谢稚柳谈艺录//大师谈艺丛书

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出版者:河南美术出版社
作者:谢稚柳
出品人:
页数:196页
译者:
出版时间:1998
价格:12.00
装帧:32开平装
isbn号码:9787540109424
丛书系列:
图书标签:
  • 谢稚柳
  • 谢稚柳
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  • 绘画艺术
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具体描述

中国近现代书画艺术史:从晚清到新中国(暂定名) 书籍简介 本书旨在全面、深入地梳理和解析中国近现代(约1840年至1970年代)书画艺术的演变历程、关键流派、代表人物及其艺术思想的深层关联。在西方文化冲击与民族危亡的大背景下,中国传统艺术如何寻求突破、实现革新,最终奠定现代艺术格局,是本书关注的核心议题。 本书将超越简单的名家罗列,侧重于时代思潮与艺术本体的互动关系,力求展现一个立体、多维的近现代书画艺术生态图景。 --- 第一部分:晚清的转型与挣扎(1840-1911) 本部分聚焦于传统文人画在内忧外患中的困境与新生的探索。 第一章:晚清的社会剧变与艺术的“守正” 外部压力与内部回应: 鸦片战争后,传统士大夫阶层在政治上的失势如何反映到艺术领域?对“古学”的执着与对“时弊”的批判。 “四王”体系的僵化与“四僧”的复兴: 探讨清中期以来居于主流的“四王”画派在晚期呈现出的程式化倾向。重点分析以吴昌硕、蒲华等为代表的海派艺术家如何从明末清初的石涛、八大山人处汲取“野逸”精神,以笔墨的张力和个性的解放来对抗保守的学院派。 第二章:吴昌硕与海上画派的崛起 金石入画的革命: 详细剖析吴昌硕如何将金石碑学的笔法入画,打破了传统文人画对“柔美”的偏好,注入苍劲、浑厚的时代精神。 海派的多元性: 探讨任伯年、虚谷等人在融合民间审美、西洋写实技法与传统笔墨方面的不同尝试,及其对后来海派发展的影响。 第三章:岭南画派的开创与地域性探索 介绍康有为对“折衷”的理论倡导,以及他组织画学的实践。 重点分析岭南画派(高剑父、陈树人)在留学日本后,如何将日本“日本画”的色彩、写实观察与中国传统水墨相结合,形成“折衷派”的雏形。探讨其在表现南国风光和时代主题上的努力。 --- 第二部分:民国时期的学院化与两极分化(1912-1949) 民国时期是中国艺术教育体制化和艺术观念现代化的高速发展期,书画艺术呈现出明显的保守与革新并存的局面。 第四章:艺术教育的体制化与现代转型 北京的学术中心地位: 探讨蔡元培主导下的北京大学与后来的中央大学艺术系,以及设立的国立艺专(后中央美术学院前身)在引入西方艺术教育体系中的作用。 “南北之争”: 围绕陈独秀、徐悲鸿、林风眠等人在艺术教育理念上的冲突——素描基础、中西融合的路径选择。 第五章:徐悲鸿的写实主义与现实关怀 深入分析徐悲鸿在法国学习素描后,如何将人体结构、解剖学引入中国画领域,以求“尽精微”的写实精神。 考察其“为人生而艺术”的理念,以及如何通过《奔马图》等作品表达对民族命运的忧思。 第六章:林风眠与“中西融合”的诗意表达 区别于徐悲鸿的写实主义,林风眠在法国对后印象派、野兽派的学习,如何转化为其独特的“意象派”风格。 探讨其在杭州艺专的教学中,如何引导学生在形式实验中寻找传统水墨的现代性,尤其是在色彩运用和构图上的大胆创新。 第七章:传统文人画的坚守与升华 京津画坛的保守力量: 分析以金城为代表的“中国画学研究会”对传统笔墨规范的维护,以及其局限性。 “新金陵画派”的酝酿: 重点介绍在南京地区,以胡小松、傅抱石早期探索为例,如何将传统山水画的“气韵”与现代审美相结合,为新中国艺术的展开奠定基础。 --- 第三部分:新中国初期的整合与转向(1949-1970年代) 新中国成立后,书画艺术服务于国家意识形态建设,进入了新的历史阶段。 第八章:艺术的社会主义改造与“为工农兵服务” 探讨五十年代初,艺术界对“为政治服务”的理论认同过程。 考察传统国画在题材、叙事方式上如何进行适应性改造,例如人物画的兴起和山水画的“新面貌”。 第九章:新金陵画派的成熟与“傅抱石现象” 详细分析傅抱石在建国后如何吸收石涛的“散锋”技法,结合游历考察,形成大气磅礴、富有时代感的山水风格。 探讨其在政府主导的重大历史题材创作中的关键作用,以及“抱石皴”在当时的学术影响力。 第十章:岭南画派的南下与香港、台湾的延续 考察渡海艺术家群体(如李耕野、溥心畬等)在台湾的艺术活动,他们如何以“遗民心态”坚守清代宫廷及文人画的古典范式,形成与大陆艺术截然不同的发展路径。 探讨在香港地区,岭南画派(如赵少昂)如何将早期的“折衷”理念进一步发扬光大,面向国际市场。 第十一章:七十年代前的探索与压抑 分析在特定的历史时期,艺术创作所受到的意识形态的约束,以及部分艺术家在民间或私下进行的笔墨实验(如上海地区对海派艺术的重新解读)。 总结从晚清的个体解放思想到新中国初期的集体创作,中国书画艺术在近一百多年间完成的结构性转变,为改革开放后的艺术爆发积蓄了怎样的能量。 --- 本书特色: 1. 理论与实践并重: 不仅分析名家作品的技法,更深入挖掘其背后的哲学观、教育观和时代观。 2. 跨地域视野: 涵盖了北京、上海、南京、广州以及海外华人地区的艺术发展,构建全面的图景。 3. 史料扎实: 充分利用近年来的艺术史研究成果,注重对一手文献(如艺术家信札、办学章程)的引用和解读。 本书是艺术史学者、书画收藏家以及所有关注中国现代文化转型历程的读者不可或缺的参考读物。

