歌舞伎の愉しみ方 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:岩波書店

作者:山川静夫

出品人:

页数:202

译者:

出版时间:2008/11

价格:735円

装帧:

isbn号码:9784004311621

丛书系列:岩波新書

图书标签:

• 歌舞伎
• 日本文化
• 传统艺术
• 戏剧
• 表演艺术
• 文化史
• 艺术鉴赏
• 舞台艺术
• 日本艺术
• 歌舞伎鉴赏

浅谈日本戏剧的魅影——以浮世绘的视角探寻歌舞伎的韵味 日本的传统艺术，宛如一条蜿蜒流淌的长河，承载着千年的文化积淀与时代变迁。在这条长河中，歌舞伎以其独特的魅力，如同璀璨的明珠，闪耀着不朽的光芒。它不仅仅是一种表演艺术，更是江户时代社会风貌、民众生活、乃至审美情趣的生动写照。而要深入理解歌舞伎的精髓，不妨借由另一门同源于江户时代的视觉艺术——浮世绘，来一同探索其迷人的世界。 浮世绘，顾名思义，便是描绘“浮世”，即尘世间种种景象的绘画。它诞生于百姓阶层崛起、庶民文化蓬勃发展的江户时代，以其细腻的笔触、鲜艳的色彩，真实而生动地记录了当时人们的生活百态，其中，歌舞伎的演出场景、艺人形象，自然成为了浮世绘创作的重要题材。通过这些泛黄的纸页，我们得以窥见那个时代歌舞伎的辉煌，感受其跨越时空的艺术张力。 一、 舞台之外的风景：歌舞伎艺人的肖像与时代精神 浮世绘艺术家们以敏锐的观察力和高超的技艺，将活跃在舞台上的歌舞伎艺人定格在画面之中。这些画作，远不止是简单的肖像描绘，它们更像是一扇窗口，让我们得以窥视艺人背后的生活，以及他们所代表的时代精神。 著名的歌川派艺术家，如歌川国贞、歌川豊国等，他们笔下的歌舞伎艺人，姿态各异，神情生动。或是夸张的造型，彰显着角色的性格；或是细腻的表情，传递着人物内心的情感。我们可以看到，演员们身着华丽的戏服，头戴精致的假发，脸上的妆容（红や白、黒の隈取）更是充满了象征意义，不同颜色和形状的隈取，代表着角色的善恶、忠奸，或是其超凡的能力。这些妆容本身就是一种视觉语言，诉说着角色的身份和命运。 在这些浮世绘中，歌舞伎艺人被描绘成一种具有高度社会影响力的明星。他们的名字被印在海报上，他们的形象被制作成版画在市井中流传。这反映了江户时代民众对歌舞伎的狂热追捧，以及歌舞伎在当时社会文化中的重要地位。艺人不仅是表演者，更是时尚的引领者、话题的制造者，甚至在某种程度上，是民众情感的寄托。 例如，许多描绘“役者绘”（役者絵，即歌舞伎演员的画作）的浮世绘，都将艺人置于戏剧性的场景之中，或是他们所扮演的某个经典角色。通过这些画面，我们不仅能欣赏到艺人精湛的演技，更能体会到歌舞伎表演中那份强烈的戏剧冲突和情感张力。那些夸张的肢体语言、戏剧性的眼神交流，在浮世绘的静态画面中被巧妙地捕捉和放大，使得即使没有亲身经历，也能感受到舞台上的那份震撼。 更进一步，这些浮世绘也折射出江户时代市民阶层的审美趣味。他们追求新鲜、刺激、绚丽的视觉体验，歌舞伎的华美表演、浮世绘的鲜艳色彩，恰好满足了他们的这种需求。这些作品，是那个时代最受欢迎的文化产品，是连接艺术与生活的最佳载体。 二、 舞台的幻象与现实：歌舞伎的剧目与浮世绘的叙事 歌舞伎的魅力，离不开其丰富多样的剧目。从历史传说、武士故事，到日常生活的片段、男女情爱的纠葛，歌舞伎的舞台上演绎着人生的百态。而浮世绘，则以其独特的叙事方式，将这些剧目中的精彩瞬间，以视觉化的语言呈现出来。 “浄瑠璃”（じょうるり）与“歌舞伎”在内容上有着千丝万缕的联系。许多歌舞伎剧目都改编自浄瑠璃的故事情节，而浮世绘则常常取材于这些经典的浄瑠璃故事。例如，著名的“忠臣蔵”（ちゅうしんぐら）的故事，就曾被无数次地搬上歌舞伎舞台，也留下了大量以该故事为题材的浮世绘作品。这些作品，往往挑选了故事中最具戏剧性、最能引起观众共鸣的场景，如雪夜复仇、剖腹谢罪等，用浓墨重彩的笔触，将悲壮的情感瞬间定格。 同时，浮世绘也为我们展现了歌舞伎剧目中一些极具标志性的场景和服装。那些“見得”（みえ，即演员在表演高潮时摆出的定格姿势）的画面，充满了视觉冲击力；那些华丽的服装，如同流动的色彩，展现了人物的身份和性格。例如，描绘“義経千本桜”（よしつねせんぼんざくら）的浮世绘，就可能呈现出静御前在雪中起舞的凄美场景，或是源义经与弁慶（べんけい）在屋岛（やしま）大战的壮烈画面。 浮世绘的构图方式，也与歌舞伎的舞台表演有着异曲同工之妙。它们常常采用“引き”（ひき，即远景）、“寄り”（より，即近景）的结合，或是“見得”式的夸张构图，来增强画面的戏剧性和表现力。有时候，浮世绘还会运用“見送り”（みおくり，即舞台幕布拉开时，演员从舞台侧面退场）的视角，将观众的目光引向舞台的某个焦点。 此外，浮世绘也记录了歌舞伎表演的各个方面，例如，描绘“見世物小屋”（みせものごや，即早期歌舞伎的表演场所），或是描绘观众观看演出的场景。这些画面，让我们得以了解歌舞伎演出的具体环境，以及当时观众的观赏方式，也从侧面反映了歌舞伎作为一种大众娱乐的普及程度。 三、 色彩的交响与线条的律动：歌舞伎的视觉美学在浮世绘中的传承 歌舞伎的视觉美学，以其大胆的色彩运用、独特的线条勾勒，营造出强烈的舞台感染力。而浮世绘，正是将这种视觉美学，以平面化的方式，淋漓尽致地呈现出来。 歌舞伎的服装，色彩鲜艳、图案繁复，常常带有象征意义。而浮世绘艺术家们，则用矿物颜料和植物颜料，将这些色彩以最鲜活的方式呈现在纸上。红色的激情、蓝色的忧郁、绿色的生机，都被赋予了生命。它们不仅仅是简单的色彩填充，而是与人物的性格、故事情节紧密相连，共同构建出画面的情绪氛围。 歌舞伎的舞台表演，充满了程式化的动作和夸张的表演技巧。这些技巧，通过浮世绘的线条，得到了完美的再现。那些流畅的曲线，描绘出人物优美的身段；那些刚劲的直线，展现了角色的力量和决心。无论是人物的轮廓、服装的褶皱，还是道具的细节，都通过精准的线条，被赋予了生命力和动感。 歌舞伎中的“見得”姿势，是表演的高潮，也是视觉的焦点。浮世绘艺术家们，通过对这些姿势的捕捉，将瞬间的动态凝固成永恒的画面。演员们扭曲的身体、伸展的手臂、锐利的眼神，都通过强烈的视觉语言，传递出角色的强烈情感和戏剧张力。 值得一提的是，浮世绘中的“大首絵”（おおくびえ，即只描绘人物头部的大幅肖像）也是一种重要的艺术形式。这类作品，往往将歌舞伎演员的面部表情和标志性妆容，以近乎特写的形式呈现，极大地增强了画面的视觉冲击力。通过这些大首绘，观众可以近距离地欣赏到歌舞伎艺人的风采，感受他们独特的魅力。 四、 结语：浮世绘之眼，窥见歌舞伎的永恒魅力 从歌舞伎的舞台，到浮世绘的画卷，我们得以窥见的是一个充满活力、色彩斑斓的日本江户时代。浮世绘，作为歌舞伎的忠实记录者和忠实传承者，以其独特的视觉语言，将歌舞伎的魅力，跨越了时间和空间的界限，传递给后世。 通过欣赏这些浮世绘作品，我们不仅能了解到歌舞伎的表演形式、剧目内容、艺人风采，更能体会到那个时代日本人民的生活方式、审美情趣，以及他们对于艺术的热爱。这些画作，是历史的见证，是文化的瑰宝，更是我们理解歌舞伎，乃至整个日本传统艺术的窗口。 歌舞伎的愉悦，不仅仅在于舞台上的瞬息万变，更在于它所承载的文化底蕴与时代精神。而浮世绘，则为我们提供了一种独特的视角，让我们能够以更深沉、更细腻的方式，去感受那份穿越时空的艺术之美。它让我们明白，艺术的生命力，往往在于它与时代、与人民的紧密联系，在于它能够触动人心最深处的共鸣。

