Children's Costumes (Twentieth-Century Developments in Fashion and Costume) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Mason Crest Publishers

作者:Carol Harris

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2002-11

价格:USD 19.95

装帧:Library Binding

isbn号码:9781590844205

丛书系列:

图书标签:

• Children's fashion
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奇幻面纱下的时代印记：二十世纪儿童时尚与戏服的演进 《Children's Costumes (Twentieth-Century Developments in Fashion and Costume)》一书，旨在深入剖析二十世纪儿童时尚与戏服之间错综复杂且引人入胜的互动关系，揭示这两个看似独立的领域如何在同一时代背景下相互影响、彼此塑造，最终共同勾勒出儿童在不同年代的身份认同、社会期望以及娱乐方式的变迁。本书并非简单地罗列不同时期的儿童服装样式，而是着力于探究其背后的深层文化、社会经济以及技术进步所带来的驱动力。 第一章：时代之初的童真轮廓——二十世纪上半叶的儿童时尚与戏服萌芽 二十世纪的扉页缓缓翻开，儿童的着装与他们在舞台上的形象，既承载着传统的影响，又开始孕育新的变化。在这一时期，儿童戏服的出现，很大程度上是对成人戏剧模式的简化与挪用，往往是为了满足特定节庆、学校演出或家庭娱乐的需求。例如，早期儿童戏服的设计常常局限于一些经典的童话人物，如小红帽、白雪公主，或是历史人物的缩影。这些戏服的设计理念，很大程度上受到了当时成人服装风格的影响，虽然在尺寸上有所缩减，但其廓形、面料和装饰细节，依然能窥见时代审美的一斑。 与此同时，二十世纪上半叶的儿童时尚，也开始显露出与成人时尚逐渐分离的迹象。随着社会对儿童早期教育和身心发展的重视，儿童服装的设计理念逐渐倾向于舒适、实用和便于活动。然而，这种“实用性”的追求，在很大程度上受到了当时儿童成长的性别刻板印象的影响。男孩的服装往往以耐磨、方便运动的款式为主，例如短裤、马甲和衬衫；而女孩的服装则倾向于更具装饰性，带有裙摆、蕾丝和蝴蝶结等元素，旨在培养其“淑女”气质。 在戏服领域，虽然规模尚小，但已经开始显现出其在塑造儿童想象力方面的潜力。一些早期的儿童剧团和学校的演出，为孩子们提供了接触戏剧艺术的平台，而戏服则成为了他们进入角色、体验不同身份的媒介。这些戏服虽然制作工艺可能相对简单，但其所承载的象征意义，却足以点燃孩子们的无限遐想。例如，一件简单的纸板制成的国王或女王的帽子，足以让一个孩子在舞台上感受到权力的魅力。 第二章：变革的浪潮与视听的革命——二十世纪中叶的儿童时尚与戏服的多元化发展 第二次世界大战结束后，全球社会迎来了前所未有的变革，儿童时尚与戏服也因此进入了一个更加多元化和富有活力的发展阶段。经济的复苏和技术的进步，为儿童服装的设计和生产带来了新的可能性。合成纤维的出现，使得服装的面料选择更加丰富，色彩也更加鲜艳。同时，随着家庭观念的转变，人们开始更加关注儿童的个性和自主性，这在儿童服装的设计上得到了充分的体现。 在儿童时尚领域，休闲风格开始兴起，牛仔裤、T恤衫等更加舒适、自由的服装开始普及，成为儿童日常穿着的主流。