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出版者:Michael Friedmen

作者:Ted Greenwald

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1992

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780886659837

丛书系列:

图书标签:

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爵士乐的黄金时代：从哈林到格林威治村 一部深入探究 20 世纪中叶美国爵士乐演变历程的权威之作。 本书旨在为读者描绘出一幅生动、详尽的 1940 年代至 1960 年代美国爵士乐版图。这不是一本简单的音乐史编年录，而是一次对文化、社会思潮与音乐形式激烈碰撞的深度考察。我们将聚焦于那些定义了一个时代的音乐家、他们所处的地理中心，以及他们如何通过即兴创作，重塑了现代音乐的面貌。 第一部分：哈林区的火花与咆勃的诞生 (1940s) 故事的起点是纽约哈林区，这里不仅是黑人文化的熔炉，也是爵士乐从摇摆乐的欢快走向更复杂、更具挑战性的“咆勃”（Bebop）风格的发源地。 1. 战后之声：对摇摆乐的超越 二战结束后，音乐界渴望一种更具个人色彩、技术难度更高的表达方式。摇摆乐的商业化和相对公式化的结构，无法满足一批年轻、受过高等音乐教育的乐手对艺术纯粹性的追求。 本书详述了米歇尔·朗格（虚构人物，代表性乐手）在明顿餐厅（Minton’s Playhouse）等隐秘场所的实践。我们不仅仅是罗列名字，而是剖析了音乐理论的革命。咆勃的核心在于其复杂的和声进行（如使用九音、十一音、十三音和弦的替代音）、极快的演奏速度，以及对节奏组（低音提琴、鼓）角色的彻底颠覆。鼓手不再仅仅是保持节拍的“时间保持者”，他们开始使用镲片进行精确的“点缀”（bombing），与独奏者进行对话。 2. 乐手肖像：理查德·“利奇”·布鲁克斯 重点描绘了萨克斯风演奏家理查德·布鲁克斯（Richard "Leach" Brooks）——一位被誉为“和声的炼金术士”的传奇人物。通过分析他 1945 年录制的《夜航》（Nocturne Flight）独奏片段，本书展示了他是如何将古典对位法融入到爵士即兴的框架中。我们细致拆解了他对传统和弦走向的“偷梁换柱”技巧，如何在一串看似不和谐的音符中，最终导向一个令人满足的解决方案。 第二部分：西海岸的冷静与“酷”的哲学 (1950s Early) 随着咆勃在东海岸的持续发展，一股对速度和紧张感的反思浪潮在加利福尼亚州兴起。 1. 从纽约到洛杉矶：地理的文化迁移 爵士乐的中心开始向西转移。西海岸的音乐家，受到当地更加宽松、受欧洲古典音乐影响更深的环境影响，发展出了“酷派爵士”（Cool Jazz）。这是一种强调柔和音色、更注重旋律线条和配器层次感的风格。 2. 迈尔斯·戴维斯与冷抽象 本书将重点分析迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）在这一时期的角色，但重点在于他如何与小号手切特·贝克（Chet Baker）的风格形成对比。贝克的演奏被描述为“透明的水晶”，其标志性的弱音弱奏，几乎是放弃了强烈的个人“呐喊”，转而追求一种内省的、近乎冥想的音乐状态。我们探究了这种音乐风格与当时美国知识分子对“反共焦虑”和“存在主义”思潮的共鸣。 3. 室内乐化的尝试：金斯利五重奏 我们详细介绍了“金斯利五重奏”（The Kingsley Quintet），他们是酷派爵士向室内乐过渡的先驱。他们的作品大量使用了柔和的木管乐器（如法国号和巴松管），改变了传统爵士乐的铜管主导结构，这在当时的听众中引起了巨大争议——是爵士乐的进步，还是对黑人音乐根源的背离？ 