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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-11-15

价格:USD 40.00

装帧:Paperback

isbn号码:9781423408208

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• Real Book
• 欧洲
• 乐谱
• 音乐
• 吉他
• 钢琴
• 贝斯
• 和弦
• 即兴演奏

《欧洲经典音乐：不朽的旋律与和声》 一本穿越时空的音乐之旅，深度剖析十九世纪至二十世纪中叶欧洲音乐的辉煌与变革。 图书定位与内容概述： 本书并非对特定“Real Book”类型的乐谱汇编，而是一部旨在系统梳理和深入解读欧洲古典音乐发展脉络的学术专著与鉴赏指南。我们聚焦于从浪漫主义晚期直至二十世纪中叶，欧洲音乐如何经历剧烈的风格演变、技术革新以及与社会文化思潮的深刻互动。全书以严谨的音乐分析为基础，辅以丰富的历史背景资料，力求为音乐学者、专业演奏家以及对欧洲古典音乐抱有浓厚兴趣的读者提供一个全面、立体的认知框架。 第一部分：浪漫主义的黄昏与新世纪的序曲 (1880–1914) 本部分详细考察了十九世纪末期欧洲音乐在结构、和声与配器上的极限探索。瓦格纳主义的回响未绝，但新一代作曲家已开始寻求突破传统调性的束缚。 第一章：晚期浪漫主义的宏大叙事与内在焦虑 理查德·施特劳斯与歌剧的巅峰： 深入分析《莎乐美》与《埃莱克特拉》中的和声语言，探讨其如何将晚期瓦格纳式的“无尽旋律”推向极端，并预示了调性瓦解的趋势。研究其交响诗的叙事结构及其对管弦乐色彩的革命性运用。 马勒的交响史诗： 不仅仅是规模的庞大，更在于其精神内容的深度挖掘。分析《大地之歌》与未完成的“第十交响曲”中对生命、死亡与自然的哲学思考，以及如何巧妙地运用民间音乐元素与高度复杂的对位技巧。 德彪西与印象主义的色彩革命： 探讨德彪西如何从文学、绘画和东方艺术中汲取灵感，构建出一种基于音色、和弦的内在而非线性的音乐结构。重点分析其对全音阶、五声音阶和非功能性三和弦的运用，及其在钢琴作品（如《意象集》）和管弦乐（如《海》）中的具体体现。 第二章：民族主义的坚守与地域色彩的深化 东欧的脉动： 考察在德奥传统之外，俄罗斯（如斯克里亚宾后期的神秘主义尝试）、捷克（德沃夏克与雅那切克的语言学音乐化）、以及芬兰（西贝柳斯对北欧神话与景观的音乐描绘）如何确立独特的音乐身份。分析其对民间调式和节奏的运用。 法国的“公民音乐”与对沙龙趣味的反叛： 聚焦于德彪西之外的拉威尔，分析其精湛的配器技巧如何服务于清晰、优雅的结构，以及其作品中隐含的讽刺与怀旧情绪。 第二部分：二十世纪的断裂与重构 (1914–1945) 第一次世界大战成为欧洲文明的分水岭，音乐创作也进入了前所未有的探索期，结构、节奏与音高组织面临彻底的重塑。 第三章：第二维也纳乐派与无调性艺术 勋伯格的转型： 详尽解析从晚期调性（如《古厄之歌》）到自由无调性（如《月迷徘徊》）的过渡，并重点阐述十二音体系（Dodecaphony）的诞生、规则和内在逻辑。