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出版者:Stock

作者:Gerard Legrand

出品人:

页数:375

译者:

出版时间:1979

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9782234011038

丛书系列:

图书标签:

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《 Cinemanie 》：一部深入探索电影艺术的著作，它并非记录某一部具体的电影，而是将目光投向电影本身，如同一个细致入微的电影解剖师，剖析其构成元素、叙事手法、视觉语言以及对观众心理产生的深远影响。这本书将带领读者踏上一段非凡的旅程，去理解那些在银幕上闪耀的光影背后，隐藏着怎样的匠心与智慧。 本书的开篇，便是一场关于电影语言的盛宴。作者并非简单地罗列镜头运动、景别变化、构图原则等技术术语，而是将其置于一个更广阔的艺术语境中进行解读。例如，当讨论到“近景”时，书中不会止步于“放大主体面部”的定义，而是会深入探究，在特定的叙事场景下，一个精心设计的近景如何能够传递人物内心的细微波澜，如何在短短几秒钟内引发观众的共鸣，甚至是恐惧或爱恋。同样，对于“蒙太奇”的阐述，也不会局限于“片段剪辑”的层面，而是会追溯其历史发展，分析不同蒙太奇风格（如爱森斯坦的辩证蒙太奇、希区柯克的悬念蒙太奇）如何塑造了电影的节奏与情感张力，如何潜移默化地引导着观众的思维。 叙事是电影的骨架，而《 Cinemanie 》则以多维度的视角审视了电影叙事的精妙之处。书中不会以时间线索为主轴，而是会深入剖析那些能够打破线性叙事常规的技巧。例如，关于“倒叙”的章节，会探讨它如何在揭示人物过去的同时，为当下的人物行为增添深度与复杂性，如何制造出意想不到的戏剧性反转。而对于“非线性叙事”的探讨，则会展示电影如何通过多条时间线索的交织、片段的打乱重组，来模拟人类记忆的 fragmented nature，从而营造出一种更具哲学意味或心理现实感的观影体验。此外，本书还会关注“留白”与“暗示”的力量，分析导演如何通过省略关键信息、使用象征性意象，将叙事的主动权部分交还给观众，激发他们的想象力，促使他们成为意义的共同创造者。 视觉语言是电影的灵魂，《 Cinemanie 》将在此领域进行一番细致的描绘。《 Cinemanie 》会详细探讨色彩的象征意义，例如，红色不仅仅是激情或危险的符号，在不同的文化语境和特定的电影风格中，它可能代表着历史的伤痕，也可能是失落的童年。光影的运用同样是书中重点关注的对象，作者会分析“明暗对比”如何在人物的内心挣扎中扮演重要角色，高对比度的光线如何制造出紧张、神秘的氛围，而柔和的光线又如何烘托出温暖、怀旧的情感。构图的艺术在此书中也将被重新审视，书中会解析“黄金分割”、“三分法”等经典构图原则在电影中的实际应用，以及它们如何引导观众的视线，突出画面的重点，甚至无声地传递叙事信息。 《 Cinemanie 》的另一大亮点在于其对电影如何触及观众内心深处的深入分析。书中会探讨电影中的“角色投射”现象，分析观众如何将自己的情感、经历甚至潜意识中的愿望投射到屏幕上的角色身上，从而产生强烈的代入感。对于“情感共鸣”的机制，《 Cinemanie 》会从心理学的角度进行解读，阐述电影如何通过精心设计的场景、音乐和表演，有效地唤起观众的悲伤、喜悦、愤怒或恐惧等情绪。本书还会关注电影对社会议题的反映与塑造，分析电影如何成为一面镜子，映照出时代的变迁、社会的矛盾，同时又如何通过其强大的感染力，引发公众对某些问题的思考，甚至改变人们的观念。 贯穿全书的，是一种对电影作为一种独特艺术形式的尊重与赞美。《 Cinemanie 》并非一本枯燥的学术著作，而是充满着对电影的热爱与激情。书中会引用大量的经典电影片段作为例证，但这些引用并非为了评判某一部电影的好坏，而是为了说明某个艺术手法、叙事策略或情感表达方式在电影史上的重要性和影响力。作者的笔触细腻而富有洞察力，能够将复杂的电影理论转化为清晰易懂的语言，让每一个热爱电影的读者都能从中获得启发。 总而言之，《 Cinemanie 》是一次关于电影的深度对话，它邀请读者放下被动的观影姿态，化身为一个主动的、充满好奇心的探索者。通过这本书，你将不再仅仅是观看电影，而是开始“理解”电影，欣赏电影中每一个精妙的细节，感受它在你内心激起的涟漪，最终，你将以一种全新的视角，去品味那流淌在银幕上的光影故事。