作者简介

目录信息

读后感

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我一直对中国古代绘画中的“人物画”情有独钟,总觉得那些细致入微的线条,生动传神的表情,能够让我们窥见历史的片段,感受到古人的生活和情感。谢稚柳先生,作为中国近现代艺术史上的重要人物,他在人物画方面的见解,定然是见仁见智,独树一帜的。这本书《谈艺录》,我非常期待他能够深入探讨中国古代人物画的传承与发展。我想知道,他如何看待顾恺之的“以形写神”,如何评价张萱和周昉的仕女画,又如何理解陈老莲的奇崛。他是否会强调人物画的“传神写照”,还是更加注重笔墨的韵味?我特别希望书中能够有他对具体人物画作品的点评,比如《簪花仕女图》的服饰和神态,《五牛图》的动态和生命力,以及《清明上河图》中人物的百态。我相信,通过阅读这本书,我能够更深入地理解中国人物画的魅力,也能在欣赏古画时,有更深层次的感悟。这本书对我来说,更像是一次穿越时空的对话,让我得以与古往今来的艺术大师们进行心灵的交流。

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中国画的“设色”,一直让我觉得既神秘又充满魅力。如何用色彩来表现自然界的丰富多彩,同时又保持中国画的雅致和内敛,这是一个极具挑战性的课题。谢稚柳先生,作为一位在艺术领域有着深厚造诣的大师,他对设色的理解,想必一定独到而深刻。这本书《谈艺录》,我最期待的就是他能够详细阐述他对中国画设色的看法。我希望他能够讲解不同时期、不同画种的设色特点,比如唐代仕女画的艳丽,宋代山水画的淡雅,以及明清时期文人画的朴素。他是否会强调“以色助墨”,还是“墨色相融”?亦或是“随类赋彩”的原则?我尤其好奇,他会如何评价一些色彩运用极具代表性的作品,比如《千里江山图》的青绿,《五星出东方》的帛画色彩。我相信,通过阅读这本书,我能够更深刻地理解中国画的色彩运用,也能在欣赏艺术作品时,体会到那种色彩带来的视觉冲击和情感共鸣。

