦于油画媒介中的色彩互动。 光与色的感知： 学习如何观察和分析自然光下的色彩关系，理解固有色、环境色、受光色与背光色的微妙变化。 调色科学与灰度的控制： 掌握如何通过“去饱和”来控制色彩的“灰度”，这是区别专业与业余的关键。提供针对冷暖灰的系统练习方法，以及如何利用补色关系调出鲜活的中间调。 颜色的叠加艺术： 详细对比“湿对湿”（Alla Prima）和“湿对干”（Layering）两种主要上色技法的色彩效果，并指导读者如何避免颜色在调色板上过度混合而变得“脏污”。 4. 油画的层次构建：从素描到完成 油画的完成需要经过多层结构性的堆叠。本书采用古典油画的“瘦在前，肥在后”原则，系统教授分层技法。 第一层：单色起稿（Imprimatura & Underpainting）： 学习使用稀释的单色（如赭石或生褐）快速建立画面的明暗关系和基本构图，这是定调的关键步骤。 第二层：半透明铺色与造型（Blocking-in）： 使用媒介剂适度稀释颜料，大面积铺设主要色块，确立画面的空间深度和体积感。 第三层与后续层：塑造与细节刻画（Modeling & Detailing）： 随着画面水分（油性）的增加，逐步深入刻画纹理、高光和细节。重点讲解如何处理边缘过渡，实现“虚实相生”。 第三部分：专题深化——特定主题的突破 5. 人物与肖像的结构性描绘 肖像画要求对人体结构有深入理解。本章侧重于将解剖知识转化为绘画语言。 头部的光影几何： 分析不同光照角度下，额头、眼眶、颧骨和下颌的体积变化。 皮肤的复杂性： 探讨如何用透明的釉色（Glazing）来模拟皮肤下血液的流动感，表现健康肤色，避免“蜡人”效果。 眼神的捕捉： 专注于眼睛的结构，以及如何利用微小的高光点来赋予画中人物生命力。 6. 风景写生与大气透视的奥秘 风景画的挑战在于捕捉瞬间的光影和无限的空间感。 大气的处理（Atmospheric Perspective）： 讲解远景物体如何因空气介质的影响而色彩变冷、对比度降低的规律，并指导如何将其精确应用到画面中。 光影的戏剧性： 专注于强烈的日光效果（如侧光、逆光）如何塑造地景的轮廓和纹理。 水体的表现： 特别针对水面反光、涟漪和水下深度的描绘技巧。 7. 静物：质感与光泽的“触感”表达 静物是训练观察力和技法的绝佳主题。 金属与玻璃的挑战： 针对高反光材质，讲解如何通过精确描绘“反射”而非“物体本身”来表现其质感。 织物与水果的柔软： 学习如何使用笔触的松紧变化来区分丝绸的垂坠感与水果表面的蜡质光泽。 第四部分：超越技巧——艺术的完成与自我评价 8. 画面检查与最后的润饰 一幅画的成功与否，往往取决于最后阶段的判断力。 反思性观察： 学习在不同光线下（如侧光、顶光）检查画面是否存在结构性错误或色彩失真。 “瘦上肥下”的最终检验： 确认画面每一层的油性比例是否正确，以确保长期保存的稳定性。 签名与保护： 讲解正确的晾干时间，以及如何选择合适的凡尼斯（Varnish，罩光漆）来保护和统一画面的最终光泽。 本书期望为你构建一个坚实的油画创作体系，让你不再受限于“我不知道该怎么画”的困惑，而是能够自信地将脑海中丰富多彩的景象转化为永恒的画布杰作。拿起画笔，开始这场关于光与物质的探索之旅吧。

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这本书最让我感到惊喜的一点是，它成功地将“技法学习”与“艺术表达”进行了有效的衔接，避免了陷入“技巧训练陷阱”。很多时候，我们学了很多技巧，却发现画出来的东西都是千篇一律的“标准答案”，缺乏自己的“精气神”。这本书在教授完基础的晕染、渲染、叠色等技巧后，立刻会引导读者进行“一笔画”或“情绪速写”的练习，鼓励我们在短时间内，不追求细节的完美，而是捕捉瞬间的感受。例如，它会要求你只用三种颜色，在五分钟内画出窗外一片光影洒下的感觉。这种训练方式，极大地激发了我的创造力和个人风格的探索欲。它强调的不是“像不像”，而是“感不感觉得到”，这对于一个渴望在艺术中找到自我表达出口的初学者来说，是非常重要的心理引导。它让我明白了，工具是为人服务的，技法只是手段，最终的落脚点永远是个人的观察和情感投射。

