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出版者:ファイドン; 改訂第16版版

作者:E.H.ゴンブリッチ / E.H.Gombrich

出品人:

页数:688ページ

译者:田中 正之

出版时间:2007/01

价格:7,329

装帧:単行本

isbn号码:9784902593556

丛书系列:

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艺术的脉动：一部跨越时空的审美史诗 序章：凝视的起源 本书并非聚焦于某一段特定的艺术史或某一位特定的艺术家。它是一次宏大而深邃的探索，追溯人类“观看”与“创造”的本能是如何在历史的长河中激荡、演变，最终铸就了我们今日所理解的“艺术”。我们将从史前洞穴的幽暗光影开始，那里，粗粝的颜料描绘着对生存的祈求与对未知的敬畏，这些最早的符号和图像，是人类精神觉醒的第一个回声。 我们不会停留在对岩画的简单罗列，而是深入挖掘其背后的认知革命。是什么驱使着远古的匠人，在坚硬的岩壁上捕捉转瞬即逝的野牛奔跑的动态？这关乎信仰、仪式，更关乎人类试图用视觉媒介来掌控和理解世界的早期尝试。 第一卷：秩序与神性的构建（古代文明的视觉宣言） 当我们步入美索不达米亚和古埃及的宏伟时代，艺术的功用变得更加明确：它是王权和神性的载体。这里，我们将详细剖析苏美尔楔形文字的装饰性，以及埃及法老雕塑中那种超越时间的永恒感。 重点将放在埃及对“规范化”的执着上。为什么人物的描绘必须遵循严格的正面律和比例？这并非是技术上的局限，而是一种有意识的、服务于宗教永恒观的视觉哲学。雕塑的“方正”与壁画的“并置”，是如何构建出一个井然有序、神人共存的宇宙图景？ 随后，视角转向爱琴海文明，米诺斯文明的壁画中那蓬勃的生命力和自由的线条，与古埃及的庄重形成鲜明对比。这种文化间的张力，揭示了艺术在不同地理环境中承担的不同心理功能。 第二卷：理性与理想的黄金比例（古典世界的范式确立） 古希腊罗马时期，是人类对“完美”形态的极致追求。本书将用大量篇幅探讨雅典的城邦精神如何渗透到雕塑和建筑中。 我们不再满足于描述帕特农神庙的柱式之美，而是要探究多立克、爱奥尼和科林斯柱式背后的文化心理。多立克的简洁粗犷，是城邦公民精神的体现；而后期希腊雕塑中对人体动态的精妙把握，尤其是对“理想化人体”的痴迷，反映了人文主义思潮的兴起——人，成为衡量一切的标准。 重点分析雕塑家如何通过“对角线构图”和“动态平衡”来模拟生命力，例如《掷铁饼者》。这不是对现实的简单模仿，而是对现实进行提纯、升华后的“理念之美”。 罗马的艺术继承了希腊的形体，但注入了更强烈的现实主义和功用性。我们讨论军团的纪念碑、皇帝的肖像，以及庞贝古城壁画中世俗生活的再现。艺术如何从服务神明，转向服务帝国和公民的荣耀？ 第三卷：信仰的具象化与空间的重构（中世纪的灵性凝视） 从中世纪的漫长岁月中走过，我们发现艺术的语言发生了根本性的转变。从古典的理性回归到宗教的神秘。 拜占庭马赛克的金色背景，并非对空间感的描绘，而是对“神圣光芒”的模拟。人物形象扁平化、程式化，目光直视观者，这是一种将信徒从尘世拉入永恒的精神强迫。 西方世界的罗马式和哥特式建筑，则是人类对天堂的垂直向往。我们将细致解析哥特式大教堂如何通过飞扶壁、肋拱和尖券，将沉重的石材转化为轻盈的骨架，并将光线（被视为上帝的语言）引入教堂内部。玫瑰窗的万花筒般的色彩，是如何通过光线讲述圣经故事，实现对文盲大众的“视觉布道”？ 第四卷：人性的回归与视角的革命（文艺复兴的觉醒） 文艺复兴是艺术史上的一个奇点。它不是对古典的简单重复，而是一次将科学、哲学与美学完美融合的伟大实验。 我们将详细分析透视法的发明者如何改变了人们观察世界的方式——从平面的神性空间，转向可以被精确测量的、以观察者为中心的“人造”空间。这标志着艺术家主体地位的崛起。 重点探讨佛罗伦萨的“人文主义”如何催生了对人体解剖学的狂热研究，以及“明暗对照法”如何赋予了人物立体感和内在的心理深度。我们对比达·芬奇的“含蓄的微笑”与米开朗基罗的“英雄式的人体”，分析这种对人类潜能的颂扬是如何颠覆了中世纪的审美观。 第五卷：情感的张力与感官的盛宴（巴洛克与洛可可的戏剧性） 进入17世纪，艺术的基调变得更加戏剧化和情感化。巴洛克艺术是反宗教改革的激情回应，也是绝对君主权力的炫耀。 卡拉瓦乔的“强光与深影”如何营造出直击人心的宗教体验？贝尼尼雕塑中“凝固的瞬间”——那种动作达到最高潮、情感喷薄而出的处理方式——是如何打破文艺复兴的静态平衡的？ 我们将对比巴洛克在宗教题材中的磅礴与洛可可时期在宫廷生活中的轻盈、精致和享乐主义。洛可可的曲线、柔和的色彩，以及对私密空间的偏爱，如何反映了贵族阶层对理性秩序的反叛与对感官愉悦的沉溺？ 结语：碎片化时代的图像探索 本书的收尾将探讨现代性艺术的开端，即从印象派对“瞬间光影”的捕捉，到后印象派对“结构和情感”的重塑。这预示着艺术正逐渐脱离对外部世界的忠实再现，转而探索艺术自身的形式语言和艺术家的主观内心世界。 通过这次漫长的旅程，我们看到艺术并非是孤立的杰作集合，而是一个社会、哲学、宗教、科学相互作用的动态场域。每一幅画、每一座雕像，都是其时代精神最真切的视觉翻译。理解艺术的“历史”，就是理解人类自身如何理解和表达存在的意义。

