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出版者:Last Gasp

作者:Edmond Baudoin

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-06

价格:USD 12.95

装帧:Paperback

isbn号码:9782844560421

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 法国
• 音乐
• 艺术
• 文化
• 绘画
• 抽象
• 印象派
• 20世纪
• 现代艺术

蓝调的低语：探寻美国南方音乐的灵魂与变迁 一部深入剖析爵士乐诞生之地、发展脉络及其社会文化影响的恢弘巨著。 本书并非单纯的音乐史梳理，而是一次对美国南方广袤土地上文化熔炉的深入考察。我们聚焦于那些在贫瘠土壤中萌芽，却最终震撼世界的音乐形式——从泥泞的三角洲小路上流淌出的早期蓝调，到新奥尔良喧嚣街头的即兴狂想，再到芝加哥和纽约的“大迁徙”中演变出的现代爵士乐。 第一部：根源的土壤——从非洲的鼓点到密西西比的哭泣 本书的开篇，我们将追溯爵士乐最深层的源头。这不是一段轻松愉快的旅程，而是对奴隶贸易、种植园生活以及后解放时期种族隔离制度下黑人群体生存状态的深刻描摹。我们细致考察了西非音乐传统如何与欧洲的和声体系在残酷的现实中碰撞、融合。重点章节包括： “工作歌与灵歌的张力”： 分析了劳动场景中的节奏呼应如何孕育出后来的蓝调结构，以及宗教信仰如何成为情感宣泄的出口。 军乐队的遗产： 探讨了美国内战后遗留下来的大量廉价军用乐器，如何成为新奥尔良音乐家们进行早期实验的物质基础。路易斯·阿姆斯特朗的导师们，如何将行进乐队的庄重与街头的狂野结合起来。 第二部：新奥尔良的狂欢——即兴的诞生与“拉格泰姆”的谢幕 新奥尔良，这座兼具法国、西班牙、非洲和美国本土文化的城市，无疑是爵士乐的摇篮。本书将详尽描绘“故事村”（Storyville）的兴衰，以及这种音乐形态如何从一种地方性的娱乐形式，迅速发展成为一种复杂的艺术表达。 布吉伍吉（Boogiewoogie）的脉动： 对早期钢琴手的技艺进行技术性分析，探讨他们如何在单件乐器上模仿乐队的饱满音色。 集体即兴的哲学： 深入剖析早期爵士乐中多声部即兴演奏的内在逻辑，这不仅仅是技巧的展示，更是一种社区内部对话和角色分配的社会学体现。我们对比了“国王·奥利弗”与“杰利·罗尔·莫顿”在音乐理念上的差异。 “大迁徙”的推力： 详述了二十世纪初，由于经济机会和种族歧视的压力，大量南方音乐家北上，特别是涌入芝加哥，这不仅是一次人口迁移，更是音乐风格的战略转移。 第三部：北方的回响——芝加哥的喧嚣与“禁酒令”下的地下帝国 进入二十年代，爵士乐迎来了它的第一次商业高峰，同时也与禁酒令下的地下世界紧密交织。芝加哥成为新的焦点，音乐的叙事性增强，独奏的地位开始凸显。 “热爵士”（Hot Jazz）的爆发力： 分析了芝加哥学派如何在继承新奥尔良风格的基础上，更加注重速度、技术难度和个人英雄主义的展现。 黑人中产阶级的崛起与爵士乐的“驯化”： 探讨了随着音乐向北方城市中产阶级渗透，一些音乐家（如费莱切·亨德森）开始尝试将爵士乐的结构化，使其更易于被白人听众接受。 萨克斯风的加冕： 记录了单簧管和中音萨克斯风如何逐渐取代小号和长号的主导地位，为后来的摇摆乐铺平了道路。 第四部：摇摆的时代——大乐队的辉煌与流行文化的统治 三十年代，爵士乐成为了美国的流行音乐的代名词。本书用大量篇幅聚焦于“摇摆乐”（Swing）的黄金时代，分析了它如何成为大萧条时期美国人寻求慰藉和集体狂欢的文化载体。 编曲艺术的革新： 详细介绍本尼·古德曼、杜克·艾灵顿和卡伯·凯洛威等领袖如何将几十人的乐队组织成一个整体，创作出既适合跳舞又具有高度艺术性的作品。 “艾灵顿的交响诗”： 专门章节探讨了杜克·艾灵顿在创作中如何提升爵士乐的地位，试图将其提升到古典音乐的高度，通过音色和主题的运用讲述美国故事。 种族的壁垒与突破： 尽管摇摆乐盛行，但种族隔离依然严峻。本书记录了本尼·古德曼组建第一支跨种族乐团的艰难历程，以及这在文化上产生的巨大象征意义。 第五部：革命的暗流——比波普的诞生与艺术的重塑 二战后，一股反思和反叛的声音在爵士乐界兴起。音乐家们对过度商业化的摇摆乐感到厌倦，他们渴望回归到纯粹的艺术探索和更高的技术挑战中。比波普（Bebop）的出现，标志着爵士乐从“娱乐”向“纯艺术”的决定性转变。 米哈尔·戴夫和查理·帕克的“密码”： 深入解析比波普复杂、快速的和声进行和节奏的错位，这使得普通舞者望而却步，却吸引了追求技艺的音乐家。 “小乐队”的回归： 分析了比波普如何推崇小型组合，强调个人极端的即兴能力和对传统和弦结构的挑战。 知识分子的音乐： 探讨了爵士乐如何开始与知识分子群体对话，成为一种带有“反叛”和“先锋”色彩的文化符号。 结论：未完的即兴 本书的最后一部分将目光投向五六十年代的冷爵士、硬波普，以及更具实验性的自由爵士。我们看到，爵士乐的生命力在于其对环境的敏感捕捉和永不停止的自我解构与重建。 这部著作旨在提供一个多维度的视角，让读者理解，那些华丽的音符和复杂的节奏背后，是美国历史的沉重脚步、社会阶层的变动，以及一代代艺术家对自由和表达的炽热追求。它是一部关于声音如何记录一个国家灵魂蜕变历程的史诗。

