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出版者:上海教育出版社

作者:俞先明

出品人:

页数:118 页

译者:

出版时间:1998年1月1日

价格:28.5

装帧:平装

isbn号码:9787532056286

丛书系列:

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• 吹奏乐
• 外国作品
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《全球奏响：西方古典吹奏名曲精粹》 引言 音乐，是人类情感最直接、最深刻的表达。而吹奏乐，以其独特的音色、丰富的表现力和磅礴的气势，在浩瀚的音乐星空中占据着举足轻重的地位。从巴洛克时期的庄重典雅，到浪漫时期的奔放热情，再到近现代的创新探索，西方古典吹奏音乐的演进史，犹如一部波澜壮阔的史诗，记录了作曲家们对生命、自然、情感的深刻洞察与不懈追求。 《全球奏响：西方古典吹奏名曲精粹》并非一部包罗万象的百科全书，它是一扇窗，引领您步入西方古典吹奏音乐的殿堂，领略那些跨越时空、历久弥新的杰作。本书精选了从巴洛克时期直至20世纪初，在西方音乐史上具有代表性和广泛影响力的吹奏作品，涵盖了不同体裁、不同风格，力求呈现吹奏乐发展的多元面貌。我们不仅仅是罗列作品，更致力于挖掘这些音乐背后的故事、作曲家的创作心境、以及作品在历史长河中的意义。 本书旨在为所有热爱音乐、对古典吹奏乐充满好奇的读者提供一次深入的探索之旅。无论您是初次接触古典音乐的门外汉，还是已对西方古典音乐有所了解的爱好者，亦或是正在学习吹奏乐的学子，本书都将是您理解和欣赏这些伟大作品的得力助手。我们将剥离枯燥的学术术语，用通俗易懂的语言，结合历史背景、创作手法和音乐赏析，让您能够真正地“听懂”音乐，感受音乐的魅力。 第一章：巴洛克时期——精致的韵律与庄严的序曲 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上的一个重要转折点，吹奏乐在这一时期开始显露其独立的艺术价值。作曲家们在对位技法、旋律线条和和声运用上进行了精妙的探索，作品往往展现出清晰的结构、精致的装饰和庄严的气氛。 亨德尔： 乔治·弗里德里希·亨德尔（George Frideric Handel）是巴洛克时期最伟大的作曲家之一，他的器乐作品同样不乏闪光之处。本书将重点探讨他的几部重要的管乐作品。例如，为纪念重要历史事件而创作的《皇家烟火音乐》（Music for the Royal Fireworks）。这首作品以其宏大的规模、辉煌的配器和激昂的旋律，完美地体现了巴洛克时期音乐的庄重与庆典感。它不仅仅是一部音乐作品，更是一次声势浩大的庆典宣言。我们将剖析其创作背景，分析其乐器编排的独特性，以及作品如何通过音乐语言描绘出盛大的庆典场面。除了《皇家烟火音乐》，我们还将关注亨德尔的另一类吹奏乐作品，例如他为乐队创作的协奏曲或奏鸣曲，这些作品通常展现出他细腻的旋律写作和对位技巧，为后来的管弦乐发展奠定了基础。 维瓦尔第： 安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi），这位“红色神父”，以其数量庞大的小提琴协奏曲闻名于世，但他同样创作了许多优秀的吹奏乐作品。我们将聚焦于他为不同管乐器创作的协奏曲，例如为长笛、双簧管或大管所作的协奏曲。这些作品往往充满了活力与激情，旋律线条清晰流畅，展现了巴洛克时期协奏曲式的典型特征。本书将分析维瓦尔第作品中对器乐技巧的运用，以及他如何通过音乐来描绘自然景象或表达人物情感。例如，他笔下充满活力的乐章，常常能让人联想到春日盎然的景象，或者激越的节奏，仿佛展现了生命的活力。 