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我一直对古代书画有着浓厚的兴趣,尤其是宋元时期的绘画,总觉得那里蕴含着一种浑然天成的气韵,是后世难以企及的。谢稚柳先生,无疑是研究和欣赏这些瑰宝的集大成者。这次终于看到了《谢稚柳谈艺录》,就像是收到了期待已久的礼物。我最想从这本书中挖掘的是他对中国画“意境”的阐释。现在很多画作,技术上可能很娴熟,色彩也很鲜艳,但总觉得少了点什么,那种能够触动人心的东西。谢先生在世的时候,就以其深厚的学养和敏锐的洞察力著称,他一定能够为我们揭示出“意境”的奥秘。我特别想知道,在他看来,如何才能将山水自然中的“神”与“气”,通过笔墨语言表现出来。是线条的勾勒?是皴法的运用?还是色彩的搭配?或者是其中更深层次的哲学思考?我期待着书中能够有详细的案例分析,能够结合具体的画作,比如范宽的《溪山行旅图》或者郭熙的《早春图》,来讲解谢先生的艺术观点。我相信,通过阅读这本书,我不仅能提升自己对中国画的鉴赏能力,更能体会到中国传统文化中那种含蓄、深邃的美学追求。这本书对我来说,不仅仅是一本关于绘画的书,更是一本关于如何感受生活、如何理解自然的哲学读物。

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我对中国传统山水画有着一种难以言喻的情感,总觉得那些墨色的浓淡干湿,线条的刚柔并济,能够承载着一种超越时空的哲学思考。谢稚柳先生,作为一位在山水画领域有着极高造诣的大师,他的《谈艺录》对我来说,无疑是一本绝世秘籍。我迫切想从书中探寻的是他对中国山水画“气韵”的理解。在我看来,一幅好的山水画,不仅仅是画出了景,更画出了“气”。那种山川的巍峨,云水的流动,以及隐匿在其中的人文精神,都是“气韵”的体现。我希望谢先生能够通过书中具体的画作例子,比如他如何评价《蜀山图》的磅礴,如何解读《匡庐图》的险峻,来阐述他对“气韵”的独到见解。他是否会强调“笔”的重要性,还是“墨”的作用?亦或是构图的精妙?我非常好奇,他会如何将抽象的“气韵”概念,通过具体的笔墨技法来呈现。我相信,通过这本书,我能够更深刻地理解中国山水画的灵魂,也能在自己的艺术观赏和创作中,获得前所未有的启发。

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我对中国画的“皴法”一直有着浓厚的兴趣,总觉得那些不同的皴法,就像是画家在用石头刻画山峦,用笔墨在表现大自然的肌理。谢稚柳先生,作为一位在绘画领域有着卓越成就的大师,他对皴法的研究,一定有着独到的见解。这本书《谈艺录》,我最想从其中挖掘的是他对中国画皴法的深入剖析。我希望他能够详细讲解不同皴法的特点,比如披麻皴、斧劈皴、雨点皴,以及它们各自适合表现的山石形态。他是否会强调皴法的“师承”和“创新”?又或者是在实践中如何灵活运用,而不是死板套用?我尤其期待他能够点评一些运用皴法极具代表性的作品,比如关仝的《山溪待渡图》和李唐的《万壑松风图》。我相信,通过这本书,我能够更深刻地理解中国画的笔墨技巧,也能在欣赏山水画时,体会到那种力量感和层次感。

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我一直认为,中国画的最高境界在于“气韵生动”。这四个字,看似简单,实则包含了中国传统美学思想的精髓。谢稚柳先生,作为一位在艺术领域有着深厚造诣的大师,他对“气韵生动”的理解,想必一定不同凡响。这本书《谈艺录》,我最期待的就是能够从他的视角,深入解读“气韵生动”的含义。我希望书中能够有对不同时代、不同画家“气韵”的分析,比如他如何评价东晋画家顾恺之的“神韵”,如何解读唐代画家阎立本的“气度”,以及宋代山水画大家范宽、郭熙笔下的“气势”。他是否会强调笔墨的运用,还是对物象的观察?亦或是作者的情感投入?我非常好奇,他会如何将这种抽象的“气韵”概念,通过具体的艺术实践来阐释。我相信,通过阅读这本书,我能够更深刻地理解中国画的灵魂,也能在欣赏艺术作品时,体会到那种跃然纸上的生命力。