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坦率地说，这本书的阅读门槛相当高，它毫不留情地要求读者摒弃掉所有关于“易读性”的期望。它的语言风格像极了老派的、未经修饰的口述历史，充满了地域性的腔调和不易察觉的俚语，但正是这种粗粝感，赋予了它无可替代的真实性。我阅读时常常需要放慢速度，不仅仅是为了理解那些复杂的句法结构，更是为了捕捉作者潜藏在字里行间的那种沉甸甸的历史感和宿命感。它营造出的世界，是饱经风霜、色彩饱和度很低的，仿佛老照片经过了数十年的光照洗礼。书中人物的情感表达是克制而深沉的，他们通过眼神、通过一次微不足道的身体动作来传递巨大的信息量。这本书不是关于“发生了什么”，而是关于“存在本身”的沉思，它像一把锋利的手术刀，精准地剖开了日常生活的表皮，让我们窥见其下那颗跳动着、却又伤痕累累的心脏。

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这本书简直是一场音乐的饕餮盛宴，虽然我无法描述具体内容，但它给我的整体感受是酣畅淋漓的。阅读（或聆听，如果这是一本有声书的话）的过程，就像是置身于一个光线昏暗、烟雾缭绕的爵士俱乐部里。空气中弥漫着威士忌和旧木头的气味，萨克斯风的低吟忽而高亢，忽而转为温柔的絮语。作者（或音乐家）似乎对节奏有着近乎神谕般的掌控力，每一个音符的停顿，每一次鼓点的切分，都像是精心编排的舞蹈动作，引领着读者的情绪在蓝调的忧郁和摇摆乐的欢快之间自由穿梭。我尤其欣赏那种不拘一格的自由感，仿佛作者只是提供了一个框架，而真正的叙事是在听众的脑海中随着旋律即兴展开的。这本书的结构松散却又内在紧密，它不是线性的故事，而更像是一系列色彩斑斓的片段、一次次即兴演奏的高潮迭起。读完之后，心中留下的不是一个清晰的结论，而是一种持续的、充满回响的韵律感，让人忍不住想立刻找个地方，让自己的思绪也跟着那无拘无束的节拍起舞。

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这本书的文本处理方式极其老辣，它以一种近乎“碎片化”的诗意，构建了一个我无法用三言两语概括的叙事世界。我感受到的不是情节的推进，而是一种氛围的渗透，一种情绪的累积。文字的肌理非常细腻，仿佛是用最上等的丝绒打磨而成，触感既厚重又轻盈。它似乎在挑战传统叙事的边界，将重点放在了瞬间的捕捉和内在的体验上，而非外部事件的罗列。每一次翻页都像是一次大胆的即兴独奏，你永远不知道下一个转折会把你带到何方，是明亮的午后阳光，还是午夜时分的迷惘街角。这种阅读体验，要求读者必须全身心地投入，去解码那些隐藏在词语之间的“呼吸声”和“沉默的张力”。它不是让你被动接受信息，而是邀请你参与到文本的创造过程中来。那种深藏不露的智慧和对人类情感微妙之处的精准拿捏，让我不得不停下来，反复咀嚼那些看似简单实则蕴含千言万语的句子。

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从文学技法的角度来看，这本书无疑是极其前卫且充满实验精神的。它打破了常规的叙事逻辑，更像是一部关于“时间流逝”或“意识波动”的哲学论文，只是披上了一层极其迷人的外衣。我发现作者在处理视角转换上达到了炉火纯青的地步，一会儿是近乎客观的旁观者，一会儿又瞬间潜入某个角色内心最深处的潜流，那种共情和疏离的切换，快得让人眼花缭乱，却又出乎意料地和谐。这本书的“场面感”极强，即便描述的场景非常日常化，也总能被一种强烈的戏剧性张力所笼罩。我仿佛能闻到纸张泛黄的味道，感受到角色们之间那股心照不宣的电流。它探讨的主题宏大而隐晦，关于选择、关于遗憾、关于那些我们无法言说的、却在生命中占据了核心位置的情感重量。读完后，你不会记得谁和谁做了什么，但你会清晰地记得那种压抑与释放交织的复杂感受。

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这部作品带给我的冲击是结构性的，它彻底颠覆了我对“完整故事”的期待。与其说它是一本书，不如说它是一系列精心布局的声波图谱，每一个章节都是一次对既有模式的打破与重构。它没有提供明确的答案，反而抛出了一系列更深刻、更令人不安的问题。我特别佩服作者处理“间隙”的能力，那些空白、那些未被填满的叙事空洞，比任何华丽的辞藻都更有力量，它们强迫读者必须自己去填充背景音乐和未说出口的对白。这种开放式的处理，使得这本书具有极强的个人化解读空间。我能清晰地感受到一种近乎野蛮的生命力在其中涌动，它拒绝被归类，拒绝被驯服，就像某种原始的、不受约束的艺术表达形式。它不是用来“读完”的，而是用来“体验”和“消化”的。

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