Edward Elgar, The Dream Of Gerontius Op. 38, The New Novello Choral Edition pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Novello & Company Limited

作者:Music origination by Barnes Music Engraving Edited by Hywel Davies and Bruce Wood

出品人:

页数:196

译者:

出版时间:2000

价格:$ 33.84

装帧:Paperback

isbn号码:9780711984608

丛书系列:

图书标签:

• Elgar
• Gerontius
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• New Novello Edition
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探索音乐的无限可能：其他重要音乐文献导览 本书旨在为音乐爱好者、学者及演奏者提供一个广阔的视野，聚焦于不涉及爱德华·格兰杰（Edward Elgar）的《杰龙提斯的梦》（The Dream of Gerontius, Op. 38）的新诺洛合唱版（The New Novello Choral Edition）这一特定版本的其他重要音乐作品、理论体系及历史发展脉络。通过深入考察不同的音乐领域，我们可以更全面地理解古典音乐的丰富遗产及其持续的生命力。 一、 巴洛克时代的辉煌与严谨：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的艺术世界 当我们暂时将目光从浪漫主义晚期的宏大叙事中移开时，巴洛克时期（约1600-1750年）的音乐以其精妙的对位法和坚实的结构逻辑，呈现出另一番引人入胜的图景。 1. 《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier） 这部作品是键盘音乐的试金石。它并非单一的作品，而是两卷各包含24首前奏曲与赋格的合集，涵盖了所有十二个大调和小调。巴赫通过这部作品，清晰地展示了十二平均律调律法在音乐创作中的可行性与表现力。 赋格的结构艺术： 研究《平均律》的赋格，是理解复调音乐的必经之路。每一首赋格都围绕一个主题（Subject）展开，通过模仿、移位、逆行、增值等技巧进行复杂的编织。例如，C大调赋格的清晰与逻辑性，与升F小调赋格的内省和忧郁形成鲜明对比。它体现了音乐的数学美感与情感深度的完美结合，是后世作曲家如肖斯塔科维奇等进行对位练习的范本。 前奏曲的即兴色彩： 与赋格的严谨相对，前奏曲多展现出即兴创作的自由感，从琶音的流动到和弦的沉思，为演奏者提供了广阔的诠释空间。 2. 弥撒曲与清唱剧：宗教音乐的典范 巴赫的宗教作品，如《B小调弥撒》（Mass in B Minor）和《马太受难曲》（St. Matthew Passion），是西方音乐史上最伟大的声乐巨著之一。 《B小调弥撒》的百科全书性质： 这部作品并非为某次特定礼拜仪式而作，而更像是一部对天主教弥撒文本的全面音乐性诠释。其中包含了精妙的对位合唱、华丽的咏叹调（如“Gratias agimus tibi”）以及复杂的器乐独奏段落。其对位结构的复杂程度，例如“Credo”中的多声部交织，挑战着任何合唱团的极限。 叙事与情感的张力： 《马太受难曲》通过福音传道者（Evangelist）的叙事性宣叙调、耶稣的（通常以弦乐弱奏伴奏的）关键陈述，以及群众（Pilate and the Mob）的激动人心的合唱段落，构建了强大的戏剧张力。它对人性挣扎、信仰的质疑与肯定进行了深刻的描绘，其情感深度远超一般的宗教仪式音乐。 