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我尝试着去理解作者在探讨的那些关于“视觉语言的极限”的议题，但坦白说，我的知识储备可能还停留在入门阶段。这本书的讨论深度明显超出了我的理解能力范围，它似乎是写给那些已经浸淫电影理论多年、对影像史了如指掌的读者群体的。书中多次引用的理论模型，我需要花费额外的时间去查阅才能勉强知道它指的是哪个学派或哪位大师的观点。这种阅读体验是高度碎片化的，我读一个段落，需要中断下来查阅三个背景知识，这极大地破坏了阅读的流畅性。我能感受到作者对电影艺术怀有极大的热情，但这份热情似乎只在特定的专业圈子内才能得到共鸣。对于渴望获得一种轻松愉悦的、充满启发的阅读体验的普通影迷来说，这本书的门槛太高了，高到让人望而却步，最终只能感叹自己的“学识不逮”，然后将其束之高阁，偶尔在朋友来访时炫耀一下自己拥有这样一本“硬核”的读物。

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这部书的篇幅实在令人望而却步，厚度堪比砖头，我得承认，我只是翻阅了其中几个章节，实在没有勇气一口气读完。它似乎汇集了某个特定时期，某个特定地域的影像文化现象，文字密度极大，充满了各种晦涩难懂的专业术语和理论框架，读起来就像是在啃一块未经处理的矿石，需要极大的耐心和背景知识储备才能勉强跟上作者的思路。我试图从那些长长的句子中捕捉到一丝轻松愉快的观影体验，但很遗憾，更多的感受是沉重的学术压力。作者似乎对某个子领域的历史脉络了如指掌，每一个论点都堆砌了大量的文献引用和案例分析，但对于一个仅仅想了解“好看的电影有哪些”的普通读者来说，这简直是一场折磨。我能想象，对于电影研究领域的学者而言，这或许是一部里程碑式的著作，但对我而言，它更像是一份需要被严肃对待的参考资料，而非一本可以放松享受的读物。我更倾向于那些叙事流畅、观点鲜明的作品，这本书的结构过于松散，像是不同时间段笔记的堆砌，缺乏一个清晰易懂的主线贯穿始终，让人很难形成一个连贯的印象。

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这本书的装帧设计和排版着实让人眼前一亮，看得出来出版方在视觉呈现上是下了大功夫的。内页的纸张质感非常棒，而且似乎采用了某种特殊的印刷工艺，使得那些黑白剧照的对比度格外清晰锐利。然而，优秀的外观之下，内容却给我一种强烈的“空洞感”。我感觉作者似乎很努力地想说些什么，但最终什么都没真正抓住。它更像是一本精美的影集，配上了一些故作高深的文字说明，这些文字的逻辑性非常薄弱，常常用华丽的辞藻堆砌出一些似是而非的结论。比如，书中对某部经典影片的分析，仅仅停留在对场景镜头的简单罗列和主观情绪的抒发，缺乏深入挖掘的人物动机或时代背景的支撑。我买了它，主要是冲着那个诱人的封面和作者的名气去的，但阅读体验远低于预期。它更适合被放在咖啡桌上，偶尔翻阅几页以显示自己的“品味”，而不是被认真地阅读和消化。

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如果把这本书比作一顿大餐，那它无疑是一道过于复杂的前菜，堆满了各种陌生的香料，主菜却迟迟不见踪影。我购买它的初衷是想找寻一些关于如何更好地欣赏电影叙事技巧的指南。这本书确实触及了叙事，但它似乎更热衷于探讨“叙事是如何失败的”，而不是“叙事是如何成功的”。全书充满了对电影制作过程中各种妥协和缺陷的批判，听起来非常写实，也很有力量，但这种持续的负面情绪让人感到压抑。作者的语言风格非常口语化，充满了大量的感叹词和自我辩解，这使得原本严肃的话题显得有些轻浮和不专业。我试图从中汲取一些可以用于指导我自身观影习惯的准则，但那些建议过于零散，彼此之间缺乏内在的联系。读完之后，我感觉自己对电影的了解似乎更多地停留在“哪里不好”的层面，而不是“哪里可以更好”的层面，这并不是我想要获得的收获。

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说实话，我读这本书的时候，感觉像是被拖进了一场漫长且略显冗余的辩论现场。作者的论证方式非常激进，仿佛一切既有的观点都需要被推翻重构。他似乎对某种主流的电影批评范式抱有强烈的抵触情绪，并试图用一种极其个人化、近乎哲学思辨的方式来解构我们习以为常的观影乐趣。我尤其对其中关于“光影的本体论意义”那几章感到困惑，那里充斥着大量的抽象概念，让人抓不住重点。我花了很大的力气去尝试理解他试图建立的那个全新的分析体系，但最终还是感觉像是雾里看花，抓不到实质性的东西。这本书的行文风格非常跳跃，从对某个古老流派的致敬，瞬间又转到对最新数字技术的批判，这种跨度之大，让我的思维疲于奔命。我期待的更多是一种对电影艺术的赞颂或者至少是中肯的评价，而不是这种近乎解剖学式的、冷峻到近乎刻薄的分析。读完之后，我反而对一些电影产生了新的疑虑，而不是获得了更深的理解或更坚定的喜爱。

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