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《美术の物語》这本书，在拿到它的时候，我就被那沉甸甸的质感和散发出的淡淡纸墨香所吸引。翻开第一页，不是那些枯燥的学术定义，而是一个引人入胜的故事开端，仿佛一位经验丰富的向导，正要带我穿越时光的洪流，去探寻艺术的起源和演变。作者的叙事风格极其细腻，他不仅仅是罗列名家名作，更是深入挖掘了每一件作品背后所蕴含的情感、时代的烙印以及艺术家个人的心路历程。我尤其喜欢他对于文艺复兴时期那些大师们的描绘，不仅仅是达芬奇的神秘，米开朗琪罗的执着，还有拉斐尔的优雅，甚至是一些名不见经传却同样充满才华的画师，他们的故事被讲述得栩栩如生，让我仿佛能听到画室里颜料碰撞的声音，感受到他们对艺术的狂热追求。这本书让我明白，艺术并非高高在上，它源于生活，也反映生活，是人类情感与智慧最直接的表达。每一次阅读，都像是一次精神的洗礼，让我对美有了更深层次的理解和感悟。

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《美术の物語》这本书，就像是一本打开的时光胶囊，让我得以穿越时空，亲历艺术的诞生与演变。作者的叙述风格极其引人入胜，他并非按照枯燥的年代顺序进行讲解，而是将艺术品与历史事件、社会背景以及艺术家个人的生活经历巧妙地结合起来，让每一个故事都变得鲜活而真实。我印象深刻的是，他讲述了印象派画家们如何在贫困和质疑中坚持创作，如何捕捉光影的微妙变化，以及他们如何影响了后来的艺术发展。他让我看到了艺术创作的艰辛与伟大，也让我明白了艺术的创新是如何突破前人设定的框架。这本书让我对艺术有了更深的敬意，也让我更加珍惜那些为艺术奉献一生的人们。

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《美术の物語》这本书，带给我的是一种心灵的震撼和启迪。作者的笔触极其细腻，他不仅仅是展示艺术品的视觉美感，更是深入剖析了每一件作品所承载的时代精神和人文关怀。我特别喜欢他对巴洛克艺术的描述，那种宏伟、戏剧化和充满动感的风格，通过作者的文字，仿佛就在我眼前徐徐展开。他解读了贝尼尼的雕塑，如何捕捉瞬间的动态与情感，又如何通过光影的运用，营造出一种庄严而神秘的氛围。他并没有局限于欧洲艺术，对亚洲的艺术传统也有着独到的见解，让我看到了不同文化背景下，人类对美的共同追求和对生命意义的思考。这本书让我明白，艺术是人类心灵的镜子，它折射出时代的变迁，也记录着人类的情感与思想。

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《美术の物語》这本书，让我体验到了一种前所未有的阅读乐趣。作者的叙述风格极其流畅自然，仿佛一位老友在娓娓道来。他并没有刻意去堆砌那些晦涩难懂的艺术术语，而是将重点放在了艺术品的“故事性”上。我印象最深刻的是，他花了大量的篇幅来讲述一些不那么出名的艺术流派，比如超现实主义，他没有简单地将其归类为“奇特”或“怪诞”，而是深入挖掘了那些艺术家们在潜意识、梦境和现实之间探索的勇气和创造力。他通过对达利、马格利特等艺术家作品的细致解读，让我看到了艺术突破想象力边界的可能。这本书就像是一张地图，指引我去探索那些隐藏在艺术史角落里的瑰宝，也让我明白了艺术的多元化和包容性。每一次翻开，都能有新的收获和感悟。