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这本关于歌舞伎的书简直是打开了一扇通往江户时代美学殿堂的窗户，读完之后，我对这个传统艺术的理解和欣赏达到了一个新的境界。作者的笔触细腻而充满热情，仿佛能让人闻到舞台上那浓郁的油彩味，听到三味线那扣人心弦的拨弦声。尤其是书中对“见得”（mie）这一标志性瞬间的解析，简直是匠心独运。不同流派、不同角色的“见得”所蕴含的情感张力和瞬间定格的美感，被作者用文字生动地勾勒出来，让人读到酣畅淋漓。我过去看歌舞伎总觉得有些晦涩难懂，很多程式化的动作和夸张的表情难以捉摸其深意，但这本书系统地梳理了这些表演符号背后的文化逻辑和情感密码，让我豁然开朗。它不只是在介绍歌舞伎的历史脉络，更是在引导读者如何“看”歌舞伎，如何从服装的褶皱、脸谱的晕染中解读出人物的内心世界。对于初学者来说，它提供了坚实的入门基础；对于有一定基础的爱好者而言，它则是一份深入挖掘表演艺术精髓的绝佳指南。阅读过程中，我甚至忍不住拿起手机查阅了书中提到的经典剧目片段，文字与影像的结合，让那种震撼感加倍放大。

