Concerto 1800 -1900 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Norton

作者:Ed. Paul Henry Lang

出品人:

页数:88

译者:

出版时间:1969

价格:$ 21.19

装帧:Hardcover

isbn号码:9781141802746

丛书系列:

图书标签:

• 古典音乐
• 协奏曲
• 19世纪音乐
• 18世纪音乐
• 音乐史
• 器乐
• 浪漫主义音乐
• 古典主义音乐
• 音乐作品
• 欧洲音乐

《旋律的交响：17世纪至20世纪初欧洲音乐的变迁》 导言：音乐的伟大转折 本书将带领读者穿越欧洲音乐史上一个最为动荡与辉煌的时代——从巴洛克晚期的庄严到浪漫主义的激情四射，再到印象主义的色彩探索。我们聚焦于17世纪中叶至20世纪初的这段关键时期，这是一个艺术思潮风起云涌、民族身份逐渐清晰、个人表达日益强烈的时代。不同于单一风格或某一地域的聚焦，本书旨在描绘一幅宏大而精细的欧洲音乐全景图，探讨技术革新、社会变迁、哲学思潮如何共同塑造了这一时期音乐语言的复杂演进。 第一部分：巴洛克的回响与洛可可的轻盈（17世纪中叶至18世纪中期） 本部分将审视巴洛克晚期风格的最后辉煌，并分析向新古典主义过渡时期的微妙变化。 1. 晚期巴洛克的结构与精神：我们将深入探讨巴赫与亨德尔的音乐遗产。这不是对他们作品的全面分析，而是侧重于他们如何将对位法推向极致，以及在宗教与世俗音乐中体现的“绝对音乐”的内在逻辑。重点分析赋格曲的结构张力与清唱剧的戏剧张力，揭示这些作品中蕴含的理性精神与宇宙秩序感。同时，也将探讨维瓦尔第等作曲家在协奏曲形式中对速度、调性对比的精妙运用，为后来的古典主义奠定基础。 2. 洛可可与“美好风格”（Style Galant）的兴起：随着宫廷趣味的转变，音乐开始追求更为优雅、轻盈和感性的表达。我们将探讨洛可可时期的音乐如何摒弃巴洛克时期的繁复装饰，转而青睐清晰的旋律线条、更灵活的节奏和更温柔的音色。这不仅仅是风格的转变，更是社会对娱乐性和个人情感表达需求的体现。这一时期的室内乐，特别是键盘奏鸣曲，显示出从追求宏大叙事转向关注个人内心细腻感受的趋势。 3. 歌剧改革的初步尝试：在这一时期，对巴洛克歌剧冗长、僵化的结构感到不满的声音开始出现。我们将简要回顾改革的早期尝试，特别是对于“自然”与“情感真实性”的呼唤，这预示着格鲁克等人未来在歌剧领域将要进行的深刻变革。 第二部分：古典主义的典范与理性之光（18世纪下半叶） 古典主义时期是音乐结构、形式和配器法走向定型与完善的黄金时代。 1. 奏鸣曲式的确立与功能和声的成熟：奏鸣曲式被视为这一时期音乐思维的基石。我们将详细解析呈示部、展开部和再现部的内在逻辑，以及它们如何体现古典主义对平衡、对称与冲突解决的追求。这不是对具体奏鸣曲的分解，而是对该形式作为一种“论证结构”的普遍原理的探讨。 2. 维也纳三杰的贡献：海顿、莫扎特和贝多芬（早期）如何各自在交响曲、弦乐四重奏和协奏曲中发展和完善了古典主义的语言。我们将侧重分析海顿对四乐章结构模式的规范化，莫扎特在对位与旋律天赋的完美融合，以及他们如何拓展管弦乐队的色彩可能性，使之成为一个功能明确的整体。 