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出版者:Warren H Green, Inc

作者:Kagan

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-09-01

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780875275161

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术评论
• 现代艺术
• 当代艺术
• 艺术理论
• 艺术哲学
• 文化研究
• 艺术欣赏
• 艺术风格
• 艺术流派

《Absolute Art》的诞生，是一场跨越时空、融合多元的艺术探索之旅。它并非一本循规蹈矩的艺术史教科书，也非仅仅停留在理论分析的层面，而是一次对艺术本质的深度叩问，一次对艺术家内心世界的温情注视，一次对艺术与时代、与个体生命之间复杂关系的细致描摹。 本书的起点，并非某个特定的艺术流派或年代，而是从“何为艺术”这一最根本的问题出发。作者以一种近乎哲学式的审视，剥离掉那些附加在艺术身上的标签与定义，试图触及艺术最纯粹、最核心的存在。它并非要给艺术下一个绝对的、放之四海而皆准的定义，因为艺术的魅力恰恰在于其无限的延展性和个体感受的独特性。相反，本书更像是一张地图，一张指引读者深入艺术幽深之处的地图，让每个人都能根据自己的体验和理解，在其中找到属于自己的坐标。 我们首先会看到，艺术并非遥不可及的象牙塔，它深植于人类最原始的情感与表达冲动之中。从史前洞穴中那些粗犷而充满生命力的壁画，到古埃及金字塔下凝固的永恒，艺术自诞生之初，便是人类记录生活、表达信仰、祈求庇佑的载体。本书不会枯燥地罗列这些早期艺术的年代与风格，而是会带领读者去感受那些远古先民在简陋的工具下，如何将对自然的敬畏、对生命的渴望，以及对死亡的恐惧，转化为一幅幅充满力量的图像。我们会思考，是什么驱使着他们，在茹毛饮血的时代，去创造那些超越生存必需的“非实用”之物？这种冲动，是否就是艺术最原始的萌芽？ 随后，本书将目光投向古希腊与古罗马。在这里，我们看到的是理性与美的极致追求。雕塑中的黄金分割，建筑中的严谨比例，哲学中的形而上学思辨，都与艺术创作密不可分。本书不会仅仅陈述帕特农神庙的柱式结构，或米洛的维纳斯的完美曲线，而是会深入探讨古希腊人对“理想美”的理解，对人体比例的精准计算，以及哲学思想如何影响了他们对和谐与秩序的追求。我们会审视，在那个崇尚理性的时代，艺术是如何承载起歌颂英雄、赞美神明、塑造公民精神的功能。同时，也会关注罗马帝国时期，艺术如何服务于权力与扩张，如何在宏伟的建筑和写实的雕塑中，展现其强大的帝国气象。 中世纪的欧洲，在基督教的辉煌光芒下，艺术呈现出一种截然不同的面貌。本书将带领读者穿越哥特式教堂高耸的尖顶，感受透过彩色玻璃洒下的神圣光辉。我们会探讨，在那个以宗教为绝对中心的时代，艺术是如何成为上帝的语言，如何将晦涩的神学教义转化为视觉的训诫与慰藉。我们会关注拜占庭艺术的金色马赛克，伊斯兰艺术的繁复几何纹样，以及日本浮世绘的写意与留白，去理解不同文化背景下，艺术如何与信仰、哲学、生活方式深度融合。本书不会陷入对宗教艺术的单一解读，而是会展现其多样性与复杂性，以及在看似统一的宗教表象下，潜藏的各地文化特色。 文艺复兴时期，是艺术史上一个璀璨的节点。