艺术概论(专科起点升本科)(2007年版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民教育出版社

作者:成人高考艺术概论编写组

出品人:

页数:244 页

译者:

出版时间:2007年

价格:17.5

装帧:其他

isbn号码:9787107199004

丛书系列:

图书标签:

• 艺术概论
• 艺术史
• 艺术理论
• 高等教育
• 专科升本科
• 教材
• 文化艺术
• 艺术欣赏
• 艺术基础
• 2007年版

视觉的交响：探寻西方艺术的恢弘史诗 本书旨在带领读者穿越数千年的时空，深入探索西方艺术史的波澜壮阔与深刻内涵。我们不满足于仅仅罗列艺术家的名字和作品的名称，而是致力于构建一个有机的、相互关联的知识体系，使读者能够理解艺术是如何在特定历史、社会和哲学背景下孕育、发展并最终演变。 第一章：文明的曙光——古代艺术的奠基 本章将从人类文明的摇篮——美索不达米亚和古埃及的艺术开始。我们将仔细剖析尼罗河流域的宗教信仰如何塑形了金字塔、神庙的宏伟尺度与永恒的雕塑风格。重点将放在古埃及“永恒”的审美追求，及其如何通过严格的、符号化的艺术语言来表达对来世的执着。 随后，目光转向爱琴海的克里特与迈锡尼文明，了解其早期文明的海洋贸易如何催生出富于生命力的壁画与黄金工艺。 第二章：和谐与理性——古希腊的黄金时代 古希腊艺术是西方美学思想的源头。本章将详细论述古希腊人对“人”的关注，如何将人提升至宇宙的中心。我们将从几何秩序的陶器艺术（几何风格时期）入手，过渡到追求自然形态的古风时期（Archaic）。 重点深入分析古典时期（Classical Period）的成就，特别是雕塑艺术中“理想美”的探求——从米隆的《掷铁饼者》所体现的瞬间动感，到帕特农神庙建筑群所展现的数学比例与光学矫正的精妙运用。柏拉图和亚里士多德的哲学思想对艺术的理论构建产生了哪些不可磨灭的影响，也将是本章探讨的核心。 紧接着，我们将探讨希腊化时期（Hellenistic），艺术如何从古典的克制转向对情感、戏剧性和个体痛苦的强烈表达，例如《萨莫色雷斯的胜利女神》与《拉奥孔群像》。 第三章：实用与宏伟——古罗马的艺术遗产 罗马人继承了希腊的艺术形式，但更侧重于实用性、政治宣传和帝国威仪的展现。本章将首先考察罗马工程学的伟大成就——拱券、筒形拱顶和混凝土的广泛使用，如何使得万神庙这样的奇迹成为可能。 在雕塑方面，我们将对比希腊的理想化肖像与罗马写实主义肖像的差异，理解罗马元老院阶层对“真实再现”的政治需求。此外，浮雕艺术，特别是纪念性凯旋门上的叙事性浮雕，如何成为记录历史事件和宣扬军事实力的有效工具，也将被细致分析。 第四章：信仰的时代——中世纪的艺术变迁 当罗马帝国衰落，基督教成为欧洲新的精神支柱。本章将跨越拜占庭艺术的马赛克辉煌，进入早期基督教艺术的象征体系建立。 