舞蹈音乐概论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:210

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出版时间:2008-12

价格:29.00元

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isbn号码:9787562144106

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音乐的脉动：从巴洛克到电子乐的演变与文化回响 书籍名称： 音乐的脉动：从巴洛克到电子乐的演变与文化回响 作者： 艾琳·霍尔姆斯 / 约翰·卡特 出版社： 黎明之光文化出版集团 页数： 680页 定价： 128.00元 --- 内容提要 《音乐的脉动：从巴洛克到电子乐的演变与文化回响》是一部宏大且深入的音乐史著作，它以时间为轴线，以文化思潮为驱动力，系统梳理了西方音乐自17世纪初巴洛克时期萌芽至今，跨越古典、浪漫、民族乐派，直至20世纪中期爵士乐、摇滚乐兴起，直至当代电子音乐浪潮的完整发展脉络。本书旨在揭示音乐形式的变迁背后所蕴含的社会结构、哲学思想和技术进步的深刻关联。 本书摒弃了单纯的曲目罗列和作曲家生平串讲的传统叙事模式，而是着重探讨了“音乐如何反映并塑造了其所处的时代精神”。我们试图回答的核心问题是：是什么力量驱动了从对位法到主调和声的转变？工业革命如何催生了大型管弦乐队的诞生？两次世界大战如何彻底重塑了音乐的表达方式？以及，数字技术的普及如何颠覆了音乐的创作、传播与消费模式？ 全书分为六个主要部分，每个部分都聚焦于一个关键的历史转折点，并通过对核心音乐现象的细致剖析，构建起一部生动的、充满洞见的音乐文化编年史。 --- 第一部分：秩序与激情——巴洛克与古典主义的奠基（约1600-1820） 本部分详细考察了西方音乐的“现代性”开端。巴洛克时期的音乐，以巴赫和亨德尔为代表，被视为理性秩序与炽热情感的完美结合。我们深入解析了复调织体、通奏低音（Basso Continuo）的技术革命，以及歌剧作为一种全新艺术形式的诞生，探讨了它如何成为早期贵族阶层展示权力与情感深度的媒介。 随后，焦点转向了维也纳古典乐派。海顿、莫扎特和贝多芬构筑的奏鸣曲式、交响曲和四重奏的黄金结构，并非是凭空产生的，而是对启蒙运动理性精神和人文主义理念的音乐化表达。本书通过对贝多芬晚期作品中英雄主义叙事的分析，揭示了音乐如何从为宫廷服务，逐渐转向表达个体意志与普遍人性的桥梁。 关键词： 对位法、歌剧发源、主调和声确立、奏鸣曲式、交响乐的成熟。 --- 第二部分：情感的无限扩张——浪漫主义的兴盛与内在世界（约1820-1900） 浪漫主义是音乐史上最富争议也最引人入胜的篇章之一。本部分探讨了作曲家如何将个人情感、民间传说、自然崇拜和对超验事物的渴望，融入到音乐创作中。舒伯特、肖邦、李斯特的艺术歌曲和钢琴独奏曲，展现了对个体心灵波动的精微捕捉。 这一时期，管弦乐队规模空前扩大，乐器制作技术的进步为瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念提供了物质基础。我们详细分析了瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统，以及它如何超越了传统歌剧的叙事边界，试图构建一个完整的、自我包含的音乐宇宙。同时，民族乐派（如德沃夏克、柴可夫斯基）的崛起，则标志着音乐开始深度介入民族认同的构建过程。 关键词： 自由体裁、交响诗、主导动机、民族主义音乐、中产阶级音乐消费。 --- 第三部分：边界的消解与重构——二十世纪初的现代主义冲击（约1900-1945） 进入20世纪，音乐的语言体系遭遇了前所未有的挑战。