3. 协奏曲形式的演变：古典协奏曲如何从巴洛克时期的“合奏与独奏的交替”转变为“独奏乐器与乐队的对话与竞争”，特别是华彩段的引入和发展，体现了对独奏家技艺的推崇与音乐戏剧性的增强。 第三部分：浪漫主义的狂飙：情感、民族与超验（19世纪） 19世纪是音乐史上个性解放最为彻底的时期，作曲家们以前所未有的深度挖掘内在世界，并与时代思潮紧密结合。 1. 浪漫主义的核心精神与个人化表达：随着启蒙运动的理性光芒逐渐黯淡，对主观情感、自然崇拜、民间传说和“无限”的追求成为主流。我们将探讨音乐如何成为表达无法言喻之物的媒介。重点分析抒情主题的扩展、和声色彩的丰富（例如使用更远的转调和非功能性半音），以及对“暗示”和“意境”的强调。 2. 艺术歌曲（Lied）的黄金时代：舒伯特、舒曼等人在艺术歌曲中将诗歌与音乐融为一体，钢琴不再仅仅是伴奏，而是与人声共同构建叙事空间。我们将分析艺术歌曲如何成为塑造德意志浪漫主义美学的微型殿堂，以及其对后世室内乐和歌剧的启发。 3. 大型器乐形式的扩张与革新：交响诗的诞生标志着标题音乐的胜利，这要求作曲家发展出新的音乐语言来描绘具体场景或哲学概念。同时，交响曲的规模被极大拉伸，管弦乐队的编制空前扩大，音域和音色被推向极限。我们将考察李斯特对交响诗的贡献，以及勃拉姆斯如何在一个日益追求创新的时代中，坚守并重新诠释了古典主义的结构传统。 4. 民族主义的兴起与音乐的“地理学”：欧洲各国在政治上寻求独立的同时，音乐也成为了彰显民族特色的重要途径。我们将考察俄国“五人团”、捷克作曲家如德沃夏克、斯美塔那，以及挪威的格里格，他们如何从本国的民间音乐、历史题材和自然风光中汲取灵感，创造出既具民族色彩又融入欧洲主流风格的音乐语言。 第四部分：从晚期浪漫主义到新世纪的门槛（19世纪末至20世纪初） 这是一个风格高度饱和、技术达到巅峰，同时也孕育着巨大变革的时代。 1. 瓦格纳的“总体艺术作品”与和声的瓦解：瓦格纳对歌剧的彻底颠覆——引入主导动机系统、取消传统的咏叹调与宣叙调界限，以及在《特里斯坦与伊索尔德》中对“特里斯坦和弦”的运用，标志着传统调性体系的动摇。我们将分析这种和声上的模糊性如何反映了哲学上对确定性的质疑。 2. 印象主义的色彩与瞬间：德彪西和拉威尔如何将焦点从结构逻辑和强烈情感转向声音的质感、光影和氛围的捕捉。我们将探讨他们借鉴东方音乐和新乐器音色（如竖琴、柔音音色）的方式，以及他们对传统调性语汇的“溶解”，为二十世纪的音乐探索打开了新的可能性。 3. 后期浪漫主义的宏大与张力：如马勒和理查·施特劳斯，他们将浪漫主义的个人体验推向了极致，将交响曲的规模扩展到近乎史诗的程度，音乐中充满了对生命、死亡和存在的哲学追问。他们对管弦乐的精湛控制，既是对前人的继承，也是对现有音乐工具的最后一次全面压榨。 结论：变革的遗产 本书的终点并非一个终结，而是一个酝酿着更大变革的起点。1900年前后的音乐，在技艺上达到了古典主义与浪漫主义的集大成，但在精神上却已然步入探索禁区的边缘。我们审视了这一百年间，音乐如何从服务于教会和宫廷的“手艺”，逐渐演变为表达个体灵魂、反映时代精神的“艺术”与“宣言”。这种从“结构中心”到“个人情感”，再到“声音本质”的转移，为随后的现代音乐革命提供了所有的技术储备与哲学铺垫。