二、 跨越时空的桥梁：19世纪中叶的交响诗与歌剧创新 将时间轴推至19世纪中期，音乐的中心从维也纳转向了德意志和意大利，创作的焦点开始从传统的奏鸣曲式转向更具文学性和叙事性的形式。 1. 弗朗茨·李斯特与交响诗的诞生 李斯特（Franz Liszt）作为“新德意志乐派”的领军人物，发明了“交响诗”（Symphonic Poem）这一单乐章管弦乐形式，旨在用音乐描绘特定的文学、绘画或哲学主题。 主题的变形（Thematic Transformation）： 李斯特在交响诗中应用了创新的“主题变形”手法，即用同一基本动机，通过改变节奏、调性、配器和织体，来展现叙事中人物或情感的演变。例如，在他的交响诗《前奏曲》（Les Préludes）中，开头的动机如何被发展成宏大、英雄性的主题，清晰地展示了这种手法如何服务于叙事。 管弦乐配器的革新： 李斯特对管弦乐的运用极富想象力，他倾向于使用更丰富的色彩和更广阔的音域来描绘场景，这直接影响了后来的理查·施特劳斯等作曲家。 2. 理查德·瓦格纳与“乐剧”的综合艺术追求 瓦格纳（Richard Wagner）对歌剧形式进行了彻底的颠覆，他称自己的作品为“乐剧”（Gesamtkunstwerk，总体艺术作品），旨在将音乐、戏剧、诗歌和舞台设计融为一体。 主导动机（Leitmotif）的系统运用： 瓦格纳在作品中，特别是《尼伯龙根的指环》（Der Ring des Nibelungen）系列中，大量使用主导动机——一段简短的、可识别的音乐短语，代表特定人物、情感、物体或观念。这些动机在整个乐剧中相互交织、发展和冲突，无需歌词，音乐本身就构成了复杂的心理和情节分析。 “无尽的旋律”与和声的拓展： 瓦格纳摒弃了传统歌剧中咏叹调与宣叙调的明确界限，代之以一种连续的、几乎没有停顿的“无尽的旋律”。同时，他对和声的极端探索，例如《特里斯坦与伊索尔德》（Tristan und Isolde）中著名的“特里斯坦和弦”，极大地推动了西方和声学的边界，直接预示了20世纪音乐的到来。 三、 20世纪的结构反思与电子媒介的探索 进入20世纪，音乐界经历了解构与重构的剧烈变革。作曲家们开始质疑传统调性的有效性，并探索新的组织声音的系统。 1. 阿诺德·勋伯格与十二音体系（Dodecaphony） 为了摆脱调性中心的束缚，勋伯格发展出了一套基于十二个半音的创作体系。 音列的构建与操作： 核心在于“音列”（Tone Row），即十二个音的特定排列顺序，这个音列在创作中必须被严格遵守，通常可以进行移位、逆行、倒影（Inversion）等操作。这种体系确保了所有音符在结构上的平等地位，避免了任何一个音被过度强调，从而实现“无调性”的平衡。 对后世的影响： 这种严格的序列主义思想，不仅影响了安东·韦伯恩（Anton Webern）的精微化创作，也启发了后来的序列主义音乐家，如布列兹（Pierre Boulez），将序列控制扩展到节奏、力度和音色等其他维度。 2. 电子音乐的早期实验 随着科技的发展，声音的来源不再局限于传统乐器。早期电子音乐的探索开辟了全新的听觉领域。 具体音乐（Musique Concrète）： 由皮埃尔·舍费尔（Pierre Schaeffer）等人发起，这种方法涉及录制自然界或日常环境中的声音（如火车声、水滴声），然后通过磁带的剪切、反放、变速等技术进行编辑和重组，创造出纯粹由“声音物质”构成的音乐作品。 电子合成器的应用： 早期电子音乐工作室（如科隆工作室）致力于使用振荡器、滤波器等电子设备来生成纯粹的、非乐器化的音色。这些实验挑战了传统音乐的定义，强调了声音的质地和物理特性本身就是音乐的要素。 通过对巴赫的对位严谨、李斯特和瓦格纳的叙事革命，以及20世纪勋伯格的结构重塑和电子音乐的听觉拓宽的研究，我们可以看到音乐艺术持续演进的内在动力——它总是在回应时代的需求，不断寻找新的语言来表达人类复杂的经验与情感。