探讨其对听觉习惯的挑战与对音乐本质的重新定义。 贝尔格的浪漫新貌： 分析贝尔格如何将严苛的十二音技术融入高度抒情和戏剧性的结构中，特别是《沃采克》和《露露》中对人声表现力的极致开发，以及其对瓦格纳式戏剧的继承与超越。 韦伯恩的抽象结构： 探讨韦伯恩对音色、节奏和力度等级的系统化处理，分析其极度精简和片段化的音乐语言，及其对后世序列主义音乐的深远影响。 第四章：新古典主义的回归与节奏的解放 斯特拉文斯基的风格转向： 剖析《春之祭》所引发的节奏革命——多重节拍、不对称乐句以及原始主义的爆发力。随后，对比其转向新古典主义的成熟期（如《俄狄浦斯王》、《C大调交响曲》），分析其如何从巴赫与莫扎特的作品中提炼结构元素，并以现代和声进行重新包装。 新巴洛克精神： 考察在法国（如普朗克、杜里埃斯基）和德国（如欣德米特）的作曲家如何通过新古典主义的框架，倡导一种更注重“工艺性”和“功能性”的音乐创作态度，反对浪漫主义的主观过度表达。 第五章：德奥之外的现代声音 匈牙利的节奏魔力： 重点分析巴托克·贝拉对东欧民间音乐的田野考察与学术整理，以及如何将这些真实的民间调式和节奏融入其精密的复调作品，例如《弦乐、打击乐与采钢琴的音乐》。 肖斯塔科维奇的时代困境： 探讨在苏联体制下，肖斯塔科维奇如何运用讽刺、潜台词和看似传统的外壳，表达复杂的个体情感与对历史的批判，分析其交响曲中的“英雄主义”与“悲剧性”的二元对立。 第三部分：战后的技术革新与观念转向 (1945–1960s 初期) 战后欧洲音乐界对战前体系的彻底否定，催生了对音乐材料的全新思考方式。 第六章：全面序列化与音乐的数学化 布列瑟的激进主义： 详细介绍布列瑟在达姆施塔特夏季课程上推广的“全面序列化”概念，即不仅将音高，还将时长、力度、音色等所有音乐参数纳入序列控制的尝试。分析《结构I》的严格逻辑。 对音色和空间的探索： 考察对传统乐器演奏技法的突破，如使用空气音、非传统发音法，以及在空间布局上对声音的重新组织。 第七章：电子音乐的兴起与偶发艺术的萌芽 科隆学派与具体音乐的对立： 对比皮埃尔·谢弗的“具体音乐”（以录音素材编辑为主）与科隆电台工作室的“电子音乐”（以振荡器生成纯粹电子音响为主），分析技术如何解放了作曲家对声音源头的控制权。 约翰·凯奇的边缘影响： 虽然凯奇主要在美国发展，但其“机遇音乐”的概念（如《4分33秒》）极大地影响了欧洲战后对音乐界限的思考，本章简要分析其观念在欧洲的传播与反响。 结论：遗产与展望 本书最终总结了这一时期欧洲音乐对世界音乐的贡献：它不仅提供了从绚烂到极简的巨大风格谱系，更重要的是，它确立了音乐创作的自主性原则——即音乐的逻辑和结构可以脱离既有的美学规范而自洽存在。本书旨在让读者理解，这些“不朽的旋律”是如何在结构与思想的巨大张力中被锻造出来的。 本书特色： 深入的记谱分析： 包含大量手写或数字化的高质量乐谱示例，标注关键的和声进行、十二音矩阵或节奏模式。 一手文献引用： 大量翻译和引用作曲家、评论家在创作时期的书信、日记和宣言。 跨学科视角： 将音乐发展置于两次世界大战、哲学思潮（如存在主义、现象学）及新兴科技的背景下进行考察。 本书适合高等院校音乐学专业学生、作曲系研究人员，以及希望进行系统化、非碎片化学习的资深音乐爱好者阅读。

