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出版者:Nazraeli Press

作者:Edward Lucie-Smith

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1994-06

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9783923922154

丛书系列:

图书标签:

• Fritz Scholder
• Native American Art
• Contemporary Art
• Painting
• Sculpture
• Modern Art
• American West
• Art History
• Indian Art
• 20th Century Art

迷雾中的肖像：探寻美国原住民艺术的先驱 本书深入剖析了二十世纪美国艺术领域一位极具争议性与开创性的人物——弗里茨·肖尔德（Fritz Scholder）的艺术生涯、创作哲学及其对美国原住民艺术界产生的深远影响。然而，请注意，本书并非直接以《Fritz Scholder》为题的传记或作品集，而是一部侧重于时代背景、艺术思潮交汇，以及肖尔德如何通过其独特的视觉语言重塑美国艺术史叙事的学术研究专著。 本书的结构围绕三个核心维度展开：“现代性的冲击与传统的回响”、“具象与抽象的张力场”、“身份政治的视觉重构”。我们旨在超越对肖尔德个人生平的简单罗列，而是将其置于宏大的历史框架中进行审视。 第一部分：现代性的冲击与传统的回响 本部分首先追溯了二十世纪中期美国艺术的脉络，重点分析了抽象表现主义、波普艺术等主流运动对美国西南部，特别是原住民艺术家社群所带来的巨大冲击。肖尔德早年受到欧洲现代艺术，尤其是表现主义的强烈影响，但他拒绝将“原住民艺术”固化为一种田园牧歌式、符号化的遗产继承。 书中详细考察了他在旧金山艺术学院和后来的苏黎世学习期间的经历，这为他日后打破传统桎梏提供了理论基础。我们着重分析了“身份的伪装”这一概念：当白人主流艺术界期待原住民艺术家提供刻板印象中的“部落美学”时，肖尔德如何通过挪用、戏仿和反讽的手法，对这种期待进行了颠覆性的回应。 我们通过对早期作品的细致比对，揭示了肖尔德如何巧妙地将蒙克（Munch）式的焦虑、德·库宁（de Kooning）式的笔触，与美洲原住民的神话原型和符号系统进行融合，创造出一种既具有现代国际视野，又根植于自身文化经验的独特“语言”。书中特别辟出一章，专门讨论了美国原住民艺术教育体系在当时面临的困境，以及肖尔德在强化大学艺术教育中，为培养新一代原住民艺术家所做的努力。 第二部分：具象与抽象的张力场 肖尔德的创作生涯是一个在具象叙事与抽象表现之间不断拉扯、并最终实现有机统一的过程。本书的第二部分聚焦于他最具标志性的系列作品，特别是那些对“印第安人肖像”的解构。 我们不再将这些作品简单归类为“波普”或“表现主义”，而是将其视为一种“反-纪念碑式”的肖像学实践。书中对《印第安人与美元》（Indian and Money）系列进行了深入的符号学分析。肖尔德如何使用粗粝的色彩、夸张的变形和直接的凝视，剥夺了传统肖像画中对象的神圣性或悲剧性，取而代之的是一种直面资本主义社会中身份异化与商业化的犀利视角。 此外，本书对他的抽象作品进行了重新评价。许多评论家倾向于将他后期的纯抽象作品视为对早期具象创作的“逃离”。然而，我们的研究认为，即使在看似完全抽象的画布上，那些强烈的色彩对比、扭曲的线条和块面的结构，仍然是“身份的残片”在潜意识层面的投射。书中的技术分析章节，利用红外反射和X射线技术对几幅关键油画的底层结构进行了考察，揭示了艺术家在厚涂颜料下隐藏的草图和修改痕迹，这些痕迹清晰地指向了具象意象的挣扎与解放。 第三部分：身份政治的视觉重构 最后一部分将焦点转向肖尔德对“美国原住民”这一身份标签的政治性挑战。本书认为，肖尔德最重要的贡献在于，他强行将一个长期被边缘化和浪漫化的群体，掷入到二十世纪后半叶美国艺术的中心舞台，并且是以一种令人不安、无法回避的方式。 我们探讨了他对“刻板印象”的反向利用。他作品中那些看似夸张、甚至粗俗的形象，实则是对主流文化审美期待的精准嘲讽。这种“接受并扭曲”的策略，为后来的酷儿艺术、女性主义艺术在挑战主流叙事时提供了重要的参考范式。书中收录了数篇对当代原住民艺术评论家的访谈，他们从不同角度阐述了肖尔德如何为他们打开了创作自由的空间——一个可以不必为自己的身份进行“辩护性”表达的空间。 本书还详细梳理了肖尔德晚年对版画艺术的贡献，特别是他如何利用丝网印刷的媒介特性，将复杂的观念以更具传播性的形式推向更广阔的观众群体。 总结而言，本书并非仅仅是关于一位艺术家的记录，而是对二十世纪美国文化多元性与冲突的一次深度透视。通过对弗里茨·肖尔德视觉语言的解构，我们得以洞察一个艺术家如何将个人的挣扎转化为集体身份解放的有力工具，并最终超越了其出身背景，成为定义美国现代艺术重要性的关键力量。 读者将从本书中获得对艺术史、身份政治和视觉批判理论的全新理解。