这些服装的设计，更加注重儿童的活动需求，鼓励他们自由探索和玩耍。这种风格的转变，也反映了社会对儿童童年时期应有乐趣的重新认知。 与此同时，电影、电视等新兴媒体的兴起，对儿童戏服产生了深远的影响。动画片、儿童电影的流行，为孩子们带来了无数耳熟能详的角色，这些角色的服装造型，也成为了儿童们模仿和热衷的对象。从迪士尼的经典动画人物，到科幻电影中的宇航员，孩子们渴望在现实生活中穿上这些角色的戏服，来满足他们对奇幻世界的向往。 儿童戏服的设计也变得更加精致和富有创意。制造商开始大量生产各种主题的儿童戏服，从超级英雄到公主，从历史人物到动物，种类繁多，应有尽有。这些戏服不仅在材质和工艺上有所提升，更在细节设计上力求还原角色的特点，让孩子们能够更生动地扮演自己喜欢的角色。学校的戏剧表演、万圣节的变装派对，都成为了儿童戏服展示和应用的绝佳场合。 第三章：个性表达与文化碰撞——二十世纪后半叶至今的儿童时尚与戏服的个性化与文化融合 进入二十世纪后半叶，全球化和信息化的浪潮席卷而来，儿童时尚与戏服的发展呈现出更加鲜明的个性化和文化融合的趋势。社会对儿童个体价值的肯定，使得儿童时尚不再是成人时尚的简单复制，而是更加注重展现儿童自身的个性和品味。 儿童时尚的设计理念更加多样化，设计师们开始从不同的文化、艺术风格中汲取灵感，为孩子们提供更多元化的选择。街头文化、嘻哈风格、运动休闲风等，都成为了儿童服装设计的重要元素。此外，环保理念也逐渐渗透到儿童服装的设计中，越来越多的品牌开始采用有机棉、再生材料等环保面料，强调可持续的时尚发展。 在戏服领域，除了经典的童话和动画角色，儿童戏服的设计也开始更加多元和具象化。例如，基于历史事件或职业体验的戏服，如医生、消防员、科学家等，旨在帮助孩子们在玩乐中了解社会，激发他们的职业兴趣。同时，随着全球文化的交流日益频繁，来自不同国家和地区的文化元素也开始融入到儿童戏服的设计中，例如和服、旗袍等传统服饰，也常常被改编成儿童戏服，让孩子们有机会接触和体验不同文化的魅力。 数字时代的到来，为儿童戏服的设计和传播带来了新的变化。网络购物平台使得儿童戏服的获取变得更加便捷，也催生了更多独立设计师和品牌。同时，虚拟现实、增强现实等技术的发展，也为儿童戏服的未来发展提供了无限可能，或许未来，孩子们可以通过数字技术，在虚拟世界中体验各种角色的扮演。 第四章：超越服饰的功能——儿童时尚与戏服的社会文化意义 本书的最后一章，将超越单纯的服装款式分析，深入探讨二十世纪儿童时尚与戏服的深层社会文化意义。本书认为，儿童的着装，无论是在日常生活中还是在扮演角色时，都不仅仅是蔽体之物，而是儿童身份认同、社会参与和文化传承的重要载体。 儿童时尚的发展，反映了社会对儿童角色和期望的变迁。从早期强调“乖巧懂事”的束缚，到如今鼓励“自由表达”的解放，儿童服装的演变，折射出社会观念的进步。同样，儿童戏服的流行，也揭示了孩子们对现实世界的模仿、对幻想世界的探索，以及他们渴望扮演不同角色的内在需求。 儿童戏服更是承载着文化传承的功能。通过扮演历史人物、神话角色，孩子们得以跨越时空，与历史对话，与传说共舞。这些戏服，不仅仅是简单的服装，更是孩子们理解世界、构建自我认知的重要工具。 《Children's Costumes (Twentieth-Century Developments in Fashion and Costume)》一书，旨在通过对二十世纪儿童时尚与戏服的细致梳理和深入分析，为读者呈现一幅生动而多维的时代画卷。它不仅仅是一本关于服装的书，更是一部关于儿童成长、社会变迁和文化演进的百科全书，带领读者一同回顾那些在奇幻面纱下，闪耀着时代印记的童年时光。

