计算机音乐与作曲基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:242

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出版时间:2009-2

价格:29.00元

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isbn号码:9787302192206

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深入探索数字音频的无限可能：现代音乐制作与声音设计技术精要 本书旨在为所有对当代音乐制作、声音设计以及数字音频技术充满热忱的探索者提供一份全面而深入的指南。它超越了传统乐理的范畴，直击现代音乐产业的核心工具与前沿理念，聚焦于如何利用尖端技术将声音构思转化为可听的现实。 本书的编写视角立足于实践应用与理论基础的完美结合，面向对象涵盖了从严肃的音乐制作人、电影音效设计师、游戏音频工程师，到希望在数字领域实现个人创意的独立艺术家。我们相信，在二十一世纪，声音的创造力已不再受限于物理乐器的约束，而是与软件、算法和硬件接口紧密相连。 --- 第一部分：数字音频的基石与环境构建 (The Foundations and Environment Setup) 本部分致力于为读者打下坚实的数字音频基础，确保理解后续所有复杂操作的底层逻辑。 第一章：声音的数字化本质与采样理论 我们将从最基础的物理声波如何被电子信号捕获、量化和重构开始探讨。详细解析模数转换（ADC）和数模转换（DAC）的内部机制，深入剖析采样率和位深如何决定音频质量的上限与动态范围。此外，我们将严谨地讨论抗混叠滤波器（Anti-aliasing Filter）在数字信号处理中的关键作用，并对比不同编码格式（如PCM、Dithering、Noise Shaping）的优劣及其对最终听感的影响。理解这些理论，是有效控制数字噪音和失真的前提。 第二章：核心工作站环境的搭建与优化 本章侧重于选择、配置和优化数字音频工作站（DAW）环境。我们将进行跨平台（macOS/Windows）的系统性能调优，重点关注延迟（Latency）管理、缓冲器（Buffer Size）设置的平衡艺术，以及如何通过ASIO/Core Audio驱动程序实现低延迟监听。此外，我们还将全面评估不同类型音频接口（声卡）的性能指标，如前置放大器增益结构、I/O 配置的灵活性，以及MIDI接口的最佳实践。 第三章：MIDI 2.0协议与控制层面的革命 MIDI协议的最新演进是实现复杂交互控制的关键。本章将深入解析MIDI 2.0带来的高精度信息传输（如Velocity/CC的超高分辨率），以及双向通信（Bi-directional Communication）如何增强硬件控制器的集成度。我们将探讨如何利用MPE（MIDI Polyphonic Expression）技术实现更细致的音高弯曲、力度和滑奏的独立控制，并教授如何设计高效的控制映射方案，使键盘、推子和旋钮成为声音塑形的延伸肢体。 --- 第二部分：信号处理的深度剖析 (Deep Dive into Signal Processing) 这是构建独特音色的核心区域，内容专注于工具箱中每一个关键处理器的原理、应用及精细调校。 第四章：动态控制的精妙艺术：压缩、限制与扩展 本章将动态处理器视为声音雕塑的利器。我们不仅会介绍经典压缩器（如VCA、FET、Optical）的声学特性和响应曲线，更会着重讲解“侧链”（Sidechain）的原理与复杂应用，例如侧链均衡与同步式侧链压缩在创造节奏感上的潜力。对于限制器（Limiter），我们将探讨其在响度标准（如LUFS）合规性中的作用，并区分透明度限制与峰值限制的使用场景。 第五章：频率塑形大师：均衡器的高级应用 均衡器不再只是修正频率缺陷的工具。本章将深入探究参数均衡（Parametric EQ）的Q值控制、滤波器拓扑结构（如贝塞尔、切比雪夫），以及线性相位均衡器在音频修补中的优势与局限。我们将演示“动态均衡”（Dynamic EQ）如何实现对特定频率的自动响应控制，以及如何利用滤波器组（Filter Banks）进行复杂的分频处理。 第六章：时间域效应的构建：延迟、混响与调制 时间域效果是营造空间感和运动感的关键。本章将区分不同类型的延迟（Ping-Pong, Tape Delay, Stereo Delay）如何影响节奏定位。在混响方面，我们将解析卷积混响（Convolution Reverb）基于脉冲响应（Impulse Response, IR）的物理空间模拟原理，并比较算法混响与卷积混响的设计哲学。调制效果（如Chorus, Flanger, Phaser）的深度解析将侧重于LFO（低频振荡器）的波形选择、同步速率设置，以及如何利用反馈回路创造复杂的音色运动。 --- 第三部分：合成技术的前沿探索 (Frontier Synthesis Techniques) 本部分聚焦于当代合成器的核心架构，旨在掌握超越减法合成的复杂声音创造方法。 第七章：加法、减法与波表合成的性能优化 我们从回顾基础的减法合成（Subtractive Synthesis）的振荡器、滤波器和包络开始，重点探讨如何通过优化滤波器的非线性失真来增加音色的“粘性”。随后，我们将重点转向波表合成（Wavetable Synthesis），分析其相对于传统振荡器在音色复杂度和扫描能力上的优势，并教授如何编辑和导入自定义波表。加法合成的原理也将被介绍，着重于其在精确模拟复杂波形时的计算效率考量。 第八章：调幅、调频与非线性合成的潜能 调幅（AM）与调频（FM）合成是创造金属质感、钟声以及非自然音色的利器。本章将详尽解析载波（Carrier）与调制器（Modulator）的比率、包络和反馈机制如何直接影响输出的谐波结构。对于更具实验性的非线性合成（如波形折叠/Wavefolding），我们将剖析其如何通过限制信号幅度来生成丰富的奇次谐波，并指导读者如何将这些技术应用于纹理化声音的设计。 第九章：颗粒合成与纹理声音的生成 颗粒合成（Granular Synthesis）是声音设计领域最强大的工具之一。本章将详细阐述“颗粒”的概念、尺寸、密度和随机化参数如何控制声音的密度和运动状态。我们将指导读者如何利用实时音频流或预录制的样本作为源材料，通过调整颗粒的云状（Cloud）和空间分布，从原子层面重构声音的听感，实现从细腻的环境氛围到爆炸性音效的无缝过渡。 --- 第四部分：高级声音设计与工作流程 (Advanced Sound Design and Workflow) 最后一部分将目光投向实际的专业应用场景，强调效率、协作与最终的母带准备。 第十章：自动化、调制矩阵与宏控制 声音的生命力源于运动。本章将摒弃简单的自动化绘制，转而专注于更深层次的调制技术。我们将深入讲解“调制矩阵”（Modulation Matrix）的配置，如何使用一个信号源（如LFO、包络、序列器）去同时控制多个参数，实现复杂的相互作用。此外，我们还将教授如何构建“宏控制”（Macro Controls），将数十个参数封装成一个易于调整的旋钮，极大地提升声音设计迭代的速度和一致性。 第十一章：高效的样本管理与资源利用 在现代项目中，对声音素材的管理效率直接决定了项目的成败。本章将提供专业的样本库组织策略，包括元数据（Metadata）的准确标记、时间拉伸（Time Stretching）与变调（Pitch Shifting）算法的选择对音质的影响。我们将讨论如何利用索引和搜索引擎快速定位特定音色的样本，并提供将DAW会话内容封装和归档的最佳实践。 第十二章：响度标准化与最终交付准备 本章是面向成品交付的指南。我们将详尽解释当前行业对响度测量的要求，重点区分峰值限制（Peak Limiting）与真正的响度测量（True Peak Measurement）。通过对比广播、流媒体平台和光盘的不同响度规范（如EBU R128, ITU-R BS.1770），指导读者在不牺牲动态余量的前提下，精确地将混音电平推至目标标准，确保声音在任何播放环境中都能保持一致的冲击力和清晰度。 --- 结语：超越工具，聚焦听觉表达 本书提供的知识体系旨在解放您的创造力。我们希望读者在掌握这些技术后，能够将注意力从“如何操作软件”转移到“我想要听到什么样的声音”。真正的声音设计艺术，在于对听觉心理的洞察，以及将这份洞察转化为精确数字控制的能力。拥抱这些工具，探索它们未被充分发掘的潜力，您的声音世界将变得前所未有的广阔。