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在阅读这本《杰隆提斯的梦》新版诺维洛合唱版时，我被其中所蕴含的深厚情感和宏大叙事所深深吸引。埃尔加这部作品，本身就充满了对灵魂归宿的探讨，而这本新版乐谱，则以其严谨而富有艺术性的呈现，进一步放大了这种感染力。我仔细研读了其中的一些独唱部分，发现每一个乐句的处理都非常到位。声乐线条的起伏、情感的递进，都在乐谱中得到了细致的体现。例如，在描写“祈祷”的段落，乐谱中的力度标记和延长符号，都恰如其分地传达了那种虔诚而充满希望的情感。当我尝试着去演唱这些乐句时，能够清晰地感受到作曲家想要表达的那种内心的震撼和升华。这本书让我对《杰隆提斯的梦》这部作品有了更深刻的认识，也对埃尔加这位作曲家有了更崇高的敬意。

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我第一次翻开这本《爱德华·埃尔加：杰隆提斯的梦，作品38，新诺维洛合唱版》时，内心是充满期待的，因为我一直对埃尔加这位英国作曲家的作品情有独钟，尤其对《杰隆提斯的梦》这部充满宗教情怀和深刻哲思的清唱剧印象深刻。诺维洛版一直以其严谨的编辑和精美的排版著称，所以我相信这本新版本也一定不会让我失望。迫不及待地翻到前言部分，我被详细而引人入胜的介绍深深吸引。作者不仅梳理了这部作品的创作背景，更深入剖析了它在音乐史上的地位以及埃尔加创作时的心路历程。那些关于卡迪夫音乐节委托、诗人纽曼的灵感来源、以及埃尔加如何将宗教文本转化为恢弘乐章的描述，都像是一扇扇窗户，让我得以窥见这位音乐巨匠的内心世界。我尤其欣赏的是，在前言中还引用了许多同时代音乐评论家和埃尔加本人的书信，这些第一手资料为理解作品增添了丰富的维度，也让历史仿佛近在眼前。

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当我开始仔细研读乐谱时，首先映入眼帘的是那清晰、准确的注释。作为一名业余的声乐爱好者，我经常会在演唱和练习时遇到一些理解上的困难，而这本新版诺维洛合唱版在这方面做得非常出色。乐谱的字体大小适中，音符和谱号的印刷清晰锐利，即便是复杂的和声段落，也丝毫不会让人感到眼花缭乱。更重要的是，每一个声部的标记都无比明确，无论是高音、女低音、男高音还是男中音，都能找到自己清晰的演唱部分。我特别留意了那些反复出现的乐句和主题，发现编辑们在乐谱中加入了一些非常有用的标记，比如连音线、重音符号以及一些简短的演奏提示，这些都极大地帮助了我更准确地把握音乐的呼吸和情感走向。我甚至还发现了一些以前版本中可能忽略的小细节，比如在某个乐句的结尾处，有一个非常微妙的渐弱标记，这个细微之处却能极大地影响到整个段落的情绪表达，足以见编辑的用心良苦。

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这部《杰隆提斯的梦》新版合唱版，可以说是对埃尔加这部经典作品的一次高质量的呈现。我特别喜欢它在编排上的细致之处。在某些段落，当几个声部同时演唱时，谱面会变得相对密集，但编辑们通过巧妙的页面布局和字体选择，使得各个声部的旋律线都清晰可见，互不干扰。这对于合唱指挥来说，无疑大大减轻了排练的压力。我曾经遇到过一些版本，在处理复杂多声部段落时，乐谱会显得非常混乱，演唱者很难找到自己的声部。但在这本新版中，这一点得到了很好的解决。我甚至注意到，在一些特别重要的乐句，还额外标注了重音记号，以强调其音乐的重要性，这无疑能帮助演唱者更好地理解作品的结构和情感表达。

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这部《杰隆提斯的梦》新版合唱版，在细节处理上展现了极高的专业水准。我尤其注意到，在处理乐谱中的一些复杂对位段落时，编辑们做出了非常清晰的标注，使得不同声部之间的线条能够被更好地辨识出来。这对于合唱指挥和演唱者来说，无疑是极大的便利。例如，在某个段落中，女高音和男低音的旋律线交织在一起，构成了一种神秘而不安的氛围，如果不是清晰的乐谱标注，很容易在演唱时出现混淆。而这本新版在这方面做得非常到位，每一个声部的旋律都得到了充分的展现，确保了音乐的层次感和清晰度。此外，乐谱中的力度标记和表情符号也非常丰富，这些细微之处都为音乐的诠释提供了重要的依据，使得表演者能够更精准地把握作曲家的意图。