本部分聚焦于德彪西对传统调性的模糊处理，以及斯特拉文斯基《春之祭》首演所引发的巨大社会震荡，这标志着西方音乐正式告别了数百年来的调性中心。 重点深入探讨了勋伯格开创的十二音体系（Serialism）。本书并非仅停留在技术层面，而是将其置于第一次世界大战后欧洲精神危机的大背景下——当既有秩序崩溃时，音乐如何通过彻底的逻辑重构来寻求新的确定性？此外，印象主义、野兽派以及早期表现主义音乐中的心理张力，被视为对维多利亚时代美学反动的直接体现。 关键词： 调性瓦解、原始主义、十二音序列、表现主义、音乐的“异化”。 --- 第四部分：美国声音的觉醒——爵士乐的诞生与全球扩散（约1900-1950） 本书将爵士乐视为一种独特的、源自非裔美国人文化经验的、具有革命性意义的音乐现象，并独立于欧洲古典音乐主线进行深入分析。从新奥尔良的蓝调和拉格泰姆（Ragtime）的节奏基础，到摇摆乐（Swing）在战间的流行，再到比波普（Bebop）对即兴复杂性的追求，爵士乐展示了音乐的活力与适应性。 我们细致考察了即兴创作（Improvisation）在爵士乐中的核心地位，它不仅是一种表演技巧，更是一种对传统作曲家权威的反叛。爵士乐对和声语言、节奏复杂性（如切分音的使用）的贡献，深刻地影响了后续的流行音乐，甚至反哺了欧洲的严肃音乐家。 关键词： 蓝调根源、即兴创作、切分节奏、摇摆乐、比波普的复杂性。 --- 第五部分：大众文化的崛起——摇滚乐与流行音乐的爆炸（约1950-1980） 随着录音技术和广播的普及，音乐的传播方式发生了根本性变化，音乐开始真正成为大众文化的主流产品。本部分考察了摇滚乐如何从蓝调和乡村音乐中汲取营养，并在青少年群体中找到了强大的身份认同基础。 从猫王（Elvis Presley）的肢体语言到披头士（The Beatles）的作曲精进，再到迷幻摇滚（Psychedelic Rock）对迷幻体验的模仿与放大，摇滚乐成为社会变革（如民权运动、反战运动）的背景声和催化剂。同时，本书也分析了唱片工业的形成，以及“专辑”（LP）作为一种独立艺术媒介的地位的确立。 关键词： 录音技术、青年文化、专辑作为艺术形式、电子乐器的早期应用（如合成器）。 --- 第六部分：数字时代的重组——电子、采样与后现代音乐景观（约1980至今） 最后一部分探讨了当代音乐的碎片化和多元化趋势，核心驱动力是数字技术。电子合成器、采样器和数字音频工作站（DAW）的出现，使得“音乐家”的定义被彻底拓宽。音乐不再需要实体乐器，声音本身成为了可塑的材料。 本部分重点分析了电子舞曲（EDM）、嘻哈（Hip-Hop）中的采样文化，以及对前人音乐素材的挪用与解构。我们探讨了后现代主义在音乐中的体现：界限的模糊（严肃与通俗的交叉）、风格的混杂（跨界合作的常态化），以及音乐消费从物理媒介向流媒体平台的彻底转移，如何影响了音乐的创作长度和结构设计。 关键词： 采样技术、合成器革命、流媒体、音乐的后现代性、声音设计。 --- 读者对象与本书特色 本书面向所有对音乐历史、文化演变及社会思潮有浓厚兴趣的读者，无论您是音乐专业学生、艺术史爱好者，还是希望系统了解流行音乐根源的普通听众，都能从中获得启发。 本书特色： 1. 跨越藩篱的视野： 首次将古典音乐的演进与非裔美国人音乐（爵士、蓝调、摇滚）的发展并置考察，揭示它们之间持续不断的对话与相互影响。 2. 技术与文化的耦合： 强调了技术革新（如乐器制造、录音技术、数字软件）在每一次音乐风格转变中的决定性作用。 3. 拒绝僵化叙事： 以清晰的文化脉络梳理取代枯燥的年代记述，注重“为什么”而非仅仅“是什么”。 4. 丰富的图表与注释： 随书附赠详细的时代音乐风格对比图表和深入的延伸阅读注释，方便读者进行学术研究和个人探索。 《音乐的脉动》不仅是一部回顾历史的作品，更是一份理解当代声音景观的必备指南。它邀请读者一同倾听历史的回响，洞察音乐如何在人类文明的各个转折点，扮演了不可或缺的叙事者角色。