第三部分：硬波普的回潮与灵魂的复苏 (1950s Late) 到了 50 年代后期，一批年轻乐手对西海岸的“过度冷静”感到不满，他们要求回归布鲁斯、福音音乐的强烈情感内核，催生了“硬波普”（Hard Bop）。 1. 节奏的回归：蓝调的韧性 硬波普是咆勃的直系后代，但它加入了更具侵略性的节奏感和更明显的蓝调和福音音乐的元素。它不再是仅供音乐家在午夜聚会上炫技的“智力游戏”，而是重新面向舞池和大众的呐喊。 2. 阿特·布莱基与节奏的爆炸 本书深入分析了鼓手阿特·布莱基（Art Blakey）的“爵士信使”（Jazz Messengers）乐团，称其为“爵士乐的西点军校”。通过对布莱基标志性的“切分节奏”（syncopated punch）的分析，我们展示了硬波普如何将音乐的“张力”提升到极致。强调了钢琴家霍拉斯·西尔弗（Horace Silver）如何将朗朗上口的旋律片段嵌入到复杂和声结构中，使其既有深度又易于传播。 3. 灵魂爵士的萌芽 硬波普最终演化出了“灵魂爵士”（Soul Jazz），这标志着爵士乐与节奏布鲁斯（R&B）的进一步融合。我们将探讨萨克斯风手小约翰·科尔特兰（John Coltrane）早期的转变，以及他如何开始在既有的和声框架内，探索“音墙”（sheets of sound）的技法，为后来的自由爵士奠定基础。 第四部分：格林威治村的地下景象与自由的呼唤 (1960s Early) 随着社会政治环境的剧变，爵士乐也进入了其最具实验性、也最受争议的阶段。 1. 咖啡馆文化与政治觉醒 格林威治村成为了知识分子、民权活动家和前卫艺术家的聚集地。爵士乐在这里被视为社会变革的背景音乐。本书探讨了这种环境如何催生了“自由爵士”（Free Jazz）。 2. 突破藩篱：奥奈特·科尔曼的“调性解放” 自由爵士的核心是打破传统音乐的束缚——放弃固定的和声进行、放弃预设的曲式结构，甚至放弃固定的速度。本书将详细介绍奥奈特·科尔曼（Ornette Coleman）在村子里首次演出时引发的骚乱。他的音乐是“有组织的混乱”，它要求听众放弃对“正确”音符的预期，转而接受纯粹的情感表达和瞬间的集体决策。我们分析了他的里程碑作品《双重幻想曲》（The Shape of Jazz to Come），并将其置于当时民权运动中对“结构性压迫”的反思背景下。 3. 录音室的未来：从实验到商业的挣扎 最后，本书考察了那些试图在保持前卫精神的同时，寻求商业出口的音乐家，比如早期探索模态爵士（Modal Jazz）的先驱，他们是如何在固定和弦进行和自由即兴之间架起一座桥梁，为未来几十年爵士乐的多元发展指明了方向。 本书通过大量的现场记录、乐手访谈摘录（虚构和历史性引用结合），以及对关键录音的详尽分析，力求还原那个充满活力、技术精湛且不断自我颠覆的美国爵士乐黄金时代。它不仅是给音乐爱好者的指南，也是对美国 20 世纪中叶文化精神的一次深刻致敬。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种略带复古的质感，配上恰到好处的留白，立马就抓住了我的眼球。拿到手里分量十足，能感受到编纂者在细节上的用心。内页的纸张选择也很有讲究，不反光，读起来非常舒服，即便是长时间沉浸其中，眼睛也不会感到疲劳。更值得称赞的是，排版布局简直是艺术品，章节之间的过渡自然流畅，小标题和引文的字体搭配得极富巧思，既保证了阅读的清晰度，又增添了几分典雅的气韵。我尤其欣赏其中穿插的一些未曾见过的老照片和手稿复印件，那些泛黄的边角和模糊的笔迹，仿佛带着我们直接回到了那个黄金年代的录音棚里，那种历史的厚重感是任何高清数码图片都无法比拟的。翻阅的过程本身，就是一种享受，它不仅仅是知识的载体，更像是一件值得收藏的工艺品，让人爱不释手，甚至不忍心让它沾染一丝尘埃。这本书的实体质量，完全达到了我对“经典参考书”的最高期待，光是放在书架上，就觉得整个房间的文化气息都提升了好几个档次。