其他作曲家： 除了亨德尔和维瓦尔第，本书还会提及一些在巴洛克时期对吹奏乐发展做出贡献的其他作曲家，例如为铜管乐器创作的早期奏鸣曲的作曲家，以及一些为宫廷乐队创作的套曲的作曲家。这些作品虽然可能不如前两位那样家喻户晓，但它们共同构建了巴洛克时期吹奏乐的丰富图景。我们将简要介绍他们的风格特点，并选取一两首代表性的作品进行赏析，以展现巴洛克时期吹奏乐的多样性。 第二章：古典时期——均衡的典雅与清晰的逻辑 古典时期（约1750-1820年）是西方音乐史上一个追求平衡、清晰和理性的时代。在这一时期，奏鸣曲式结构逐渐完善，交响乐成为重要的音乐体裁。吹奏乐在这一时期也获得了进一步的发展，作曲家们更注重旋律的清晰性、和声的逻辑性以及结构的均衡性。 莫扎特： 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）是古典主义时期的集大成者，他的吹奏乐作品同样堪称经典。我们将重点分析他的几部重要的吹奏乐协奏曲，特别是为长笛、双簧管、单簧管和圆号等乐器创作的协奏曲。莫扎特的作品以其优雅的旋律、精巧的结构和深刻的情感表达而著称。例如，为单簧管创作的《A大调单簧管协奏曲，K. 622》被誉为单簧管文献中的瑰宝，其如歌的旋律、精湛的技巧和深沉的情感，即使在今天依然能打动无数听众。本书将深入剖析其乐章的结构，分析莫扎特如何赋予单簧管这一乐器如此丰富的情感层次。此外，我们还会探讨他为其他吹奏乐器创作的协奏曲，例如他为长笛和竖琴创作的协奏曲，以及为双簧管和长笛创作的交响协奏曲，这些作品都充分展现了莫扎特对不同乐器特性及其表现力的深刻理解。 海顿： 弗朗茨·约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn），被誉为“交响乐之父”，他的音乐以其乐观、幽默和深刻的洞察力而闻名。虽然海顿的器乐作品以交响曲和弦乐四重奏为主，但他也为管乐器创作了一些重要的作品，例如为管乐合奏而创作的《小夜曲》以及一些早期为乐队创作的作品。本书将介绍海顿在管乐合奏音乐方面的贡献，分析他如何利用吹奏乐器来创造出明快、活泼的音乐氛围。例如，他的一些为乐队创作的作品，尽管篇幅可能不如他的交响曲，但却同样蕴含了他标志性的音乐风格，即清晰的旋律、巧妙的配器和充满活力的节奏。 其他作曲家： 在古典时期，一些作曲家也创作了大量的为乐队或室内乐形式的吹奏乐作品，例如为风俗音乐、庆典音乐或歌剧序曲所创作的管乐部分。本书将简要介绍这些作品的特点，以及它们在古典时期音乐发展中的作用。例如，一些作曲家为军队乐队创作的进行曲或庄严音乐，也展现了吹奏乐在实用音乐领域的重要地位。 第三章：浪漫时期——奔放的热情与色彩斑斓的音响 浪漫时期（约1820-1910年）是西方音乐史上一个强调情感表达、个性解放和丰富想象力的时代。在这一时期，管弦乐队规模扩大，吹奏乐器的音域、音量和表现力都得到了极大的拓展，作曲家们得以创作出更加宏大、热情和充满戏剧性的作品。 勃拉姆斯： 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）是浪漫主义后期一位承前启后的伟大作曲家。虽然他的器乐作品以交响曲、钢琴曲和室内乐为主，但他为铜管乐器创作的《四首严肃的歌曲》中的一部分，以及他的一些室内乐作品中，都巧妙地运用了吹奏乐器。本书将重点探讨勃拉姆斯在作品中对铜管乐器的运用，分析他如何通过铜管乐器的音色来烘托庄严、深沉或辉煌的氛围。例如，他的《第四交响曲》的末乐章，就对铜管乐器有着精彩的运用，营造出一种悲壮而又辉煌的气势。此外，我们还会关注他的一些为室内乐创作的作品，其中对圆号、单簧管等乐器的运用，充分展现了他对乐器音色的敏感和对音乐细节的把握。 