本书将不止步于达芬奇的神秘微笑，米开朗琪罗的宏伟雕塑，拉斐尔的圣洁圣母。我们会深入探究，为何在那个时代，人文主义思潮能够如此蓬勃地发展，使得艺术家将目光重新聚焦于人本身，歌颂人的尊严、智慧与情感。本书会细致分析艺术家们如何学习解剖学，如何运用透视法，如何从古典艺术中汲取灵感，创造出既具古典之美，又富时代精神的杰作。我们会看到，艺术不仅仅是技巧的展现，更是思想的载体，是人类对自身价值的一次伟大肯定。 巴洛克与洛可可的华丽，新古典主义的庄重，浪漫主义的激情，现实主义的质朴，印象派的光影变幻，后印象派的色彩探索……本书将以一种流畅且富有吸引力的方式，串联起艺术史上各个重要的转折点。但它的叙述并非线性或简单的编年史。作者更愿意挖掘的是，在每一个时期，艺术风格的转变背后，隐藏着怎样的社会变革、思想激荡、科学发现，以及艺术家个体所面临的挑战与抉择。例如，我们会探讨工业革命如何催生出新的材料和技术，从而影响了艺术的创作形式；我们会审视法国大革命如何激发出艺术家对自由、平等、博爱的热情；我们会理解摄影术的发明，如何迫使绘画去探索更抽象、更内在的表达。 在进入现代艺术的领域，本书将以更加开放和包容的姿态，审视那些颠覆传统的艺术形式。从野兽派的色彩解放，到立体派的空间重构，从超现实主义的潜意识探索，到抽象表现主义的情感宣泄，本书将带领读者穿越波普艺术的商业符号，概念艺术的思想冲击，行为艺术的身体实验，装置艺术的空间营造，影像艺术的媒介革新。作者不会以评判的眼光去衡量这些艺术形式的“好坏”与“价值”，而是会鼓励读者去理解它们产生的时代背景、艺术家试图传达的思想，以及它们对我们观看世界的方式所带来的影响。我们会思考，当艺术的边界不断被拓展，当创作的媒介日益多样，我们该如何去理解和欣赏这些“非传统”的作品。 本书的独特之处在于，它始终将艺术与“人”紧密联系在一起。每一个伟大的艺术品，背后都凝聚着一位或一群艺术家的心血、智慧、情感与孤独。本书会试图走进艺术家们的内心世界，去理解他们创作的动机，他们所经历的挣扎，他们与外界的互动。我们不仅会看到梵高的燃烧的激情，莫奈的光影魔法，毕加索的解构与重塑，也会关注那些在历史上相对“沉默”的艺术家，他们的故事同样充满了曲折与闪光。本书相信，理解艺术家，是理解其作品的另一条重要途径。 此外，《Absolute Art》还将深入探讨艺术的社会功能与影响。艺术如何成为社会变革的催化剂？艺术如何反映一个时代的精神面貌？艺术如何在日常生活中为我们带来美的体验和思想的启迪？本书会通过具体的案例，展示艺术在政治宣传、社会批判、个人情感表达、审美教育等方面的多元作用。我们会思考，为什么某些艺术品能够穿越时空，成为永恒的经典？为什么某些艺术作品能够在当下引起广泛的共鸣？ 最后，本书将引导读者反思艺术在当下的意义。在这个信息爆炸、消费主义盛行的时代，我们该如何“看”艺术？我们该如何拥抱艺术，让它滋养我们的心灵，丰富我们的生活？《Absolute Art》并非提供标准答案，而是希望成为一个触发思考的起点。它鼓励读者用自己的眼睛去观察，用自己的心灵去感受，用自己的智慧去解读。艺术的“绝对”不在于一个固定的形态，而在于它激发我们内心最深处的声音，在于它带领我们去探索更广阔的精神世界。 这本书，是对艺术的一次温柔邀约，也是一次深刻对话。它希望邀请每一位读者，放下预设的标签，抛开功利的心态，走进艺术的殿堂，感受那份穿越时空、触动灵魂的力量。它相信，当你看进艺术的眼睛，艺术也会回望你，并在这场跨越时空的凝视中，展现出它最真实、最动人的“绝对”之美。

