Six Fairy Variations from the Prologue of the Ballet the Sleeping Beauty/With Piano Score pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Princeton Book Co Pub

作者:Marius Petipa

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1980-06

价格:USD 15.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780932582669

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 芭蕾舞曲
• 柴可夫斯基
• 钢琴谱
• 变奏曲
• 仙女
• 睡美人
• 音乐会
• 乐谱
• 古典芭蕾

幻想的序曲：探寻古典芭蕾的华彩乐章 这部名为《幻想的序曲：探寻古典芭蕾的华彩乐章》的著作，是一部深度聚焦于十九世纪末至二十世纪初欧洲古典芭蕾艺术的恢弘史诗。它并非仅仅罗列舞剧的名称与日期，而是旨在剖析支撑起“古典芭蕾”这一美学范式的核心精神、技术革新与社会背景的复杂交织。本书以严谨的音乐学、舞蹈史学和文化人类学的交叉视角，为读者构建了一幅关于古典芭蕾黄金时代的立体画卷。 全书分为五个主要部分，每一部分都旨在揭示古典芭蕾从彼得堡的宫廷殿堂走向世界舞台的内在驱动力。 第一部分：浪漫主义的回响与古典主义的坚守 本部分首先追溯了古典芭蕾的源头，重点考察了法国大芭蕾时代（Grand Ballet）如何为彼得堡的帝国芭蕾学校奠定坚实的基础。我们深入探讨了玛丽乌斯·彼季帕（Marius Petipa）在圣彼得堡的早期实践，分析他如何将法国精细的叙事传统与俄罗斯日益成熟的古典技巧相结合。作者详细考察了彼季帕早期作品的编舞结构，特别是他如何开始实验性地引入“大双人舞”（Grand Pas de Deux）的固定模式，这种模式成为后来所有古典三幕或四幕舞剧的结构骨架。 这一部分也聚焦于音乐与舞蹈的早期协同作用。我们分析了柴可夫斯基在与彼季帕合作之前的音乐环境，以及亚历山大·格拉祖诺夫等作曲家如何理解并忠实地服务于古典美学的严格要求。这里的核心论点是：古典主义并非僵化，而是对结构、对称与和谐的极致追求。 第二部分：技术革命与足尖的哲学 本书的第二部分将焦点集中于技术层面，这是区分古典芭蕾与早期浪漫主义芭蕾的关键。我们细致入微地审视了足尖技术的演变。作者引用了当时芭蕾大师的笔记和早期舞者对“真正站立”（true standing）的描述，探讨了技术如何从一种辅助叙事（如《仙女》中的轻盈漂浮）转变为一种独立的美学表达。 详细的章节致力于分析“点转”（Pirouettes）、“阿拉贝斯克”（Arabesques）在彼季帕体系中的量化标准和美学要求。书中包含对十九世纪末期脚尖鞋制作工艺的考证，解释了技术进步如何反作用于编舞的可能性，使舞剧的复杂性和难度得以显著提升。这里，我们将“技术”视为一种哲学——对重力、平衡与人类潜能的挑战与征服。 第三部分：史诗的构建：多幕舞剧的编排原理 这是全书篇幅最大、分析最为集中的部分，探讨了古典芭蕾的标志性成就——宏大的多幕舞剧的创作机制。我们以几部具有里程碑意义的舞剧为例，解构其叙事线索、场景调度和群舞（Corps de Ballet）的运用。 作者提出了“分层叙事”的概念：主线爱情故事、副线魔法或政治冲突，以及核心的“纯舞蹈段落”。我们研究了彼季帕如何娴熟地运用“场景化”（Scenography）——例如，在《睡美人》中从“水晶宫”到“玫瑰花蕾”场景的快速切换，如何利用音乐和服装的色彩变化来暗示故事情节的推进，而非仅仅依赖于哑剧。特别值得一提的是，本书对群舞的地位进行了重新评估，揭示了群舞如何从单纯的背景装饰，发展成为表达抽象概念（如水、星辰或仙子的集体意志）的强大工具。 第四部分：地域的张力与艺术的迁移 古典芭蕾虽以彼得堡为中心，但其影响早已辐射至西欧和美国。本部分考察了十九世纪末二十世纪初，俄罗斯学派如何向巴黎、米兰和纽约输出其技术与美学观念。我们分析了移民芭蕾大师在重建或影响西方剧院中所扮演的角色，以及这种文化“反向移植”带来的适应与冲突。 一个关键的讨论点是：当古典芭蕾的严格结构进入一个更加追求个人表现力的时代时，它如何抵抗瓦解的趋势？本书认为，正是俄罗斯学派对“经典文本”的坚守，为后来“现代芭蕾”的诞生提供了清晰的反例和可供参考的参照系。 第五部分：跨越世纪的遗产：审美疲劳与永恒的魅力 最后一部分着眼于历史的回望与评估。我们探讨了二十世纪初期，当“俄罗斯季”席卷欧洲时，古典芭蕾所面临的审美挑战，特别是来自狄亚吉列夫（Diaghilev）及其“俄罗斯芭蕾舞团”所代表的先锋艺术的冲击。 本书并非简单地赞美古典芭蕾的“永恒性”，而是试图理解其魅力何在：是在于其无可挑剔的结构？是音乐的丰裕？还是舞者在极度受控的范式中展现出的个体英雄主义？通过对不同时代对同一部古典舞剧录像和文献的对比分析，本书最终旨在确立古典芭蕾在世界艺术史上不可替代的地位——它既是技术的巅峰，也是一个特定时代社会秩序与审美理想的完美结晶。 本书的写作风格力求避免使用晦涩的术语，而是通过清晰的结构、详实的文献引用和富有洞察力的分析，为古典芭蕾爱好者、舞蹈专业的学生以及对十九世纪欧洲艺术史感兴趣的普通读者，提供一部兼具学术深度与阅读乐趣的指南。