随后，我们将聚焦于罗马式（Romanesque）艺术，探讨修道院在文化传承中的作用，以及其厚重、堡垒般的建筑风格与密集的、教导性的浮雕装饰。 中世纪艺术的巅峰是哥特式艺术。本章将详细解析哥特式教堂（如沙特尔大教堂）的结构革命——飞扶壁、肋拱和尖拱的结合，如何解放了墙面，使得巨大的彩色玻璃花窗得以实现。这些花窗不仅是建筑装饰，更是“贫者的圣经”，讲述着神圣的故事。 第五章：人性的觉醒——文艺复兴的辉煌再现 文艺复兴是艺术史上一次划时代的回归——是对古典人文主义精神的重新发现与超越。本章将从佛罗伦萨开始，探讨早期文艺复兴（如马萨乔的透视法革命）。 核心部分将集中于盛期文艺复兴（High Renaissance）三杰：达·芬奇对科学观察与艺术表现的完美融合，米开朗基罗对人体雕塑和精神张力的极致追求，以及拉斐尔在空间布局与和谐构图上的登峰造极。我们将深入分析蛋白石玻璃（Sfumato）和明暗对比（Chiaroscuro）等关键技法。 文艺复兴的传播及其在威尼斯画派等地的变异与发展也将被一并考察。 第六章：情感的张力与戏剧性的冲突——巴洛克与洛可可 第十六和十七世纪，欧洲在宗教改革与反宗教改革的背景下，艺术风格转向了强烈的戏剧性、运动感和情感冲击力。本章将阐述巴洛克艺术如何服务于宗教的再确信和君主专制的需求。卡拉瓦乔的现实主义与戏剧性光影，贝尼尼在雕塑中捕捉到的瞬间爆发力，以及鲁本斯作品中饱满的生命力，都将成为重点分析对象。 在建筑领域，凡尔赛宫的宏大叙事将展示君权神授的艺术体现。 相较之下，洛可可艺术作为巴洛克后期的精致与享乐主义的表达，其轻盈、私密和装饰性风格的兴起与衰落，反映了社会风气的微妙转变。 第七章：理性回归与情感的爆发——新古典主义与浪漫主义的对峙 十八世纪末，对启蒙运动理性精神的推崇催生了新古典主义。本章将分析雅克-路易·大卫的作品如何成为法国大革命和拿破仑时代的道德与政治宣言，其对古典雕塑线条的模仿与克制的构图。 然而，艺术的激情并未被完全压制。紧随其后的是浪漫主义的兴起，它颂扬个体情感、想象力、对自然的崇拜以及异域风情的探索。德拉克洛瓦的色彩运用和席里柯的忧郁氛围，将预示着一个艺术主体性日益凸显的时代。 第八章：捕捉瞬间与时代精神——从现实主义到印象派 十九世纪中叶，随着工业革命的深入和摄影术的出现，艺术的职责开始发生根本性的转移。现实主义（Realism）拒绝了学院派的理想化叙事，转而关注普通劳动者的生活。《格尔尼卡》等作品将社会批判融入视觉语言。 真正的颠覆者是印象派。本章将详细解析莫奈、雷诺阿等人如何突破画室的限制，专注于光线、色彩和空气的瞬间印象。他们对色彩理论的研究和并置色块的技法，是现代艺术的基石。后印象派（Post-Impressionism）——如塞尚对结构稳定性的追寻、梵高对色彩表现力的极致运用以及高更对原始形式的回归——则为二十世纪的艺术爆炸铺平了道路。 通过对这些关键流派的深入剖析，本书旨在为读者建立一个清晰、连贯的西方艺术发展脉络，理解每一场艺术运动如何是对前一时期的继承、反思与突破。