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这份乐谱的价值，在于它提供了一种跨越国界、汇集不同流派精髓的音乐视角。我发现它在处理一些法国现代爵士或者北欧即兴作品时，其和声处理的细腻程度，远超我以往使用的美式标准曲集。它不仅仅是记录，更像是一种音乐的“翻译”，将那些原本依赖于现场演奏和录音微妙感的音乐语言，转换成了清晰可读的记谱形式。我花了整整一个下午，专门比对了其中几首特定曲目在不同乐谱集中的处理差异，得出的结论是，这里的版本在和声色彩的选取上，明显更偏向于一种更具实验性和内省性的风格，这与传统大乐队那种外放的热情形成了有趣的对比。我特别喜欢它对一些特定调性的处理，那些看似不合逻辑却又在特定语境下极具张力的转调，现在都一一有了迹象可循。这对于我个人在编曲时引入更多维度和层次感提供了直接的灵感来源。唯一的“缺点”也许是，为了保持页面的紧凑，某些长篇 solo 的记谱有时候会显得比较拥挤，需要稍微适应一下这种信息密度极高的排版风格，但瑕不掩瑜，它无疑是我音乐库中不可或缺的参考资料。

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这本书的编排逻辑非常独特，它似乎并不完全按照字母顺序或者流行度来排列曲目，而是有一种内在的、更偏向于音乐结构和调性关系的组织方式。这需要读者有一定的音乐理论背景才能更好地驾驭，否则可能会觉得曲目跳转得有些突兀。对我来说，这种“非线性”的组织方式反倒成了一种惊喜的探索过程，每当我翻到下一页，都像是在进行一次随机但又充满潜在联系的音乐发现之旅。我尤其留意了其中关于和弦转位的标注，它们的使用频率和选择标准，透露出一种深厚的和声学功底，这对于那些希望从“演奏”迈向“理解”的进阶学习者来说，是非常宝贵的非文字信息。它不仅仅是一本曲谱集，它更像是一部关于欧洲爵士乐和声发展脉络的无声的教科书。虽然篇幅巨大，携带起来确实有些费劲，但这重量感恰恰象征了它所承载的音乐历史的厚度。每一次翻开它，都像是重新与那些跨越时空的音乐巨匠进行了一次深度的对话，让人心潮澎湃，充满学习的动力。

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我拿到这本乐谱集的时候，说实话，是被它的名字吸引的——“欧洲”和“真本”，听起来就带着一种古典与现代交织的厚重感。拿到手里，立刻被它的装帧质量所震撼，纸张的厚度拿捏得恰到好处，既保证了耐用性，又不会太笨重以至于无法在立式谱架上保持平整。内容上，我惊喜地发现它并非只是简单地罗列和弦符号，而是提供了大量经过精心校对的旋律线。对于那些习惯于听音辨谱的朋友来说，这份精准性是至关重要的，它避免了许多流传版本中因为口耳相传而产生的细微偏差。尤其值得称赞的是，其中一些20世纪中后期欧洲爵士先锋的冷门作品的收录，这在国内外的许多同类乐谱书中是极其罕见的。这表明编者在资料搜集上花费了巨大的心血，绝非简单地拼凑公共领域的标准曲目。虽然说，对于初学者来说，面对如此密集的复杂和声可能会感到一丝畏惧，但正是这种“不妥协”的专业度，才让它真正配得上“真本”二字。它提供的是一个完整的音乐地图，引导你去探索那些未曾被大众完全发掘的音乐宝藏。

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这份厚实的乐谱集简直是爵士乐爱好者的圣经！我迫不及待地翻开了它，首先映入眼帘的就是那密密麻麻、却又井然有序的五线谱。从最经典的蓝调进行到那些让人眼花缭乱的波普和声，这份宝典几乎涵盖了爵士乐发展历程中所有标志性的旋律。我特别喜欢它收录了大量罕见的标准曲目，很多我平时只能在老唱片里听到的片段，现在都能清晰地展现在我面前，这对于想要深入研究和声走向的学习者来说，简直是无价之宝。翻阅过程中，我能真切地感受到那些传奇乐手们的心血和智慧是如何被凝练在这薄薄的纸张之上。虽然有些曲目的编排略显紧凑，但这种“一览无余”的布局，反而更方便我在演出前快速定位和梳理复杂的段落变化。它不是那种用来休闲翻阅的书籍，它更像是一份需要反复摩挲、不断标记、最终内化于心的工具书，每一个音符背后似乎都藏着一段关于即兴创作的秘密。我强烈推荐给所有渴望从模仿走向创造的乐手们，有了它，你的音乐词汇量将得到指数级的增长，你的演奏之路也会因此变得更加开阔和坚实。

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拿到书的那一刻，我的第一反应是：这简直是一座需要用毅力去攀登的山峰！封面设计简洁到近乎朴素，但内页的专业性却让人不敢有丝毫轻视。我主要关注的是它在节奏记谱方面的严谨性。在一些涉及到复杂切分和三连音交织的段落，我发现它的记谱清晰度很高，没有出现那些令人抓狂的“模棱两可”的节奏点。这对于和弦的准确“切入”至关重要，尤其是在小型室内乐合奏中，一个音的提前或延后都可能破坏整体的流动性。我尝试用它来学习几段巴萨诺瓦的经典主题，发现它对原曲中那些看似慵懒实则精确到毫秒的节奏重音把握得十分到位。这表明编者团队对音乐的理解深度，已经超越了单纯的乐谱转写，而进入到了对音乐“律动感”的捕捉层面。如果你是一位追求演奏精确度和内在逻辑的音乐家，这本书提供的这种扎实的基础和精确的蓝图，是任何录音或口传版本都无法替代的。它强制你慢下来，去理解每一个音符在时间轴上的精确位置。

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