德沃夏克： 安东宁·德沃夏克（Antonín Dvořák），这位捷克民族乐派的代表人物，以其充满斯拉夫民族风情的音乐而闻名。他的作品中，尤其是他的《第九交响曲“自新大陆”》和《斯拉夫舞曲》等，都对吹奏乐器有着精彩的运用，营造出独特的色彩和情感。本书将深入分析德沃夏克作品中对铜管乐器和木管乐器的运用，探讨他如何将民族音乐元素融入西方古典音乐之中，创造出既有民族特色又具有普遍感染力的作品。例如，他的《第九交响曲》中的第二乐章，通过对长笛和圆号的巧妙运用，营造出一种思乡的忧郁情怀，而其第三乐章则充满了鲜明的民族节奏和欢快的旋律。 瓦格纳： 理查德·瓦格纳（Richard Wagner）是浪漫主义时期歌剧的革新者，他的音乐以其宏大的规模、复杂的情感和创新的和声而著称。在他的许多歌剧中，铜管乐器扮演着至关重要的角色，它们不仅承担着烘托戏剧气氛的功能，更是塑造人物性格和推动情节发展的关键。本书将重点分析瓦格纳在歌剧以及他的一些管弦乐作品中对铜管乐器的创新运用，例如他对低音号、长号家族的运用，以及他对这些乐器音色的极致探索。例如，他的《尼伯龙根的指环》系列歌剧，是铜管乐器辉煌表现的典范，书中将剖析其中一些经典的铜管乐段落，展现瓦格纳如何利用铜管乐器营造出神话般的史诗氛围。 其他作曲家： 浪漫时期涌现出大量为吹奏乐器创作的杰出作品，例如为乐队创作的序曲、舞曲，以及一些室内乐作品。本书将挑选几位其他具有代表性的作曲家，例如威尔第、比才等，分析他们在歌剧或管弦乐作品中对吹奏乐器的出色运用，展现浪漫时期吹奏乐的丰富多彩和澎湃激情。 第四章：20世纪初——探索与革新 进入20世纪，音乐的发展进入了一个多元化、探索性更强的阶段。作曲家们在和声、节奏、结构以及乐器音色上都进行了大胆的尝试和革新，吹奏乐器也因此获得了新的表现可能性。 斯特拉文斯基： 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）是20世纪最具影响力的作曲家之一，他的早期作品，如《春之祭》，对后世音乐产生了深远影响。本书将重点关注斯特拉文斯基为乐队创作的作品中对吹奏乐器的运用，分析他如何运用不协和音程、复杂的节奏和鲜明的音色来创造出原始、野性的音乐力量。例如，《春之祭》中对木管乐器的创新运用，例如其开篇的长笛高音，就极具开创性，为后来的作曲家打开了新的思路。 德彪西： 克劳德·德彪西（Claude Debussy）是印象派音乐的代表人物，他以其对色彩、氛围和微妙情感的捕捉而闻名。在德彪西的作品中，吹奏乐器常常被用来营造朦胧、梦幻般的音响效果。本书将分析德彪西如何运用木管乐器，特别是长笛、双簧管和竖琴，来描绘自然景象、捕捉转瞬即逝的情感，以及营造出独特的音乐氛围。例如，他的《牧神午后前奏曲》中对长笛的运用，就充满了诗意和想象力，仿佛将听众带入了一个充满神秘色彩的古代神话世界。 其他作曲家： 20世纪初，许多作曲家都对吹奏乐器进行了深入的探索。本书还将简要介绍一些其他作曲家的代表性作品，例如拉威尔、霍尔斯特等，分析他们作品中吹奏乐器的创新之处，以及这些创新如何推动了吹奏乐的发展。例如，霍尔斯特的《行星组曲》中，各个乐章对不同乐器的运用，都展现了作曲家对乐器音色的独到理解和运用能力。 结语 《全球奏响：西方古典吹奏名曲精粹》是一次对西方古典吹奏音乐宝库的致敬与探索。本书所呈现的，只是其中璀璨的一隅，但我们希望通过这些精选的作品、深入的解读，能够激发您对更广阔音乐世界的兴趣。音乐的魅力在于它的无限可能，而吹奏乐，以其多样的音色、丰富的表现力和跨越时空的生命力，永远是值得我们去聆听、去感受、去珍藏的宝贵财富。愿本书能成为您探索这段美妙音乐旅程中的一盏明灯，陪伴您一同感受那些穿越时空的旋律，体验音乐带来的无限感动。