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这本书的装帧设计，坦率地说，带有一种令人怀旧的魅力，仿佛是直接从一个老式的音乐沙龙里搬出来的物件。我特别留意了纸张的边缘处理，那种略微做旧的纹理，绝非简单的印染效果，而是模拟了岁月在纸页上留下的痕迹，这种对历史感的追求，无疑是针对那些痴迷于古典音乐史的深度乐迷。我将它与我收藏的其他现代版乐谱放在一起对比，立刻就能分辨出其独特的‘气场’。这种对细节的执着，也延伸到了目录和前言的布局上，虽然内容本身我尚未完全消化，但其结构布局的严谨性，已经让我心生赞叹。我可以想象，在昏黄的台灯下，伴着一杯热茶，翻动这些略带厚重感的书页，沉浸在那个辉煌的时代背景中，这本身就是一种享受，一种仪式感。

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这份乐谱的呈现方式，给我最大的震撼在于其对“结构”的尊重和再现。作为芭蕾舞剧的序曲，它本身的戏剧张力就极强，但这份印刷品，成功地将舞台上的动态感转化为了静态的视觉秩序。尤其是那些和声进行的部分，钢琴声部被处理得异常饱满，仿佛听觉上的色彩一下子变得丰富起来。我曾尝试用我的电子键盘去模拟其中的一些复杂段落，发现原谱中标记的踏板使用指示，对于烘托气氛至关重要，它要求演奏者必须对声音的延长和消散有着近乎建筑师般的精确控制。这本书并非旨在让初学者快速上手，它更像是一本献给那些愿意花时间去雕琢每一个音符、去理解每一个呼吸的音乐学者的“圣经”。它的价值不在于“快”，而在于“深”，它强迫你去放慢速度，去聆听那些潜藏在音符背后的，柴可夫斯基的深情低语。

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从一个纯粹的阅读体验角度来看，这本书的开本和重量拿在手里，有一种非常踏实的感觉，它不追求便携性，而是强调在固定场所进行长时间、沉浸式的研究。书页在摊开时，能够保持在一个相对稳定的角度，这在演奏或分析时非常重要，不必时刻担心书页会突然合拢打断思路。我尤其欣赏它在引用历史背景资料时所采取的注释方式，虽然我无法直接评价那些文字内容的准确性，但其排版方式——将引文置于一个略小的字体区块内，并辅以精致的小插图或版画——极大地提升了阅读的趣味性，将枯燥的背景介绍转化成了引人入胜的视觉之旅。这本书的整体风格，倾向于一种“档案式”的严肃性，它将音乐视为一种需要被小心保存和仔细解读的历史文物，而非仅仅是可供消遣的娱乐产品，这种态度，非常打动我这样的古典音乐爱好者。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了一种古典的墨绿色调，配上烫金的字体，散发出一种低调而奢华的历史厚重感。纸张的质感也十分出色，微微泛黄的米白色调，摸上去有种细腻的亚麻纹理，显然是经过精心挑选的。我特别喜欢它内页的排版，字体选择了一种优雅的衬线体，字距和行距都把握得恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。翻开扉页，首先映入眼帘的是一幅精致的插画，描绘的是睡美人城堡的宏伟景象，线条流畅，色彩典雅，仿佛能让人瞬间穿越回那个充满魔法与浪漫的十九世纪法布尔时代。装订方面，采用的是坚固的线装工艺，确保即便是频繁翻阅，书本也能保持平整，这点对于一本需要反复研习乐谱的读者来说，简直是太贴心了。整体来看，这本书从外到内都透露出一种匠心独运的专业态度，让人在拿起它的那一刻，就对即将开始的阅读充满了敬意与期待。它不仅仅是一本书，更像是一件可以珍藏的艺术品。

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我尝试着去理解这份乐谱的深度，但坦白说，初次接触时，那些复杂的五线谱和密集的音符简直像是一道道难以逾越的谜题。然而，正是这种挑战性，激发了我更深层次的好奇心。我注意到，编排者在处理柴可夫斯基原版主题时，似乎加入了一些非常细腻的、甚至是‘呼吸感’的调整，这使得原本已经非常宏大的旋律，在钢琴伴奏的烘托下，展现出了一种更具室内乐的亲密感和层次感。虽然我不是顶级的演奏家，但即便是从一个业余爱好者的角度去‘感受’这些标记，也能察觉到其中蕴含的深厚音乐学功底。比如，有些地方的力度记号（如*pp*到*mf*的渐强），被标注得异常精确，这暗示着演奏者需要对情感的流动有极其敏感的捕捉能力。这本书提供的不仅仅是音符的堆砌，更像是一份关于如何‘诠释’这部芭蕾序曲的无声指南，引导着演奏者去挖掘原作中被忽略的微妙情感线索。

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