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我一直对抽象艺术感到有些难以理解，总觉得它过于“虚无缥缈”。然而，《美术の物語》这本书，却用一种非常接地气的方式，让我逐渐走进了抽象艺术的世界。作者的叙述风格非常清晰且富有逻辑性，他没有简单地给抽象艺术贴上“难以理解”的标签，而是从抽象艺术的起源、发展以及其背后的哲学思考进行了深入浅出的讲解。他通过对康定斯基、蒙德里安等艺术家的作品解读，让我看到了抽象艺术是如何从具象走向纯粹的色彩和线条，又是如何表达情感和思想的。他让我明白，抽象艺术并非没有意义，它是一种更加纯粹的视觉语言，能够触及到人类内心深处的情感。这本书不仅拓展了我的艺术视野，也让我学会了用更开放的心态去欣赏和理解那些挑战我既有认知的艺术形式。

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手捧《美术の物語》，我仿佛置身于一个巨大的艺术宝库之中，每一个章节都如同开启了一扇新的大门，引领我进入一个截然不同的艺术天地。作者的笔触温和而充满力量，他没有使用任何华丽辞藻，却能将那些复杂而深奥的艺术理论，化解为一个个生动有趣的故事。我尤其被书中关于中国传统水墨画的部分所打动。从山水画的意境，到花鸟画的灵动，再到人物画的神韵，作者都进行了深入浅出的剖析，让我看到了中国艺术的独特魅力和深厚底蕴。他不仅介绍了那些著名的画家及其作品，更重要的是，他解读了水墨画背后所蕴含的哲学思想和文化精神。读完这部分，我感觉自己仿佛也进入了水墨的世界，看到了云雾缭绕的山峦，听到了鸟儿清脆的歌唱，感受到了文人墨客的雅趣。这本书是一次美妙的发现之旅，让我对艺术的理解更加宽广和多元。

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我一直在寻找一本能够真正打动我的艺术书籍，直到我遇到了《美术の物語》。这本书的独特之处在于，它不仅仅是对艺术史的梳理，更是对艺术背后人文精神的挖掘。作者的写作方式非常独特，他常常会将不同时期、不同风格的艺术品进行巧妙的对比和联系，让我看到了艺术的传承与发展，以及不同文化之间的碰撞与融合。例如，他将东方艺术的含蓄与西方艺术的奔放进行了有趣的对比，让我看到了不同文化语境下，人们对美的理解和追求是如何不同的。我对书中关于装饰艺术的章节尤为喜爱，它让我看到了实用性与美学的完美结合，也让我认识到，艺术不仅仅是挂在墙上的画，它也可以是生活中的器物，甚至是建筑的细节。这本书让我更加热爱生活，因为它让我看到了生活中的美无处不在。

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《美术の物語》这本书，给我的感觉就像是和一位饱学多闻的艺术家在进行一场深度对谈。作者的叙述风格非常个人化，他不仅仅是在介绍艺术品，更是在分享他对艺术的热爱和理解。他对于各个时代艺术流派的分析，都充满了独到的见解和深刻的洞察。我特别喜欢他对波普艺术的解读，他并没有简单地将其视为对流行文化的挪用，而是深入挖掘了安迪·沃霍尔等人如何通过艺术挑战消费主义和大众文化，以及他们如何模糊了艺术与生活的界限。他让我看到了艺术的社会批判性和前瞻性。这本书让我更加认识到，艺术并非孤立存在，它与社会、文化、科技等方方面面都有着密切的联系，是人类认识世界、表达思想的重要方式。

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阅读《美术の物語》，我感受到了一种前所未有的艺术熏陶。作者的笔触温婉而富有感染力，他并没有刻意追求艺术史的完整性，而是选取了那些最能代表时代精神和艺术变革的关键节点进行深入剖析。他对于中世纪艺术的解读，让我看到了宗教信仰如何深刻地影响了那个时代的艺术创作，从哥特式教堂的飞扬，到圣像画的庄严，都充满了神圣而神秘的魅力。他没有回避那个时期艺术的局限性，而是将其置于历史的语境中进行理解，让我看到了艺术在不同历史阶段所扮演的不同角色。这本书让我对西方艺术的早期发展有了更清晰的认识，也让我看到了人类文明在艺术领域不断探索和进步的过程。

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从前，我对美术的理解仅限于那些挂在博物馆里的油画和雕塑，觉得它们是属于遥远过去的遗产。然而，《美术の物語》彻底颠覆了我的认知。这本书以一种极其亲切的方式，将我引入了一个充满奇思妙想的艺术世界。它不是一本单纯的图册，也不是一本艰深的理论著作，而更像是一次穿越时空的对话。我惊叹于作者能够如此精准地捕捉到不同时代、不同地域艺术风格的精髓，并且用通俗易懂的语言将其呈现出来。比如，他对印象派的解读，让我看到了光影在画布上跳跃的生命力，感受到了莫奈笔下那些转瞬即逝的美丽瞬间。又如，他对现代艺术的梳理，不再是冰冷的标签和概念，而是讲述了那些艺术家们如何打破常规，如何用新的视角去观察和表达世界。这本书让我重新审视了我们周围的一切，原来生活中处处皆是艺术，只要我们用心去发现，去感受。

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