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对于一个长久以来对电子音乐制作充满兴趣，但又被繁杂的软件界面和陌生的术语吓退的“门外汉”来说，《计算机音乐与作曲基础》这本书简直就是一场及时雨。我之前尝试过一些音乐制作软件，但由于缺乏系统的指导，往往只能进行一些简单的录音和剪辑，对于如何真正地“创作”音乐，我一直感到一头雾水。 这本书的魅力在于，它将那些看似高深莫测的计算机音乐制作过程，拆解成了一个个易于理解的步骤。作者并没有上来就灌输晦涩的理论，而是从最直观的声音原理开始讲起，比如如何通过振荡器产生不同的波形，如何利用滤波器来塑造音色的明暗和“锐利度”。我尤其喜欢书中关于“采样”的章节，它不仅介绍了如何导入和编辑音频片段，还讲解了如何利用采样来构建独特的节奏和旋律，这让我感觉自己仿佛变成了一个音乐“魔术师”，可以将任何声音素材转化为音乐的基石。 在讲解旋律和和声的创作时，这本书也给了我很大的启发。它并没有局限于传统的音乐理论，而是鼓励我们利用计算机的灵活性，去探索各种非传统的音程组合和和弦走向。书中提供的许多MIDI示例和创作技巧，都非常实用，我能够直接在自己的音乐制作软件中进行尝试，并且很快就能感受到它们带来的变化。 这本书的排版和图文结合也做得非常出色，大量的软件界面截图和图示，让学习过程更加直观和有趣。每个章节结束后的实践环节，也都设计得非常巧妙，能够帮助我们巩固所学的知识，并且在实践中发现新的创作思路。 我真心觉得，《计算机音乐与作曲基础》这本书，不仅是教我如何使用计算机来制作音乐，更是教我如何去“听”音乐，如何去“感受”音乐，以及如何将我内心的音乐想法，用一种全新的方式呈现出来。对于那些渴望在数字音乐领域一展身手的初学者，我强烈推荐这本书，它一定会成为你音乐创作道路上最得力的伙伴。