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最让我感到惊喜的是，作者在谈论“性别的流动性与扮演”时，展现出了极高的洞察力和现代视角。歌舞伎的“女形”（onnagata）艺术，是这本书中一个浓墨重彩但处理得极其微妙的部分。作者清晰地阐述了，女形并非简单地模仿女性，而是在男性身体上构建和提炼出一种超越现实的、理想化的“女性美学典范”。书中引用了许多不同时代著名女形艺术家的访谈和心得，探讨他们是如何通过对步态、眼神和持扇方式的极致训练，来达到“非女而胜似女”的境界。这种对角色扮演本质的探讨，触及了表演艺术的核心——如何通过技巧超越肉体限制，创造出纯粹的艺术意象。这种对艺术家的专注描摹，使得这本书读起来充满了人性的温度和对技艺的深深致敬，而非冰冷的学术研究报告。它让我对“男性扮演女性”这一独特的艺术传统，有了更加尊重和理解的目光。

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我买这本书主要是冲着它对“妆容与服装的象征意义”那部分去的，事实证明我的选择非常正确。作者在这方面的讲解可谓是教科书级别的详尽。比如，介绍“隈取”（kumadori）时，并非简单地罗列红、蓝、黑线的含义，而是追溯到这些色彩的起源，探讨它们如何在不同时代被赋予特定的戏剧功能——红色代表正义和力量，蓝色则象征邪恶或嫉妒，但更深层的还有介于两者之间的复杂情感。服装方面，更是大有学问，从宽大的引裾（hikizuri）到层叠的打挂（uchikake），每一件服饰的重量、材质和色彩搭配，都被精确地关联到角色的身份地位和心理状态。我记得有一段描述了武士角色在舞台上脱下外层服饰，露出内衬的动作，这不仅仅是换装，而是情感爆发的前奏，作者精准地捕捉了这种“剥离”的戏剧张力。这本书让我意识到，歌舞伎的舞台美学，是一个高度符号化、信息量极大的视觉系统，每一个细节都在讲述故事，绝非仅仅是华丽的堆砌。

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简直不敢相信，这本书在处理歌舞伎的音乐和唱腔部分时，其专业程度令人咋舌。我一直以为，非专业人士很难将那些高亢激昂的唱腔和伴奏的微妙变化用文字清晰地传达出来，但这本书做到了。它详细拆解了长呗、常磐津等不同伴奏流派的特点，比如常磐津那种略带叙事性和低沉的韵味，以及清元腔的婉转细腻，都有对应的文字描述来辅助读者想象。更绝的是，作者巧妙地引入了现代录音技术和历史录音的对比，讨论了随着时代变迁，歌舞伎演唱风格的一些细微演变。这使得这本书不仅具有历史厚度，更有对当代舞台实践的关照。我特别欣赏它没有流于简单的介绍，而是深入到了“声学美学”的层面，探讨了剧场空间对声音传播的影响，以及演员如何利用嗓音的穿透力去驾驭偌大的舞台。读完这一部分，我再去听那些著名的唱段时，耳朵仿佛被重新校准了一般，能捕捉到更多以前忽略的层次感，体会到“音韵之美”如何与角色的命运交织在一起。

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这本书的结构安排非常人性化，它没有采用传统的“历史—角色—剧目”的线性叙事，而是更偏向于一种“体验式导览”，这一点我非常欣赏。它似乎是假设读者已经坐在了剧场里，然后循序渐进地引导你认识你所处的环境。比如，它会先解释剧场的布局，从“花道”（hanamichi）的仪式性通道作用，到“绕座”（mawari-butai）的旋转舞台技术，再到灯光的运用哲学，这些技术层面的解读，极大地增强了我在剧场观看时的代入感和理解力。它甚至有一章专门讨论了歌舞伎观众的行为规范和历史演变，这让一个外国观众在去剧场时能更加从容自信。读完后，我不再是单纯地欣赏演员的表演，而是开始对整个舞台装置、幕后团队的协作效率产生一种敬畏感。这种“全景式”的介绍，将艺术的各个维度缝合得天衣无缝，展现了歌舞伎作为一种综合艺术形式的强大生命力。

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