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我一直以来对十九世纪中后期欧洲大陆的管弦乐队编制革新抱有浓厚的兴趣，这本书的装帧风格和给人的历史厚重感，让我猜测其中收录的作品可能正处于那个音乐风格剧烈变革的时期。我观察到书页边缘的裁切非常平整，这在很大程度上保证了阅读的舒适性，不会有纸张毛边扎手的感觉。在内容层面，我更倾向于那些带有作曲家亲笔批注复印件或者详细的演奏实践说明的章节。对于一个业余演奏者而言，理解作品创作时的环境背景和乐器限制，比单纯练习音符更重要。这本书的排版看起来非常紧凑，没有过多留白，显示出出版方尽可能多地将有价值信息浓缩进去的意图。光是看着这些密密麻麻的五线谱和德文或法文的引言摘要，我就能想象背后蕴含着多少年的研究心血，希望它能提供一些关于早期铜管乐器或木管乐器特殊技法的第一手资料。

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这本书的目录部分布局非常清晰，虽然我还没有深入到具体曲目，但从标题的排列方式就能感受到编者的严谨态度。我个人对那些带有“未发表手稿”或“早期修订版”标注的文献特别感兴趣，希望这本书能收录一些罕见或者不常被主流乐团演奏的作品。我翻阅了扉页和版权页，发现它似乎汇集了几个不同时期、不同地域的乐谱版本，这对于研究作品的流传和诠释演变来说，具有极高的学术价值。我特别留意了一下注释部分是如何呈现的，如果能有详尽的指法、呼吸标记的考证，那就太棒了。从目前的初步印象来看，这本书的“体量”非常可观，厚厚的书脊预示着内容上的丰富性，这让人在阅读时充满了探寻的动力。它给我的感觉不是简单地“收录”，而是“整理”和“考证”，这种深度的编纂工作，正是吸引我这样对音乐史细节执着的人的关键所在。

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这本书的封面设计得相当典雅，深沉的蓝色调配上烫金的标题，初见便给人一种庄重而深邃的感觉。我是在一个偶然的机会在旧书店里发现它的，当时就被这种复古的质感所吸引。拿到手里，纸张的触感非常厚实，油墨印刷清晰，看得出装帧上的用心。虽然我主要关注的是室内乐和早期音乐文献，但被这本书的排版和用料所打动，忍不住还是买了下来。它的装帧工艺，尤其是边角的处理，非常精细，即便是平装本，也显得质感十足，不像现在很多廉价印刷品那样松垮。我希望能从这本书的字体选择和章节划分中，窥见出版方对于经典作品的敬意与理解。它散发出的那种旧书特有的、混合着纸张纤维和淡淡霉味的香气，是任何电子书都无法替代的，每次翻开它，都像是在进行一次安静的、与历史的对话。我期待着深入研究其中关于乐谱校订和版本差异的细节，哪怕只是对印刷质量的观察，也足够令人沉醉了。

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这本书的封面设计虽然保守，却透露着一种对传统严肃音乐的尊重，它没有使用时下流行的花哨插图，而是选择了最经典、最能体现“学术”气质的字体和配色方案。这本书给我带来了一种非常“可靠”的感觉，就好像里面的每一个音符都经过了反复的核对和确认。我通常习惯于用不同颜色的荧光笔在书上做标记，而这本书的纸张似乎非常适合这种操作，既不会洇墨，也不会留下太深的印痕。我特别关注那些可能是首次以现代标准字体排印的文献，因为这往往意味着校对者在解读古老手稿时付出的巨大努力。这本书的整体气场非常强，它不像是一本用于快速参考的工具书，更像是一份需要被认真对待、细细品读的音乐档案，光是将其放在书架上，就感觉整个阅读空间都增添了一份文化厚度。

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这本书拿在手里，有一种沉甸甸的踏实感，仿佛握住了几代音乐家智慧的结晶。我对这种精装版的“作品集”的编目逻辑非常好奇，它们往往不是按时间顺序排列，而是根据某种特定的音乐主题或地域特色进行组织的。我期待其中能包含一些鲜为人知的室内交响乐或为特定宫廷活动创作的独奏曲。虽然我主要从事的是理论研究，但对那些能够揭示特定时期作曲家创作习惯的“原始”乐谱材料，有着不可抗拒的吸引力。从侧面来看，这本书的装订线似乎处理得相当专业，即使经常翻阅到中间页，也不易损坏书脊，这对于需要经常查阅的工具书来说，是至关重要的优点。我希望能从中找到一些关于特定调性或乐器使用习惯的细微差异的记载，那些小小的脚注，往往藏着巨大的信息量。

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