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这本书我刚入手没多久,谢稚柳先生的名字在我心中一直有着神圣的地位,他的画作,尤其是山水,那种雄浑大气,又带着文人特有的细腻,总能让我心生向往。这次能读到他的“谈艺录”,简直就像是推开了一扇通往大师内心世界的大门,实在是太期待了!虽然我还没来得及细细品读,但仅仅是目录就已经让我看到了不少亮点。他对中国画的理解,对历代名家画作的点评,还有他对笔墨的精妙运用,这些都是我想深入了解的。特别是当我在翻阅的时候,看到他对某些画作的独到见解,那种穿越时空的对话感,让我觉得非常有价值。我一直觉得,想要真正理解一幅画,光看是远远不够的,你需要知道创作者的心境,创作的背景,以及他想要传达的意图。而谢先生,作为一位如此资深的艺术大家,他的解读肯定会给我们这些还在艺术海洋中摸索的后辈们带来无数的启迪。我尤其好奇他对“气韵生动”的理解,这四个字是中国画的灵魂,但如何才能做到,却是一个千古难题。我相信谢先生一定会有他独到的方式来阐释,并且会用他丰富的实践经验来佐证。这本书不仅仅是理论的探讨,更是他一生艺术实践的结晶。我准备花一个周末的时间,泡上一壶茶,静静地坐在书桌前,让谢先生的声音在我耳边回响,与他一同穿越时空,神游于丹青水墨之间。这本书对我而言,更像是一种精神的洗礼,一种艺术追求的指引。

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我一直觉得,中国画的美,在于它的“写意”精神。不是对物象的刻板描摹,而是通过笔墨的挥洒,传达出作者的情感和对自然的感悟。谢稚柳先生,无疑是当代中国画坛的巨擘,他的艺术造诣,大家有目共睹。这次读到他的《谈艺录》,我最期待的就是他对于“写意”的理解。我想知道,在他看来,“写意”的最高境界是什么?是达到“笔简意繁”的效果,还是“形神兼备”?我希望书中能够有对不同写意画家的点评,比如徐渭的奔放,八大的孤傲,吴昌硕的雄浑。谢先生是如何评价他们的笔墨和构图的?他是否会强调写意画中的“气”和“韵”?我尤其期待他能够谈谈如何通过笔墨来表现自然的情感,比如山水的壮丽、花鸟的生机。我相信,通过这本书,我能够更好地理解中国画的写意精神,也能在自己的艺术创作中,找到属于自己的“意”。这本书对我来说,是一次精神的洗礼,一次艺术的升华。

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刚拿到《谢稚柳谈艺录》这本书,我就迫不及待地翻阅了。谢先生的名字,在中国艺术界是如雷贯耳的,他的画作,尤其是山水,那种气势磅礴、笔墨精湛,一直是我学习的榜样。我一直对中国画的“笔墨”理论非常感兴趣,觉得这不仅仅是技巧,更是一种修炼,一种精神的寄托。谢先生作为一位近现代的艺术大家,对笔墨的理解和运用,肯定有其独到之处。我非常期待书中能够详细解读不同画家的用笔特点,比如董其昌的“积墨”和“破墨”,黄宾虹的“黑密浓厚”,还有元四家的笔墨风格差异。我想知道,谢先生是如何看待这些不同笔墨风格的?他会强调笔墨的“骨法”还是“神韵”?亦或是两者兼而有之?我希望书中能够有对具体作品的分析,比如他如何评价《千里江山图》中王希孟的用笔?如何解读《洛神赋图》中顾恺之的线条?这些都是我非常好奇的。我相信,通过这本书,我能更深入地理解中国画的精髓,也能在自己的绘画实践中有所启发。这本书对我而言,就像一位良师益友,能够在我艺术道路上给予我宝贵的指导。

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中国画的“诗情画意”,一直是我最为着迷的部分。一幅画,如果仅仅是描摹景物,未免显得过于单薄。只有当笔墨中流淌着诗歌般的韵律,才算得上是一幅真正的艺术品。谢稚柳先生,这位在中国画坛享有盛誉的大师,他的《谈艺录》,我猜想一定能够为我揭示出“诗情画意”的奥秘。我尤其期待他在书中能够详细阐述,如何将诗词的意境融入到画面之中。是色彩的渲染,还是构图的安排?亦或是笔墨的挥洒?我希望书中能够有对一些著名画作的点评,比如他如何评价文徵明的山水画中的文人气息,如何解读八大山人画作中的孤寂情怀。他是否会强调画作与诗歌之间的内在联系,比如“以诗入画”的创作手法?我相信,通过这本书,我能够更深刻地理解中国画的诗意美学,也能在自己的艺术观赏中,找到更多“画中有诗”的意境。这本书对我而言,是一次对美的深层探索,一次对艺术真谛的追寻。

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