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这本《计算机音乐与作曲基础》简直是为我量身定做的！作为一名对音乐充满热情，但又苦于没有扎实音乐理论基础的初学者，我一直渴望能找到一本既能入门又能深入的教材。市面上那些纯粹讲理论的书籍，对我来说过于枯燥，而那些只讲软件操作的书籍，又缺乏音乐创作的灵魂。直到我翻开这本书，我才觉得我的音乐探索之路终于有了清晰的方向。 作者的讲解方式非常独特，他并没有直接抛出复杂的乐理知识，而是巧妙地将音乐创作的逻辑融入到计算机音乐的实践中。比如，在讲解节奏和节拍时，他会结合具体的音序器操作，让我们亲手体验不同节奏型带来的律动感，而不是枯燥地背诵拍号和时值。同样，在谈论旋律时，他也从音程、音阶这些基础概念出发，但更注重如何利用计算机的工具来构建有表现力的旋律。我尤其喜欢书中关于“动机发展”和“乐句构建”的部分，这些概念在传统乐理书中可能显得有些抽象，但在这里，通过实际的MIDI编辑和音色搭配，我能直观地感受到音乐的生命力是如何一点点被“创造”出来的。 这本书的排版和插图也是一大亮点。大量的图示和代码示例，让原本可能艰涩的概念变得一目了然。每章的末尾都有精心设计的练习题，这些练习题并不是简单的填空或选择，而是鼓励读者去实际操作，去尝试不同的创作思路。我发现，通过动手实践，我能更深刻地理解书中的知识点，并且在实践中不断发现自己的问题和不足。 虽然我还没有完全读完这本书，但我已经能感受到它为我打开了一扇通往音乐创作新世界的大门。它教会我如何用计算机这把“钥匙”，去解锁音乐的无限可能。对于那些和我一样，想要在数字音乐时代一展才华的爱好者们，我强烈推荐这本书。它绝对是你们音乐旅程中不可多得的伙伴。

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我一直对合成器和电子音乐的制作过程感到好奇，总觉得那些天马行空的音色是如何从无到有被创造出来的。传统的乐器学习需要多年的积累和高昂的学费，这对于我这样业余爱好者来说，门槛太高了。当我看到《计算机音乐与作曲基础》这本书时，我立刻被它吸引了。 书中关于合成器原理的介绍，让我眼前一亮。它并没有把复杂的信号流和调制方式写成冗长的公式，而是通过生动形象的比喻和具体的软件界面截图，一步步地剖析了不同类型的合成器是如何工作的。我尤其喜欢书中关于“波形”和“包络”的章节，它们用非常易懂的方式解释了如何通过改变这些参数来塑造音色的“性格”。通过书中的指导，我尝试着去模拟一些我喜欢的电子音乐音色，虽然一开始有些磕磕绊绊，但很快我就掌握了其中的窍门，并且发现原来制作出独特音色并没有想象中那么困难。 更让我惊喜的是，这本书不仅仅局限于音色合成，它还触及了音乐编排和混音的基础知识。比如，在讲解多轨录音时，它不仅介绍了如何进行基本的录音和剪辑，还强调了不同乐器音轨之间的平衡和空间感。书中关于“EQ”和“压缩”的讲解，虽然只是入门级别的，但已经足够让我理解它们在提升混音质量中的重要作用。 这本书的逻辑性很强，章节之间的衔接自然流畅。它循序渐进地引导读者从基础的音色设计，到简单的编排，再到初步的混音，整个学习过程就像是在建造一座音乐的房子，每一块砖瓦都搭建得稳固而有序。对于想要进入电子音乐制作领域，但又不知从何下手的朋友来说，这本书绝对是你们的“定海神针”。它不仅教会你技术，更重要的是，它点燃了你创作的灵感。