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这部《Absolute Art》最让我惊喜的是它对非西方艺术脉络的融合与平衡。很多西方艺术史著作往往将非西方艺术视为“异域的旁注”或“前现代的参照物”，但在这里，作者将其视为与西方主流叙事平行的、具有自身完整逻辑和高度成就的艺术传统。比如，书中对中国宋代山水画的阐释，完全超越了简单的“意境”描述，而是深入分析了“留白”在哲学上如何体现了道家对“虚空”和“无限”的把握，以及这种构图方式如何挑战了西方绘画中对实体填充的执念。同样，对伊斯兰几何装饰艺术的讨论，也精准地指出了其背后复杂的数学、天文学与神学结构之间的相互依存关系。这种跨文化比较的视角，极大地拓宽了我的艺术视野，让我意识到“艺术性”本身就是一个巨大的光谱，而非单一的、由西方定义的轴线。全书的论证结构严密，逻辑清晰，但行文又不失人文关怀，它促使我重新审视自己对“美”和“伟大”的固有判断。读完此书，我深切体会到，真正的艺术史研究，需要的是一种包容万象的胸襟和永不满足的探究精神。

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对于现代艺术这块，《Absolute Art》的处理方式简直是教科书级别的范例。我过去总觉得印象派之后的现代艺术，尤其是抽象表现主义，总有一种“故作高深”的距离感，但这本书成功地搭建了理解的桥梁。作者没有回避现代艺术的颠覆性，反而将其视为工业革命后社会结构彻底崩塌、个体身份极度焦虑的必然视觉投射。他对杜尚“现成品”的论述尤其精辟，指出这不仅仅是对艺术定义的挑战，更是对“原创性”这一资产阶级神话的彻底解构。作者用一种近乎侦探般的严谨态度，追溯了从立体主义的解构到未来主义的速度崇拜，再到立体派对单一视角的放弃，每一个流派的产生都被置于其时代的科技、哲学（如尼采和弗洛伊德）的语境下进行考察。阅读这些内容时，我感觉自己不是在看画册，而是在参与一场智力上的“解谜游戏”，每一个艺术家的选择都被赋予了深刻的逻辑。书的最后一部分对后现代主义的探讨也十分到位，它没有急于给出一个结论，而是展现了艺术如何从“宏大叙事”走向“碎片化、挪用和自我指涉”的复杂过程。

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说实话，我刚开始接触《Absolute Art》的巴洛克与洛可可部分时，有点担心它会变得过于华丽而失焦。然而，我的担忧完全是多余的。作者处理冲突和戏剧性的能力一流。他将巴洛克艺术的诞生，直接关联到了宗教改革后的反宗教改革运动，指出那种夸张的动感、强烈的明暗对比（卡拉瓦乔那标志性的光影手法），本质上是一种情绪化的、试图直接击穿观众心灵的“信仰轰炸”。他没有将洛可可仅仅视为巴洛克的“柔弱后代”，而是将其解读为对绝对主义宫廷生活过度精致化的一种审美逃逸，一种对私人享乐和精致感官体验的极致追求。这种对艺术风格背后社会心理动机的精准捕捉，让人大开眼界。最让我印象深刻的是，作者用了整整一章的篇幅，专门对比了意大利、西班牙和佛兰德斯地区巴洛克风格的显著差异，并通过对鲁本斯和伦勃朗的比较分析，说明了地域文化和市民阶层兴起如何塑造了同一种艺术精神在不同地域的变体。这种层次分明的解析，避免了将“巴洛克”标签化，使得艺术史的理解变得立体而丰满。

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我最近沉迷于阅读《Absolute Art》的文艺复兴章节，简直被震撼到了。这本书的厉害之处在于，它没有把达芬奇和米开朗基罗描绘成高高在上的天才符号，而是将他们放回了那个充满政治角力、宗教热情与人文主义觉醒的复杂熔炉中。作者对佛罗伦萨美第奇家族赞助体系的分析，细致入微，简直像是一部精彩的宫廷秘史。他不是简单地说“赞助促进了艺术发展”，而是深入剖析了权力如何利用视觉符号来巩固其世俗和神圣的双重权威，以及艺术家如何在这种权力结构下，小心翼翼地进行“美学叛逆”。我尤其喜欢作者对透视法原理的解读，他没有用晦涩的数学公式，而是通过对比当时建筑师和画家的草图演变过程，展现了空间感是如何从一种经验认知，被精确地转译成一种可被复制和量化的视觉语言的。这种对技术与哲学交织的洞察力，让整个文艺复兴时期的讨论鲜活了起来，仿佛我能闻到油彩和湿石膏的气味。这本书的排版和图片质量也极其考究，印刷的色彩还原度极高，使得那些标志性的作品细节得以清晰呈现，大大增强了阅读的沉浸感，完全不是那种粗制滥造的艺术普及读物。

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这本《Absolute Art》真是一部令人耳目一新的艺术史力作！我刚翻完导论部分，就被作者那种近乎诗意的叙述方式深深吸引住了。他并没有像传统教科书那样堆砌枯燥的年代和流派定义，而是巧妙地将艺术史的演进描绘成一幅宏大、流动的生命画卷。尤其是开篇对史前洞穴壁画的解读，简直是神来之笔。作者没有仅仅停留在“这是早期人类的记录”这种表面论断上，而是深入探讨了那时人类心智与自然界、与神秘力量之间那种原始的、充满敬畏的连接。他用生动的笔触描绘了昏暗洞穴中火光摇曳下，那些奔跑的野牛和抽象符号是如何从岩壁中“诞生”的，那种感觉不是在阅读历史，而是在亲身体验那场跨越万年的对话。我特别欣赏他穿插的那些关于艺术本体论的思考，比如“美是否是绝对的，还是仅仅是文化共识的暂时妥协？”这种探讨让阅读过程充满了智力上的挑战和乐趣。虽然篇幅厚重，但叙事节奏把握得极佳，从不让人感到拖沓，反而让人迫不及待地想知道下一个时代，艺术是如何继续其颠覆与重塑自我的旅程的。对于任何想真正理解艺术“为什么存在”而非仅仅“它是什么”的读者来说，这本书无疑是打开新世界的一把钥匙。

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