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我之所以选择这本2007年的版本，很大程度上是基于对老版教材的信任感，总觉得那些经过时间沉淀下来的版本，其核心知识体系会更加稳定和扎实。当我翻到介绍“中国古典园林”的部分时，这种感觉尤其明显。作者对造园理念的阐述，并非停留在简单的“叠山理水”的表层，而是深入挖掘了其中蕴含的儒释道思想的交融与体现，那种对“天人合一”的境界描摹，颇有大家风范。然而，也正因为是较早的版本，我在对照当前最新的艺术思潮时，发现它在某些前沿领域，比如数字艺术、新媒体艺术的讨论上显得有些力不从心，基本上是浅尝辄止，或者干脆没有涉及。这可以理解，毕竟时代在飞速发展。因此，这本书更像是一块坚实的基石，它教会了我如何去“看”艺术，“听”艺术，去理解艺术的本质规律和历史演变轨迹。对于那些需要系统梳理经典知识体系的读者来说，它无疑是优秀的，但对于追求前沿动态的读者，可能需要在阅读时辅以最新的期刊资料进行补充和更新。

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这本书的封面设计，坦白说，有些过于朴素了，那种略显陈旧的米黄色背景，配上深红色的宋体字，让它在如今五花八门的教材中显得有些“过时”。然而，正是这种低调，反而让我对内容有了更高的期待——毕竟，艺术的精髓难道不该是超越表象的深度吗？拿到手里沉甸甸的，翻开内页，纸张的质感还算不错，没有廉价印刷品的油墨味，这至少保证了长时间阅读的舒适度。我特别留意了目录结构，它似乎采取了一种非常经典的、自上而下的编排方式，从艺术的起源和本质聊起，逐步过渡到各个主要艺术门类的介绍。我个人希望它在介绍“西方现代主义”那一块能有更深入的剖析，而不是仅仅停留在概念的罗列上。毕竟，专科起点升本科的定位，意味着读者已经有了一定的基础积累，对那种浅尝辄止的概述会感到乏味。如果能加入一些具有启发性的案例分析，比如某位不太知名的艺术家如何突破时代桎梏的实例，那就更令人欣喜了。整体而言，这本书的外观传达出一种严肃治学的气息，我期待它能真正担当起“概论”的重任，为我的后续学习打下坚实的基础，而不是沦为一本徒有虚名的教科书。

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这本书的行文风格，说实话，非常“学术化”，这对于刚从实践性更强的专科教育转入理论性更强的本科阶段的我来说，初期阅读体验是略显吃力的。它几乎没有使用任何过于口语化或者煽情的描述，每一个句子都力求精准和严谨，仿佛在进行一场精确的数学推导，而不是在描绘感性的艺术。比如在阐述“形式美学”的章节时，作者引用了大量晦涩的哲学名词和历史文献的碎片，这无疑增加了知识的密度，但也要求读者必须保持极高的专注度。我不得不时常停下来，查阅那些陌生的术语，甚至需要结合网络资源来反向理解作者的论证逻辑。这虽然提高了我的主动学习能力，但从效率的角度来看，略微降低了初读的流畅性。我特别欣赏作者在处理不同文化背景下的艺术现象时所表现出的那种中立和客观，没有过多的主观褒贬，只是冷静地梳理历史脉络。如果能在关键的概念解析处增加一些图形辅助，比如流程图或者概念图，或许能帮助我们这些需要“图像化思维”的学习者更好地消化这些抽象的理论。

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总体而言，这本书的体量是相当可观的，内容详实到几乎可以作为一部小型艺术史工具书来使用。我最欣赏的一点是，它在每一章的末尾都附带了非常详尽的“延伸阅读”书目推荐，这些推荐的书籍往往都是该领域的权威著作，体现了编者严谨的学术态度和对读者自我提升的殷切期望。正是这些细微之处，让我感受到了这套教材背后的用心。阅读过程中，我发现作者在论述不同艺术门类之间的内在联系时，逻辑链条构建得非常清晰，成功地避免了将各个艺术形式割裂开来的弊病，让我明白了建筑、音乐、文学如何在同一个时代背景下相互影响、相互启发。尽管我个人认为部分插图的清晰度和数量有待提高，但这并不影响其作为一本核心参考书的地位。它需要的是一个愿意投入时间和精力去深入钻研的读者，而不是一个只想走马观花的浏览者。这本书，更像是为你铺设了一条通往艺术殿堂的坚实阶梯，而不是给你安装了一部直达顶层的电梯。

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这本书在案例的选择上，给我带来了一种非常“古典”的惊喜。它似乎更侧重于宏大叙事和艺术史上的经典里程碑，对那些流行文化或边缘艺术流派的关注度相对较低。例如，在讲解“雕塑艺术”时，米开朗基罗和罗丹无疑占据了重要的篇幅，对他们的技法和精神内核分析得入木三分，让人仿佛能触摸到大理石的冰冷和青铜的厚重。这种对“经典”的坚守，对于培养我们对艺术史脉络的敬畏感是非常有益的。它没有被眼花缭乱的现代潮流牵着鼻子走，而是沉稳地引导我们回到艺术的永恒价值层面。不过，这种取向也带来了一个小小的遗憾：对于当代设计美学或者一些新兴的视觉传达形式的理论支撑，书中涉及得略显单薄。如果能用更具现代感的视觉材料来佐证古代的某些美学原理（比如，用现代极简主义设计来反观宋瓷的留白哲学），我想，这本书的教育意义会更加立体和丰富，更能吸引那些习惯了高密度视觉刺激的年轻读者。

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