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阅读这本大部头时，我总有一种被“拉高”的感觉，仿佛我被迫站在了太高的空中俯瞰，错过了地面上最生动的细节。这本书的雄心壮志在于构建一个全景式的十九世纪音乐图景，它成功地描绘了巴洛克遗风如何被瓦解，以及民族乐派如何逐渐崛起，但对于“协奏曲”这一核心主题，它的处理显得疏离且表面化。作者对协奏曲的“对位”和“戏剧性张力”的探讨，远不如他对当时巴黎音乐沙龙的社交规则的描述来得生动。有一段描述了勃拉姆斯在维也纳的保守派中受到的欢迎，充满了对细节的刻画，但当转到他的《第二钢琴协奏曲》时，分析突然变得空泛，仅仅概括了其“德奥传统”的回归，没有深入到其内在线性的结构和主题的再现手法。我花了很大精力去寻找那些能解释“为什么这个乐章如此感人”的内在逻辑，却只找到了关于“谁资助了这次演出”的答案。这使我不得不承认，这本书的价值在于史学研究，而非音乐批评。它是一部优秀的历史著作，但绝非一本令人心潮澎湃的音乐鉴赏指南。

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这本书的叙事手法，用一个不太恰当的比喻，就像是看一场精彩的魔术表演，但魔术师却花费了大量时间详细讲解了道具的制作过程，却对最后那令人惊叹的“消失”避而不谈。我希望读到的是“魔法”本身，是那些十四行诗般精准的乐句排列，是小提琴与乐队之间那种你来我往的对话艺术。然而，这本书似乎更热衷于讨论赞助人、首演当晚观众的反应、乐器制造工艺的进步如何影响了作曲家的写作习惯。例如，书中花了整整一个章节来探讨“新式钢琴”对浪漫主义音乐的影响，但对肖邦的钢琴协奏曲的创新之处，只是含糊地提了一句“更加抒情化”。这种详略失当，让我感觉自己被置于一个观察者的位置，而不是一个沉浸式的体验者。我翻阅这本书，带着对那个黄金时代的音乐激情，却发现自己被淹没在关于报纸乐评和剧院财政报告的海洋里。我甚至开始怀疑，作者是否真的对协奏曲这一体裁有着深切的热爱，还是仅仅将它视为研究十九世纪文化变迁的一个方便的切入点。对于想要从中学习如何欣赏一场协奏曲演出的入门读者来说，这本书简直是灾难性的。

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说实话，我对这本书的阅读体验是充满矛盾的。我原本以为这会是一部细致入微的音乐分析著作，期待着对特定乐章的声部进行拉丝剥茧式的解析，或许能找到一些关于十九世纪下半叶协奏曲如何从贝多芬式的古典结构中解放出来的路径图。这本书的篇幅和引用的文献之广令人印象深刻，但它选择了一条截然不同的路径。作者似乎对“作品本身”的兴趣远低于“作品如何被制造和接受”的过程。比如，在讨论马勒的早期作品时，大部分篇幅被用来描述维也纳乐坛的派系斗争，以及指挥家们如何解读和“阉割”作曲家的初衷，而对马勒那标志性的“第三交响曲”的独奏乐器使用策略，只是一笔带过。这让我感到非常遗憾，因为这种对“过程”的过度关注，稀释了对“结果”的审美体验。我需要反复查阅外部资料来印证书中提到的那些音乐事件，因为作者并未提供足够的乐谱实例或结构图解来支撑他的社会学论断。这本书的语言风格也偏向于学术论文的严谨，充满了长句和复杂的从句，虽然信息量巨大，但阅读起来像是在攻克一座知识的堡垒，而非享受一场流动的音乐盛宴。它更适合作为研究十九世纪音乐史的参考工具书，而非一本能引发听觉想象力的阅读材料。

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这本书的书名是《Concerto 1800 -1900》，以下是我作为读者的评价： 拿到这本书时，我立刻被它厚重的装帧和封面上那幅充满古典气息的插图所吸引。我原本期待能在这本书里找到一些关于十九世纪协奏曲创作技法的深入剖析，或者是对勃拉姆斯、柴可夫斯基等巨匠作品的独到见解。然而，当我翻开第一页，映入眼帘的却是关于十九世纪欧洲社会风貌、工业革命对音乐审美影响的宏大叙事，以及一些对当时音乐会制度变迁的社会学观察。这并非我预期的那样，从技术层面解析那些宏伟的管弦乐织体和炫技的独奏乐章。我更像是在阅读一本关于“时代背景下的音乐生态史”，而不是一本专注于“协奏曲”这个特定体裁的专业指南。书中对李斯特的钢琴协奏曲的讨论，更多地聚焦于他在魏玛宫廷的政治手腕和他在公众面前的表演哲学，而非其和声语言的创新之处。坦白说，这种叙事角度让我感到有些迷失，它拓展了我的视野，让我看到了音乐背后的“人”与“社会”，但对于一个渴望深入了解“曲”的内部结构的读者来说，这无疑是一种错位。我花了好大力气去适应这种跳跃式的叙事，试图在那些关于咖啡馆文化和歌剧院赞助人的章节中，去寻找一丝丝关于协奏曲结构松动的线索，但收效甚微。它更像是一部精彩的时代纪录片，只是背景音乐恰好是十九世纪的交响乐章。

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这本书给我的最深印象，是它对“创新”二字的复杂解读。在十九世纪，协奏曲是展示个人技巧和民族精神的最佳载体。我原本期待书中能细致对比不同国家（如俄国五人组和德奥传统）在处理独奏乐器与乐队关系时的策略差异。然而，这本书的论述倾向于将所有音乐现象都纳入到“资产阶级审美趣味的演变”这一宏大框架下进行解释。每当涉及到具体的音乐材料——比如管弦乐配器上如何利用新发明的铜管乐器来增强戏剧冲突——作者总是迅速地将其归结为社会经济基础的必然结果，然后转向对某个公爵夫人赞助记录的分析。这让我感觉自己像是被推离了音乐本身，去观察更庞大、更冷漠的社会机器的运转。我阅读了大量关于乐谱出版业如何影响作曲家收入的材料，这很有趣，但这些信息并不能帮助我理解柴可夫斯基《D大调小提琴协奏曲》中那个惊心动魄的终曲是如何诞生的。这本书像是一个高倍望远镜，让我们看到了星系的全貌，却模糊了每一颗星星的光芒。它需要读者具备深厚的背景知识，否则很容易在海量的社会信息中迷失方向，无法将这些信息有效地锚定到具体的音乐作品上。

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