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我以一个历史系学生的角度来评价这本书，我关注的重点在于其史料的扎根深度和论述的逻辑自洽性。这本书远非一本轻松的读物，它要求读者具备一定的历史知识储备，才能充分领会作者对于特定政治经济事件如何直接影响到服装预算和面料采购的细致描绘。作者对于战时配给制度下“实用主义美学”的论述，清晰地展示了国家权力如何直接干预了个体的穿着选择，这比单纯描述服装款式要深刻得多。同时，书中对时尚批评理论的引入也令人耳目一新，它不仅描述了“穿了什么”，更探讨了“人们如何谈论”这些穿着，以及这种话语权是如何被建立和维护的。虽然全书的学术性很强，但在处理复杂议题时，作者总能通过生动的个案研究来平衡内容的密度，避免了纯粹的理论堆砌。总而言之，这是一部为严肃研究者准备的基石性作品，它重新定义了我们理解二十世纪服饰史的维度和深度。

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作为一名对二十世纪文化思潮颇有涉猎的业余爱好者，我原以为关于这个时期的服饰研究大多是陈词滥调，但在翻阅此书后，我发现自己错了。这本书的独特之处在于其跨学科的研究方法论。它不仅仅关注服装本身，而是将其置于更广阔的艺术史、电影研究乃至哲学语境下进行考察。作者对后现代主义思潮对时尚美学的影响进行了极其精妙的论证，比如解构主义对服装线条的颠覆，以及平面化设计趋势的出现，是如何与当代艺术中的波普艺术和极简主义遥相呼应。尤其令人印象深刻的是，书中对不同地域风格如何被全球化浪潮吸收和转化进行了细致的比较分析，而非仅仅将欧洲中心主义的视角强加于世。例如，对日本设计师如何将传统材质与极简结构相结合的分析，展现出一种尊重文化差异的成熟视角。这本书的行文风格非常冷静、客观，几乎带着一种人类学家的审慎态度，使得原本可能流于主观品鉴的领域，提升到了严肃的历史研究高度。

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这本书的装帧和图片选择可以说是无可挑剔，高质量的印刷使得那些跨越百年的设计细节得以清晰呈现，这对于研究视觉文化的人来说是巨大的福音。我尤其欣赏作者在探讨不同十年风格演变时，所采用的对照式分析方法。例如，将战前优雅与战后叛逆并置对比，或将摇摆伦敦的轻盈与迪斯科时代的华丽进行剖析，这种并置不仅增强了视觉冲击力，更深化了对时代精神理解的层次。它迫使读者去关注那些常常被主流叙事忽略的边缘化群体和亚文化着装现象——比如朋克运动、哥特审美是如何从地下走向T台，并最终被主流时尚工业所“驯服”和商品化的过程。作者对“风格的生命周期”这一概念的阐述非常透彻，揭示了时尚界如何依赖不断的自我颠覆来维持其经济活力。读完后，我对时尚的“短暂性”有了全新的认识，那并非偶然，而是一种精心策划的周期性更迭。

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这部关于二十世纪时尚与服饰发展的著作，无疑为我们打开了一扇深入了解时代变迁的窗口。作者以其深厚的学术功底，将服装设计从宏观的历史叙事与微观的社会文化现象中抽丝剥茧，清晰地勾勒出从维多利亚时代遗风中挣脱、迈向现代主义的曲折历程。书中对特定时期面料革新和剪裁哲学的探讨尤为精彩，比如战后“新风貌”（New Look）如何通过对战时实用主义的反动，重新确立了女性身体曲线的主导地位，其对 Dior 等关键设计师的分析，不仅仅停留在美学层面，更深入挖掘了经济复苏与性别角色重塑的复杂张力。读者可以清晰地看到，时尚不再仅仅是上层阶级的消遣，而是工业化、大众传媒和青年文化交织影响下的产物。特别是关于面料技术如何赋能设计师突破传统限制的部分，例如合成纤维的出现如何解放了廓形设计，以及色彩学理论如何被运用到成衣系列中，都展现出作者对技术与艺术融合的敏锐洞察。整本书的论述脉络严谨，引用的史料扎实可靠，读来令人信服，是一部值得反复研读的行业参考书。

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我必须承认，我对时尚史的了解一直停留在非常表层的阶段，主要依赖于博物馆展览和一些零散的纪录片。然而，这本书的叙事方式却有着令人惊讶的亲和力，它成功地将晦涩的学院派术语转化为引人入胜的故事。它不只是简单地罗列了哪些设计师做了什么衣服，而是着重探讨了“为什么”——为什么在某个特定的十年，裙摆会突然变短，为什么某些特定的元素（比如垫肩或者喇叭裤）会迅速席卷全球。书中的社会学视角非常突出，比如它如何解释了从20年代的“飞来波女郎”到60年代反主流文化的兴起，服装如何成为个体身份政治和社会阶层流动的隐形宣言。特别值得称赞的是，作者对时尚产业运作模式的剖析，从高级定制（Haute Couture）的衰落到成衣（Prêt-à-Porter）的崛起，清晰地揭示了资本、媒体和消费主义是如何重塑了时尚的生态系统。阅读过程中，我时不时会停下来思考，我们今天所认为的“潮流”，其根源究竟可以追溯到哪个历史拐点。这是一次由内而外的思想启迪。

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