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读完《计算机音乐与作曲基础》，我最大的感受就是，原来音乐创作并没有我想象的那么遥不可及。我之前一直觉得，没有多年的乐器功底，没有深厚的乐理知识，根本不可能写出像样的音乐。这本书彻底颠覆了我的认知。 作者在书中以一种非常系统化的方式，将计算机音乐创作的各个环节进行了梳理。从最基础的声音合成，到旋律、和声的构建，再到编排和混音，每一个部分都讲解得详尽而易懂。我印象最深刻的是关于“音效设计”的部分，书中介绍的各种滤波器、延迟、混响等效果器，是如何被用来塑造声音的质感和空间感的，这简直让我打开了新世界的大门。我尝试着去制作一些特殊的音效，比如模拟雷雨声、科幻飞船引擎声，通过书中的指导，我发现原来只需要一些简单的参数调整，就能创造出如此丰富的声音效果。 这本书也教会了我如何去“听”音乐。在讲解混音的部分，它不仅仅是教你如何使用软件里的工具，更重要的是引导你去分析不同乐器之间的频率冲突，如何通过EQ来为每个音轨“留出空间”，以及如何利用压缩来控制动态，让整个混音听起来更饱满、更清晰。我发现，通过理解这些原理，我不仅能更好地制作自己的音乐，还能更深入地欣赏他人的作品。 书中的范例非常丰富，涵盖了各种音乐风格，从电子舞曲到电影配乐，都能在书中找到相应的指导。而且，这些范例都不是那种“照猫画虎”式的教学，而是鼓励读者去理解背后的创作逻辑，然后根据自己的想法去进行二次创作。这种开放式的教学模式，极大地激发了我的创造力。 总而言之，《计算机音乐与作曲基础》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本能够激发你音乐潜能的宝藏。它为初学者提供了一个清晰的学习路径，也为有一定基础的创作者提供了新的灵感和技术支持。如果你对音乐创作充满热情，又想拥抱数字时代的音乐技术，这本书绝对不容错过。

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作为一名对音乐创作有想法，但缺乏专业乐器技能的人，我一直在寻找能够弥合理论与实践之间鸿沟的工具。市面上的音乐软件层出不穷，但往往学习曲线陡峭，如果没有系统的指导，很容易感到迷茫。《计算机音乐与作曲基础》这本书，正是我一直苦苦寻觅的“点石成金”的指南。 这本书最让我称赞的一点是，它没有回避音乐创作中那些看似“高大上”的理论，而是用一种非常接地气的方式将其呈现出来。例如，在探讨“和声”时，作者并没有直接罗列复杂的和弦进行，而是从最基础的“三度叠加”概念入手，然后引导读者如何在音序器中尝试不同的三和弦和七和弦，去感受它们所带来的不同情绪色彩。书中还巧妙地融入了“功能和声”的概念，但讲解的重点在于如何运用计算机工具去实现这些和声进行，而不是单纯地去记忆和背诵。 我尤其喜欢书中关于“音乐形式”的章节，它打破了传统音乐形式的刻板印象，而是从“乐句”、“乐段”和“结构”等更灵活的角度去分析和构建音乐。通过书中的指导，我学会了如何利用计算机软件将零散的音乐想法组织成具有逻辑性和连贯性的作品。比如，书中关于“AABA”结构的讲解，就非常生动，它通过具体的MIDI片段演示，让我们直观地看到一个完整的乐曲是如何通过重复、变化和对比来构建的。 这本书的语言风格非常亲切，就像是有一位经验丰富的音乐制作人，在你耳边耐心指导。它鼓励读者去尝试、去犯错、去探索，并且在错误中学习。每完成一个小练习，都能带来成就感，这种循序渐进的学习方式，让我对音乐创作的热情愈发高涨。 对于那些希望将内心的音乐情感转化为实际作品，但又受限于传统音乐技能的人来说，《计算机音乐与作曲基础》这本书无疑是你们的最佳选择。它不仅能教会你操作软件，更能点燃你内心深处对音乐创作的渴望，让你真正成为一名数字时代的音乐魔法师。

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