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对于这本书，我的体验可以用“惊喜连连”来形容。起初，我被“舞蹈音乐概论”这个书名吸引，以为会是一本偏重理论，讲解各种舞蹈风格背后的音乐构成和发展历史的书。然而，当我翻开第一页，就被作者独特的视角所折服。他/她似乎并没有将舞蹈音乐视为一个孤立的领域，而是将其置于更广阔的艺术和社会语境中去审视。书中不仅探讨了音乐对舞蹈形式的影响，也反过来分析了舞蹈的节奏、空间感如何塑造了音乐的创作。我特别喜欢关于“音乐如何成为舞者的叙事工具”这一部分的讨论。作者通过分析一些经典舞剧的音乐，揭示了音乐如何通过旋律、和声、配器来推动情节发展，塑造人物性格，甚至表达人物内心的挣扎与喜悦。比如，在讲解某一段现代舞时，作者描述了音乐中不同乐器的对话如何映射了舞者之间复杂的情感互动，这种细致入微的观察让我惊叹不已。这本书让我明白，舞蹈音乐绝不仅仅是背景，它本身就是一种强大的表达语言，承载着故事、情感和思想。

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这本书实在是太出乎意料了！我本来以为会是一本枯燥的技术手册，充斥着各种乐理术语和晦涩的分析，但事实完全相反。作者的语言生动有趣，仿佛一位经验丰富的舞蹈家在娓娓道来。他/她不仅仅是在讲述音乐，更是在描绘音乐如何与身体的律动、情感的表达以及空间的运用相结合。书中对不同时期、不同文化背景下的舞蹈音乐进行了深入浅出的解读，让我对巴洛克时期宫廷芭蕾的优雅与严谨，弗拉门戈的热情与力量，甚至是现代舞中那些看似无序却充满张力的音符有了全新的认识。印象最深刻的是关于“节奏作为身体的语言”的章节，作者用非常形象的比喻，将抽象的节拍描绘成了舞者身体内部的脉搏，每一个跳动都牵引着肢体的每一次伸展和收缩。读这本书，我仿佛能听到不同音乐流派在耳边回响，更能感受到它们在身体上激起的共鸣。它不是那种让你去背诵理论的书，而是让你去感受、去体验的书。我强烈推荐给任何对舞蹈和音乐有兴趣的朋友，无论你是初学者还是有一定基础，都能从中获得启发。

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老实说，我拿起这本书的时候，并没有抱太高的期望。毕竟“舞蹈音乐”这个主题听起来有些小众，我担心内容会比较枯燥乏味。但这本书却给了我巨大的惊喜。作者的笔触轻松幽默，却又不失深刻的洞察力。他/她巧妙地将不同时代、不同地域的舞蹈音乐融入了引人入胜的故事之中。我非常欣赏书中对音乐如何影响舞蹈情绪的描写。例如，一段关于探戈的分析，让我深刻体会到音乐中那强烈的戏剧性和冲突感是如何通过舞者的肢体动作淋漓尽致地展现出来的。作者并没有简单地列举音乐元素，而是通过生动的语言，描绘了音乐的起伏如何牵引着舞者的呼吸，节奏的变化如何驱动着他们的脚步。我甚至觉得，在阅读这本书的时候，我仿佛能听到音乐在耳边回响，看到舞者在眼前翩翩起舞。这本书让我意识到，音乐和舞蹈并非独立的艺术形式，它们是彼此依存、相互促进的。

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我必须说，这本书的深度和广度都超出了我的预期。作为一名对音乐史有些了解的读者，我原本以为这本书会提供一些我已知的信息，但事实是，它打开了我思考舞蹈音乐的新视角。作者并没有局限于列举不同风格的音乐特点，而是深入探讨了音乐与身体、空间、情感之间错综复杂的关系。例如，书中关于“空间感在舞蹈音乐中的体现”的章节，就从一个我之前从未深入思考过的角度，阐述了音乐的动态、密度以及音响的分布如何影响舞者的空间移动和舞台呈现。我尤其被关于“节奏的身体化”这一概念所吸引，作者通过一些具体的例子，将抽象的音乐节奏转化为了具象的身体律动，让我深刻理解了音乐是如何成为舞者内在驱动力的。这本书的优点在于，它既有学术的严谨性，又不失艺术的感染力，它让你在阅读的过程中，仿佛置身于一个巨大的音乐与舞蹈交织的殿<bos>mence。读完之后，我感觉自己对许多曾经模糊的音乐与舞蹈的关联有了清晰的认识。

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我必须承认，这本书的视角非常独特。它没有像大多数音乐史书籍那样，仅仅罗列作曲家和作品，而是将舞蹈音乐置于一个更加宏观的文化和身体层面上进行探讨。作者在书中反复强调“听觉的身体性”，即音乐是如何通过我们的身体去感知和理解的。我特别喜欢关于“沉默的舞蹈音乐”这一部分的论述，作者探讨了音乐中的留白、间隙以及非音响元素如何为舞蹈提供想象的空间和表演的可能性。这种对音乐细微之处的关注，让我对舞蹈音乐的理解上升到了一个新的高度。这本书的行文流畅，充满智慧，即使是对于那些对音乐理论不太了解的读者，也能轻松理解。它不仅仅是一本关于舞蹈音乐的书，更是一次关于身体、空间和情感的探索之旅。我强烈推荐给任何希望深入了解音乐与舞蹈之间深刻联系的读者。

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