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这本名为《Fritz Scholder》的书，坦白说，给我的阅读体验就像是在一片色彩斑斓却又深不可测的迷宫中穿行。起初，我被那种强烈的视觉冲击力所吸引，书中的文字仿佛都带着一种油彩的厚重感和画布的粗粝感。作者对艺术史脉络的梳理，那种跳跃式的叙事手法，颇有些令人捉摸不透的意味。它不像一本传统的艺术家传记，更像是一份份零散却又极富洞察力的笔记的集合。我尤其欣赏其中对于“身份认同”这个核心议题的探讨，它没有给出任何明确的答案，而是将各种矛盾、挣扎和自我解构的过程赤裸裸地呈现在读者面前。阅读的过程中，我常常需要停下来，去回味那些看似简单却蕴含着巨大张力的描述，思考艺术家是如何在不同文化符号之间游走，并最终熔铸出他那独一无二的视觉语言的。那种探索的深度，让人感觉不仅仅是在看一个艺术家的故事，更是在参与一场关于文化边界和个人表达的深刻对话。这本书的排版和选图也极具匠心，每一页的布局都仿佛是精心设计的画框，将文字的重量和图像的冲击力做了完美的平衡，读完合上书本时，内心久久不能平静，仿佛刚从一场高强度的精神洗礼中抽离出来。

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这本书给我带来的阅读感受，非常类似于参与一场与一位极其聪明但又极度内敛的朋友的深度对谈。它不是那种热情洋溢地推销艺术家的作品，而是用一种克制而精确的笔触，去剖析其作品背后那份坚硬的、不妥协的精神内核。书中对于光影、色彩的描述，几乎可以称得上是“视觉的文学化”，即使没有直接看到原作，也能在脑海中构建出强烈的画面感。更难能可贵的是，作者成功地避免了将艺术家的创作简单归因为任何单一的标签或流派，而是着力展现了其作品中流动的、难以被定义的本质。我尤其赞赏书中对“沉默”和“留白”在艺术表达中作用的论述，这部分内容极其精妙，将抽象的概念转化成了可以被感知的阅读体验。总的来说，这本书是一部需要用心去“聆听”的作品，它用文字的力量，构建了一个充满张力、层次丰富的精神世界，让人在合卷之后，依然能感受到那位艺术家的思想余温，久久不散。

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拿到这本关于《Fritz Scholder》的书时，我原本期待的是那种按部就班的学术梳理，结果却收获了一场酣畅淋漓的、近乎于“直觉式”的解读盛宴。这本书的叙事节奏极其大胆，它似乎完全不屑于线性时间的约束，而是将艺术创作的巅峰时刻、早期的困惑、以及晚年的反思像碎片一样抛洒出来，需要读者自己去拼凑出那个完整的、立体的形象。我特别喜欢作者在描述那些标志性的作品时所采用的语言，那不是冰冷的分析，而是一种近乎于“共情”的描述，仿佛作者亲手触摸过那些颜料，感受过艺术家创作时的呼吸和心跳。这种非传统的写作方式，极大地拉高了阅读的门槛，但一旦你进入了作者构建的思维场域，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它迫使你跳出固有的审美框架，去重新审视艺术创作中“叛逆”和“融合”的真正含义。这本书与其说是介绍一位艺术家，不如说是在探讨一种面对既定世界观时，如何用纯粹的个人意志去开辟新大陆的哲学实践，非常适合那些厌倦了陈词滥调的艺术评论的读者。

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阅读这本关于《Fritz Scholder》的文字，我体验到了一种近乎于“反高潮”的叙事美学。作者似乎故意避开了那些戏剧性的、容易被大众记住的传记片段，转而深入挖掘那些艺术家在创作间隙中产生的哲学性困惑和技术层面的反复试验。这种对“过程”而非“结果”的偏爱，使得全书的基调显得异常沉稳而深刻。它没有过分渲染艺术家的个人魅力，而是将其置于一个更广阔的文化和历史的背景板上进行审视，这种处理方式让我感到非常耳目一新。特别是在讨论他对既有艺术规范的挑战时，作者的论述逻辑严密，论据丰富，展示了深厚的学术功底，但语言风格却保持着一种近乎散文的流畅性，完全没有传统学术著作的僵硬感。读完后，我对于理解现代艺术中“界限的消融”这一概念，有了一种全新的、更加具象化的认识，这本书无疑是拓宽我艺术视野的一部重要读物。

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我对这本书的整体印象是——它是一块未经打磨的、充满棱角的宝石，需要你用耐心和特定的角度去观察，才能发现其内部闪耀的光芒。书中对于社会背景和艺术思潮的交织描绘，达到了令人惊叹的细致程度，但这种细致并非让人感到冗余，反而像是为理解艺术家复杂的心灵世界搭建了一张精密复杂的地图。每当叙事似乎要陷入某种固定的模式时，作者总能通过一个意想不到的侧面或是一个突兀但精准的引言，将读者的注意力重新拉回到核心的张力之上。我感觉这本书的作者是一位极其敏锐的观察家，他没有试图去美化或神化这位艺术家，而是冷静地记录了成功背后的代价、名声带来的束缚，以及艺术表达本身的内在矛盾。对于那些想要深入了解艺术家创作动机而非仅仅停留在作品表象的读者来说，这本书提供了极其宝贵的文本支撑。它不是一本可以被快速翻阅的书籍，它要求读者慢下来，去品味那些文字间隐藏的潜台词和微妙的语调变化。

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