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出版者:人民美术出版社

作者:陈允鹤

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1981-2

价格:830.90

装帧:平装

isbn号码:9782222736660

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 艺术
• 2020年
• 雕塑
• 艺术史
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• 文化艺术

《静默的雕塑家：米开朗基罗的内心世界》 作者：阿诺德·冯·霍夫曼 译者：李明 出版社：人文之光出版社 ISBN：978-7-5063-9876-5 --- 导言：大理石深处的呼唤 本书并非一部传统的艺术史编年录，而是一次深入米开朗基罗·博那罗蒂（Michelangelo Buonarroti）复杂、矛盾且充满激情的灵魂深处的探险。我们试图剥离那些宏伟成就——《大卫》的完美人体、《摩西》的怒目圆睁、西斯廷教堂天顶画的宇宙叙事——背后那个孤独、多疑、近乎苦行僧般的个体。米开朗基罗的一生，就是一场永恒的挣扎：在对世俗荣耀的追求与对神圣救赎的渴望之间，在对肉体美与精神崇高的执着探寻中，在与教皇、对手、甚至他自己无休止的较量里，他雕刻了世界，也塑造了自己。 第一部：石头的童年与最初的火花 (1475-1496) 米开朗基罗的出身并非贵族，而是佛罗伦萨一个没落的小贵族家庭。他早年展现出的对绘画和雕塑的强烈偏好，在当时被视为一种“匠人”的行当，这与他家族的社会地位格格不入。然而，他对石头有着一种近乎宿命的迷恋。 本章细致考察了他在基多·迪·费利波·迪·洛伦佐·德·美第奇（Lorenzo de' Medici）宫廷花园的学徒生涯。美第奇家族无疑是文艺复兴的伟大赞助人，但对于米开朗基罗而言，花园更像是一个古典遗迹的露天博物馆。在这里，他接触了大量希腊罗马的古代雕塑原作。我们分析了这些早期作品如何塑造了他对人体解剖学的痴迷，以及他如何从模仿中提炼出一种超越古典的、充满张力的表现手法。 重点分析：他早期作品《梯阶上的圣母》与《半人马的战斗》中，已经显露出他对“未完成”（Non Finito）美学的早期探索——人物似乎尚未完全从母岩中解放出来，暗示着一种永恒的内在冲突。 第二部：罗马的洗礼与“布鲁图斯”的沉默 (1496-1505) 1494年，美第奇家族被驱逐，佛罗伦萨陷入政治动荡。米开朗基罗带着尚未成熟的技艺和满腔抱负前往罗马。这次迁徙是决定性的。 在罗马，他创作了《酒神巴克斯》和那件使他名声大噪的《圣殇》（Pietà）。我们深入探讨《圣殇》的革命性：与北方日耳曼式雕塑中表现的痛苦和死亡不同，米开朗基罗赋予圣母一种超越年龄的、近乎完美的母性宁静。这不仅是技艺的胜利，更是他试图调和古典美学与基督教神学的一种尝试。 然而，罗马时期也埋下了他与世俗权力深度纠缠的伏笔。本章特别关注那些鲜少被提及的政治性雕塑，如未完成的《布鲁图斯》半身像。这位“共和国之父”的面容，被雕刻得冷峻而充满怀疑，它似乎预示着米开朗基罗内心深处对专制权力的不信任，即使他后来不得不为教皇服务。 第三部：英雄的尺度与未竟的宏图 (1505-1513) 1505年，教皇尤利乌斯二世委托米开朗基罗完成一座规模空前的陵墓。这座陵墓的构想从一开始就注定了它的悲剧性命运——它过于宏伟，以至于任何人都无法在当时的技术和资源下完成。 本章以“未完成的幽灵”为主线，梳理了教皇陵墓项目如何像一个巨大的黑洞，吞噬了米开朗基罗后半生的创作精力。我们分析了《摩西》的诞生，这位先知身上聚集了米开朗基罗对力量、愤怒和神圣启示的所有理解。雕塑的眼睛里似乎燃烧着一种无法被世俗安抚的火焰。 随后，我们转向西斯廷教堂天顶壁画的创作。这是一个人类艺术史上最艰巨的挑战。我们详细描述了米开朗基罗在脚手架上近四年的“仰望式”痛苦工作，分析他如何从最初的十二门徒草图，演变为史诗般的《创世纪》序列。重点讨论了《创造亚当》中手指的接触，并非简单的生命传递，而是一种精神张力的瞬间爆发。 第四部：建筑的理性与灵魂的囚笼 (1513-1546) 随着尤利乌斯二世的逝世，米开朗基罗被迫将注意力转向建筑和丧葬纪念碑的设计。美第奇礼拜堂的设计，尤其展示了他如何将雕塑的内在冲突延伸至建筑空间。礼拜堂内的“日”、“夜”、“晨”、“昏”四个人物，被赋予了极度的形体扭曲和情绪不安，他们不是在沉睡，而是在永恒的焦虑中挣扎，象征着艺术家本人的精神状态。 本章还探讨了圣彼得大教堂的首席建筑师角色。一个终生钟情于雕塑的人，被迫成为一位巨型建筑的设计师。我们分析了圣彼得大教堂穹顶的设计如何体现他晚期对“完美形式”的追求，以及他对几何严谨性的渴望，这与他早年对人体自由形态的热爱形成了微妙的对立。 第五部：晚期的沉思与“未完成”的哲学 (1546-1564) 生命进入暮年，米开朗基罗的作品变得越来越内省和黑暗。《最后的审判》的重绘和修改，显示了他对世界和自身信仰的重新审视。对人体裸露的恐惧和对救赎的迫切渴望，使晚期的笔触充满了忏悔的气息。 我们深入分析了“未完成”雕塑群（如《最后的审判》的草稿，以及他晚期为方济各墓所作的雕塑）的哲学意义。它们不再是技艺上的停顿，而是艺术观念上的宣言：艺术的完美在于永不停止的追求，生命的本质在于永恒的挣扎。 结语：留给后世的石头低语 米开朗基罗的一生是矛盾的统一体：他是虔诚的信徒，却终身受制于肉体欲望的折磨；他是受人尊敬的大师，却饱尝被背叛和被误解的孤独；他是为教皇服务的工匠，却在作品中处处流露出对权力腐败的讽刺。 本书旨在引导读者超越那些壮丽的表象，去感受那位伟大雕塑家在每一块凿痕下留下的、属于他自己的、那份沉重而永恒的“静默的呼喊”。他留给后世的，不仅是艺术的巅峰，更是一部关于人性深度与局限的深刻自传。 --- (附录：米开朗基罗的私人书信选译与解说)