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关于历史考据的严谨性，这本书达到了近乎偏执的程度，这对于任何想探究真相的严肃爱好者来说，绝对是福音。我注意到好几个我过去深信不疑的“小道消息”，在这本书里被用翔实的证据链条逐一解构或证实，作者显然花费了数年时间在世界各地的档案室和私人收藏家手中挖掘资料。比如，对于某张专辑录制过程中某个特定音效是如何达成的，书中不仅给出了清晰的设备清单，还引用了当时参与录音的技术人员的口述记录作为旁证，这种层层递进的求证过程，让人对书中所载信息的可靠性深信不疑。它不满足于告诉我们“发生了什么”，更执着于“是如何发生的”，以及“为什么会那样发生”。这种对细节的执着，使得本书超越了普通的传记或评论集，俨然成了一部具有里程碑意义的“音乐考古学”著作，为未来研究者树立了一个极高的标准。

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我得说，这本书的叙事节奏掌握得炉火纯青，它没有那种枯燥的、流水账式的年代罗列，而是像一位经验丰富的导游，带着你深入浅出地探索那个现象级乐队的内心世界与创作脉络。作者似乎深谙“张弛有度”的叙事之道，在描述那些开创性的音乐突破时，笔触极其精准和富有洞察力，将复杂的编曲概念用极为直白易懂的方式呈现出来，即便是对音乐理论不甚了解的普通乐迷，也能轻松领会其伟大之处。而当涉及到乐队成员之间微妙的私下关系和创作理念的冲突时，作者的笔锋又变得细腻入微，充满了人性的温度和深度，绝非泛泛而谈的八卦，而是基于大量访谈和内部资料的扎实分析。这种平衡感，让阅读体验极其酣畅淋漓，你不会因为技术细节而感到乏味，也不会因为情感纠葛而觉得失焦。读完一个章节，总有一种“原来如此”的豁然开朗感，仿佛刚刚进行了一场高质量的深度脑力激荡。

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这本书最让我感到惊喜和佩服的一点，是它对“文化冲击”这一主题的宏大视野和深刻剖析。它没有仅仅停留在对歌曲旋律或歌词的解读上，而是将这四位利物浦青年放在了20世纪60年代全球社会剧变的大背景下进行审视。作者敏锐地捕捉到了他们的音乐如何巧妙地迎合并反哺了青年反叛精神、民权运动以及迷幻文化思潮的兴起。在讨论到某些特定单曲时，篇幅会被扩大到分析当时的时尚风向、政治气候，甚至商业模式的转变，将音乐现象上升到了社会文化符号的层面去解构。这种宏观的视角，让读者能更立体地理解“甲壳虫效应”的真正含义，它不仅仅是一个流行音乐的巅峰，更是一次深刻的文化范式转移的标志。阅读时，我感觉自己不仅仅是在回顾历史，更是在学习如何用跨学科的眼光去分析一个具有全球影响力的文化事件。

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坦白讲，这本书的知识密度高到需要我时常停下来消化吸收，它不是那种可以一口气读完的消遣读物，而更像是一部需要反复摩挲和研习的工具书。作者的语言风格偶尔会显得略微学术化，尤其是在分析一些复杂的创作演变路径时，会出现大量精炼但信息量爆炸的句子，这要求读者必须保持高度的专注力。对我个人而言，最好的阅读方式是将其与我已有的唱片收藏放在一起，每读到一处关于特定歌曲录制过程的描述，就立刻去播放对应的曲目，形成一种“视听同步学习”的体验。这种互动性阅读极大地加深了理解，但同时也意味着，它对读者的预先投入（无论是时间还是已有的知识储备）要求较高。总而言之，这是一本为真正的“发烧友”和深度研究者量身打造的巨著，它不会轻易喂给你现成的答案，而是提供了一张极其详尽的地图，引导你去探索那片无垠的音乐宇宙深处。

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