具体描述
Model as Muse explores fashion's reciprocal relationship to iconic beauties that represent the evolution and changing face of the feminine ideal. Featuring a brief historical overview of the phenomenon of the supermodel, the book begins in the early 20th century and continues to the present day. Dorian Leigh and Lisa Fonssagrives in the 1940s are joined in the 1950s by Dovima, Sunny Harnett, and Suzy Parker. They are followed by Jean “The Shrimp” Shrimpton and Twiggy in the 1960s and Lauren Hutton in the 1970s. The 1980s witnessed such enduring personalities as Cindy Crawford, Christy Turlington, Naomi Campbell, and Linda Evangelista, while the 1990s brought on Kate Moss, whose edgy, street-inflected style has inspired not only fashion designers, editors, stylists, and photographers, but artists such as Chuck Close and Lucien Freud.
With an emphasis on styles from the 1950s onward, the book features designs from the great ready-to-wear and couture houses—Madame Grès, Christian Dior, and Balenciaga in the 1950s; Rudi Gernreich, Yves Saint Laurent, and Cardin in the 1960s; Giorgio di Sant’Angelo and Halston in the 1970s; Christian Lacroix, Versace, Comme des Garcons, and Calvin Klein in the 1980s; and Marc Jacobs, John Galliano, and Alexander McQueen in the 1990s.
About the Author
Harold Koda is Curator in Charge at The Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art, New York, and the author of many fashion books including Extreme Beauty: The Body Transformed, Chanel, and Poiret, all available from Yale. Kohle Yohannan is an independent curator and the author of Claire McCardell and John Rawlings: 30 Years in Vogue.
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读后感
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用户评价
这本书带给我的最大收获，在于它拓宽了我对“灵感”二字的理解边界。过去我总以为灵感是某种遥不可及的“神启”，但在书中，作者将其拆解为一系列可以观察、可以学习、甚至可以培养的习惯和思维模式。她详尽地分析了那些伟大的头脑是如何处理日常经验、如何与既有的文化符号进行对话，最终将其转化为具有开创性的视觉语言。这种“方法论”的揭示，对于任何从事创造性工作的人来说，都具有极高的实用价值。我尤其喜欢其中关于“不完美之美”的探讨，它提醒我们，艺术的魅力往往在于那些细微的、不经意的瑕疵中，正是这些“人工的疏忽”，构成了作品的独特性和生命力。全书逻辑清晰，论证有力，读起来酣畅淋漓，就像进行了一次高质量的思维体操训练。
评分这本书的排版和印刷质量，体现了一种对阅读本身的尊重。纸张的质感温润而不反光，即便是长时间沉浸其中，眼睛也不会感到疲劳。但更值得称赞的是，作者在论述复杂的审美理论时，所使用的语言竟如此富有诗意和画面感。她似乎能够用文字精确地描绘出眼睛看到却难以言喻的感觉——那种“恰到好处”的留白，或是色彩碰撞时产生的“听觉”效果。这让我意识到，优秀的艺术评论本身就是一种高级的创作。书中对特定几位关键艺术家的深入分析，尤其精彩，她不仅仅是在描述他们的技法，更是在解剖他们的灵魂碎片是如何被固定在画布上的。对于那些希望提升自己鉴赏能力，但又害怕被艰深理论吓退的读者来说，这本书无疑是一剂良药。它让你在轻松愉悦中，完成了对艺术世界一次深刻而温柔的洗礼。
评分我非常欣赏作者在跨文化、跨时代对比分析时所展现出的广博学识和审慎态度。她没有武断地将某个时期的审美标准强加给另一个时期，而是细致地考量了当时的社会背景、技术条件以及哲学思潮对艺术表达的制约与解放作用。这本书的深度在于，它不仅仅停留在对“美”的赞颂，更深入到了“为什么是这个美”的追问之中。它就像一把精密的仪器，剖析着人类对视觉秩序的永恒渴望与不断反叛的矛盾统一体。其中涉及的几次关于“视角转换”的案例分析，简直是教科书级别的示范，让我对如何看待一个主题产生了革命性的认识。读完这本书，我发现自己不再仅仅是匆匆路过博物馆的游客，而更像是一个带着地图和钥匙的探索者，对每一扇艺术之门背后的风景都充满了期待与敬意。
评分坦白说，我最初对这类主题的书持保留态度，总担心它们会过于学院派，充满了晦涩的专业术语和空泛的理论陈述。然而，这本书完全颠覆了我的预期。它的叙事节奏把握得极为老练，像一部引人入胜的纪录片，既有历史的厚重感，又不乏现代的活力。作者在梳理不同历史时期艺术流派演变时，并没有采用简单的线性叙事，而是巧妙地穿插了大量的名人轶事和鲜为人知的幕后故事，使得阅读体验充满了惊喜。我特别欣赏她对“意图”的剖析，即艺术家究竟想通过他们的作品向世界传达什么，以及这种信息是如何被时间检验和重新解读的。这种对创作动机的深挖，让原本静态的艺术品活了起来，充满了对话的可能。读完之后，我忍不住去查阅了书中提到的那些艺术家的其他作品，它成功地充当了一个绝佳的“引路人”，把我带入了一个更广阔的审美领域。
评分这本书的包装设计就让人眼前一亮，那种复古的字体和典雅的插图，仿佛在低语着一段跨越时空的艺术史。我一开始是被它的装帧吸引的，但真正翻开之后，才发现这不仅仅是一个好看的“花瓶”。作者的笔触细腻而充满洞察力，她似乎拥有一种魔力，能将那些沉睡在博物馆角落里的静物和肖像重新唤醒，赋予它们鲜活的生命力。书中对光影、构图的分析深入浅出，即便是对艺术史不甚了解的门外汉，也能轻松领会到其中蕴含的精妙之处。我尤其喜欢她探讨艺术家在创作过程中如何“捕捉”灵感的那一部分，那种对美的执着和对瞬间永恒的追求，读起来让人热血沸腾。它不像一本枯燥的教科书，更像一位资深策展人带着你穿梭于不同的画廊和工作室，耳边轻声讲解着每一件作品背后的秘密与情感的波澜。读完合上书本，我感觉自己看待周围世界的角度都变得更加敏锐和丰富了，好像空气中都弥漫着油彩和松节油的香气。
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