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哇，这本书简直是艺术史上的里程碑！我最近读完了一本关于一位伟大雕塑家的传记，那个细腻入微的笔触，简直让人仿佛身临其境。作者对艺术家创作心路历程的捕捉非常到位，尤其是对那些早期作品的剖析，简直是教科书级别的。书中详尽地描述了艺术家是如何从一个默默无闻的学徒，一步步成长为享誉世界的艺术巨匠的过程。每一次挫折、每一次灵感的迸发，都被描绘得栩栩如生。特别是书中对艺术家的核心理念——那种对人体动态和内在情感的极致追求——的阐释，让我对“艺术的本质”有了全新的理解。书中的配图质量也是一流的，每一张都经过精心挑选，与文字相得益彰，让人在阅读时能够直观感受到那些经典作品的震撼力。这本书不仅仅是人物传记，更是一部关于激情、坚持与天才如何诞生的深刻研究。读完之后，我感觉自己的审美水平都得到了极大的提升，强烈推荐给所有对艺术、对人性深度探索感兴趣的朋友们。

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这是一本读起来让人手心冒汗的书，那种对创作过程的解剖，简直是庖丁解牛，精准到位。我以前看过不少关于艺术家的书，但很少有像这样，将“技法”与“哲学”结合得如此天衣无缝的。作者似乎对雕塑的材料学有着深入的了解，他描述艺术家如何与青铜、大理石“搏斗”，如何“倾听”材料的诉求，这些描述极具画面感。书的结构设计也非常巧妙，采用了非线性的叙事方式，穿插着艺术家的私人信件和当时的社会评论，使得我们对那个时代背景下的创作环境有了更立体的认识。最让我震撼的是，作者探讨了艺术家作品中那种超越时代的人文关怀，那种对人类处境的深刻同情。这本书读完后，我对于如何评价一件艺术品的价值，都有了更复杂的思考框架。它不是简单地告诉你“好不好看”，而是告诉你“为什么它值得存在”。

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这本书的装帧设计就透露着一股沉甸甸的分量感，拿在手里就知道这不是一本可以轻易翻阅的小册子。作者的叙事手法极其精妙，他没有将重点完全放在个人生活琐事上，而是聚焦于艺术家是如何将他所有的生命体验——爱恋、失落、对社会不公的愤怒——全部“内化”并转化为坚硬的石头和流动的金属中的。书中有一章专门讨论了光影在雕塑中的作用，作者用非常富有诗意的语言解释了光线如何赋予作品以呼吸和生命力。我个人感觉，这本书更像是一本“艺术家创作方法论”的实录，它没有给出标准答案，而是展示了一种极致的、追求卓越的工作态度。对于有志于从事创意工作的人来说，这本书的价值不亚于任何一本艺术理论书籍，因为它展示了如何在“成为自己”的过程中，创造出能够不朽的作品。

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坦白讲，这本书的文字风格是偏向冷峻和克制的，但这恰恰是它的力量所在。它不像某些传记那样煽情，而是用一种近乎冷静的、历史学家的笔法，来梳理和定位这位艺术大师在西方文化史上的坐标。我特别喜欢书中引用的那些第一手资料，它们像是冰冷的证据，支撑起了作者对艺术家成就的论断。比如，书中对比了不同时期评论家对同一件作品截然相反的评价，通过这种对比，我们能清晰地看到艺术接受史的变迁，以及真理是如何在时间的洪流中慢慢显影的。这本书的深度在于，它强迫你去思考：一个真正的革新者，必然要承受时代的误解与嘲讽。阅读过程中，我多次停下来，去查阅书中提及的其他艺术流派，这本书无疑是打开了一扇通往更广阔知识领域的大门。

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老实说，这本书的阅读体验非常“沉浸”。它不是那种枯燥的学术论文，而更像是一场深入灵魂的对话。作者的叙事节奏掌控得极佳，时而如涓涓细流般温柔地带你进入艺术家的内心世界，时而又像疾风骤雨般，将那些充满争议和挑战的创作阶段描绘得扣人心弦。我特别欣赏作者在处理艺术家与其同时代人之间的复杂关系时所展现出的那种平衡和公正。他没有将艺术家塑造成一个完美无瑕的神祇，而是展现了一个有血有肉、充满矛盾和挣扎的灵魂。书中的细节处理简直令人发指，比如对工作室光线、工具磨损程度的细致描写，都为整体氛围增添了无可替代的真实感。这种对生活细节的捕捉，使得人物形象立体得仿佛触手可及。对于任何想了解一个伟大灵魂如何在其时代中留下印记的人来说，这本书都是不容错过的佳作。

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一本老书，关于罗丹的生平及一些著名的雕塑

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