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每一次翻开这本《杰隆提斯的梦》新版诺维洛合唱版，都能让我对埃尔加这部杰作有更深的理解。我尤其欣赏的是，编辑们在处理一些容易引起歧义的乐句时，都给出了清晰的解释或建议。例如，在作品的某些高潮段落，乐谱中的表情标记非常复杂，不同的指挥可能有不同的理解。但这本新版在这些地方的处理上，往往会提供一些参考性的提示，或者引用一些权威的演奏录音作为参照，这对于合唱指挥和演唱者来说，是非常宝贵的资源。它不仅仅是一本乐谱，更像是一位经验丰富的音乐导师，在默默地引导着我们去探索和理解这部伟大的作品。我尝试着去演唱其中的一些段落，发现乐谱中的标记，无论是在节奏、力度还是音色上的要求，都非常准确地传达了埃尔加想要表达的情感。

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翻到作品的内文，我被《杰隆提斯的梦》磅礴的气势和细腻的情感深深打动。埃尔加的音乐语言总是那么富有画面感，他的旋律线条悠长而富有表现力，和声色彩丰富而变化多端。在聆听（虽然是阅读乐谱，但我的脑海中已经自动播放了音乐）这部分的音乐时，我仿佛能看到杰隆提斯灵魂的旅程，从对死亡的恐惧，到对救赎的渴望，再到最终获得安宁与升华。那些宏伟的合唱段落，展现了人类面对未知时的敬畏与渺小，而那些独唱部分，则将个人内心的挣扎与祈祷刻画得淋漓尽致。我尤其喜欢那些描写天堂场景的音乐，它们充满了光辉与荣耀，预示着灵魂最终的归宿。这部作品不仅仅是一部宗教音乐，更是一部关于人生、死亡、信仰与救赎的深刻思考，而这本新版诺维洛合唱版，无疑为我们提供了一个近距离接触这部伟大作品的绝佳窗口。

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这部《杰隆提斯的梦》新版诺维洛合唱版，让我感受到了出版方对音乐艺术的尊重和对读者的诚意。从纸张的质量到印刷的精度，都无可挑剔。我特别喜欢它在处理大型合唱段落时，对谱面的安排。当合唱达到高潮时，通常会有很多声部同时发声，而且节奏和力度要求都非常复杂。在这本新版中，即便是在这样的情况下，乐谱依然保持着良好的可读性，各个声部的旋律线条清晰，力度和表情标记一目了然。我曾尝试过演唱一些版本较老的乐谱，常常会因为谱面拥挤而感到困扰，甚至在演唱时因为看不清谱面而出现失误。但在这本新版中，这样的情况完全没有发生。它让我能够更专注于音乐的表达，而不是被乐谱的视觉干扰所影响。

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作为一名对合唱艺术有着浓厚兴趣的听众，我一直认为一部优秀合唱作品的乐谱，不仅仅是音符的堆砌，更是一种艺术的载体。这本《杰隆提斯的梦》新版诺维洛合唱版，就完美地诠释了这一点。从装帧的质感到纸张的触感，都透露出一种严谨而用心的态度。我翻阅了其中的部分乐段，发现在某些技术性较强的合唱段落，比如那些需要精确的节奏配合和复杂和声的乐句，编辑们都通过细致的注释和清晰的排版，极大地降低了理解和演唱的难度。例如，在一段激昂的合唱中，有很多快速的音阶和跳跃，如果排版不当，很容易让演唱者感到眼花缭乱。但在这本新版中，音符的间距、力度标记的位置都经过了精心的设计，使得整个乐谱既美观又实用，让我在阅读时能够专注于音乐本身，而非被乐谱所困扰。

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让我印象深刻的是，这本《杰隆提斯的梦》新版诺维洛合唱版，在提供原始乐谱的同时，也融入了现代音乐编辑的严谨与创新。我注意到，在一些关键的音乐发展段落，编辑们会加入一些简短的注解，解释某些音乐动机的重复和变形，或者说明某个和声色彩是如何营造出特定的氛围的。这些注解虽然简短，但却极具启发性，能够帮助我们更深入地理解埃尔加的作曲技巧。我试着按照乐谱的指示去感受音乐，发现那些精巧的和声进行，那些富有张力的旋律，都如同精心编织的画卷，徐徐展开。它不仅仅是一份演奏用的乐谱，更是一部关于音乐创作的“幕后揭秘”，让我在欣赏音乐的同时，也能从中汲取养分。

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