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读完这本书，我最大的感触是它对于“效率”的极致追求，简直是为现代都市快节奏生活人士设计的“速成秘籍”。我经常因为工作繁忙，根本没有大块的时间投入到爱好中去，通常只能在通勤路上看看视频或者听听播客，真正能坐下来静心画画的时间少之又少。很多艺术书籍厚得像砖头，光是翻阅目录就让人望而却步，更别提完成里面的每一个项目了。这本书的结构非常清晰，它把复杂的绘画过程拆解成了若干个可以在午休时间或者睡前快速完成的模块。我尤其欣赏它对“主体聚焦”的强调，比如画一束花，它不会让你花费大量篇幅去描绘背景的草地和天空，而是直接切入花瓣的结构和色彩过渡，用最少的笔触捕捉到最核心的视觉特征。这种“抓重点”的学习方法，让我的学习曲线变得异常陡峭，以前画一个简单的苹果可能要花上半小时还画不像，现在学会了用最快的速度抓住光影变化后，十分钟内就能得到一个形神兼备的初稿。它让我意识到，艺术创作不一定非得是耗时耗力的苦修，也可以是高效、愉悦的“碎片时间投资”。

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这本书的审美格调和色彩运用，彻底颠覆了我对“入门教程”的刻板印象。很多初级教材为了照顾新手，往往会选择非常简单、甚至有些呆板的配色方案，比如红配绿、蓝配黄这种最基础的原色组合，导致成品看起来总像是小孩子的涂鸦，缺乏高级感。然而，这本书在色彩搭配上明显下足了功夫，它没有过多谈论复杂的色彩理论公式，而是直接给出了一系列“高级配色方案”的范例，并且解释了为什么这些颜色组合在一起会产生宁静、活泼或忧郁等不同的情绪。我特别喜欢它对于“灰调子”的讲解，以往我总觉得水彩的魅力在于其透明和鲜亮，但这本书教会我如何巧妙地引入少量灰色调来压制过于刺眼的颜色，从而营造出一种柔和、富有空气感的视觉效果。这些技巧并非高不可攀，而是通过几个简单的步骤就能轻松掌握。这不仅仅是一本绘画技巧书，更像是一本关于如何“看见美”的入门指南，它提升了我对日常生活中光影和色彩关系的敏感度。

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这本书简直是为我这种“手残党”量身定做的“救星”！我一直对水彩画抱有浓厚的兴趣，但每次拿起画笔，面对那摊开的颜料和吸水性太强的纸张，就感觉手足无措，最终画出来的东西简直不忍直视。我试过好几本入门教程，那些动辄要求你对色彩理论烂熟于心，或者对线条控制有外科医生般精准度的要求，对我来说简直是天方夜谭。直到我翻开这本，立刻有一种“相见恨晚”的感觉。它没有用那些晦涩难懂的艺术术语来吓唬人，而是用一种非常接地气、几乎是手把手带着你往前走的态度。特别是关于如何控制水量那一章节，简直是醍醐灌顶！我过去总是担心水太多颜料会洇得到处都是，或者水太少颜色出不来，这本书用非常直观的图例展示了不同湿度下的颜料表现，让我第一次明白了“湿中湿”和“干画法”之间的细微差别，并且提供了大量可以在十分钟内完成的小练习，比如一片简单的云彩，或者一块小小的石头纹理。这极大地缓解了我对“完美主义”的焦虑，让我明白了绘画的乐趣在于过程而不是结果。那种小小的成就感，在短时间内就能累积起来，太棒了！

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从排版和易读性来看，这本书的设计简直是业界良心，完全没有那种传统教辅书籍的枯燥感。我常常觉得，内容再好，如果排版混乱，也会让人打退堂鼓。这本书的每一页都经过精心布局，留白恰到好处，不会让读者感到信息量过载。图文比例掌握得非常好，大量的步骤图清晰、放大且编号明确，即便是最复杂的一步，也能通过图示迅速理解。更值得称赞的是，它的纸张选择也充分考虑到了水彩画的特性，虽然是印刷品，但那种略带纹理的触感，让人在阅读时就仿佛已经开始动手实践了。而且，它没有采用那种过于光滑的纸面，使得在进行临摹或者对照参考时，眼睛不容易疲劳。很多教程为了省成本，会把步骤图印得很小或者颜色失真，这本书则完全没有这个问题，所有的颜色都忠实地还原了水彩本来的样子，这对于建立初学者的色彩认知至关重要。

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简单明了，可惜这种水彩画出来并不觉得特别好看…

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还是有点粗糙哈。。

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很不错的一本水彩实践书，纵然它是小小薄薄却并不便宜的一本。我相信当我真的开始水彩画的时候，它一定会派上大用场。

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这也是本30分钟可以读完的书。直接画法还真没有试过

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很适合初学者！虽然图样好像没什么让人想要临摹的动力……