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页数:212

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出版时间:2008-12

价格:37.00元

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isbn号码:9787302180371

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• Photoshop
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《光影的叙事：创意摄影与后期质感解析》 本书将带您踏上一段深入探索摄影艺术与后期处理精髓的旅程。我们不只是关注按下快门的瞬间，更着重于如何通过一系列富有创意的后期技法，将静态的影像转化为饱含情感与故事的视觉叙事。 第一章：观念先行——摄影的灵魂注入 在数字后期如此发达的今天，技术固然重要，但支撑起一张优秀作品的，是摄影师的独特视角与创作理念。本章将引导读者超越单纯的记录，思考“我要拍什么”与“我为什么要这样拍”。我们将从几个维度剖析优秀摄影作品的灵魂所在： 主题与情感的提炼： 如何寻找并捕捉生活中那些触动人心的瞬间？如何通过构图、色彩和光影来传递特定的情绪，例如宁静、力量、忧伤或喜悦？我们将通过大量经典摄影作品的案例分析，提炼出不同主题下情感表达的共性与个性。 视觉语言的构建： 摄影的视觉语言包括了构图（黄金分割、三分法、对称、引导线等）、景别（特写、近景、中景、远景）、视角（仰视、俯视、平视）以及它们在特定场景下的运用。本章将深入探讨这些基本元素的组合与变化如何影响观者的视觉体验和心理感受。 光影的诗意描绘： 光影是摄影的生命线。我们将详细解析不同类型的光线（自然光、人造光、硬光、柔光、侧光、逆光等）对画面质感、立体感和氛围的塑造作用。重点在于学习如何观察光线，以及在拍摄时如何利用光线来引导视线，突出主体，甚至营造戏剧性的视觉效果。 色彩的心理学与表现力： 色彩不仅是画面上的颜料，更是传递情感、营造氛围的重要载体。本章将探讨色彩的冷暖、对比、饱和度、明度等要素如何影响观者的情绪感知。我们将研究不同色彩搭配的心理效应，并提供如何在拍摄前就预设色彩方案的指导。 第二章：后期为翼——影像的二次生命 当按下快门的那一刻，摄影作品的生命才刚刚开始。后期处理并非是对原始影像的“修正”，而是对摄影师创作理念的延伸和升华。本章将系统性地介绍如何运用后期手段，为您的影像注入更强的表现力和艺术感染力。 解构RAW格式的强大潜力： 告别JPEG的局限，拥抱RAW格式带来的无限可能。我们将深入讲解RAW文件相比JPEG在色彩、细节、宽容度上的优势，以及如何通过非破坏性编辑，最大限度地挖掘原始数据的潜力，为后期处理打下坚实基础。 色彩的调校艺术： 这一部分将是色彩表现力的核心。我们将详细讲解如何利用直方图、曲线、色阶、色彩平衡、色相/饱和度等工具，精细地调整画面的整体色彩倾向，突出主体色彩，压制干扰色，营造特定的色彩氛围（如复古、电影感、冷峻、温暖等）。重点在于学习如何找到符合作品主题的“色调”。 光影的精妙雕琢： 后期是重塑光影的舞台。我们将学习如何运用曝光补偿、减淡（Dodge）、加深（Burn）、阴影/高光、渐变滤镜、径向滤镜等工具，精确地控制画面的明暗关系。这包括但不限于：提亮暗部细节，压暗过曝区域，塑造立体感，引导观者视线，以及营造微妙的光影变化，让画面更具层次感和空间感。 细节的挖掘与锐化： 细节是构成影像质感的关键。我们将探讨如何通过锐化工具，有选择性地增强画面细节，例如人物的皮肤纹理、服装的织物质感、景物的轮廓等，同时避免过度锐化带来的噪点和不自然感。我们将介绍不同的锐化算法和适用场景。 纹理与质感的添加： 除了对原有细节的增强，我们还将学习如何通过纹理叠加、渐变映射等手法，为画面注入独特的肌理感和视觉风格。例如，为风光照片添加粗犷的岩石纹理，为肖像照片添加细腻的画布质感，或者为抽象作品增添金属光泽。 氛围与情绪的渲染： 一张有感染力的照片，往往能引起观者强烈的情感共鸣。本章将重点教授如何通过局部色彩调整、虚化处理、景深模拟、光晕效果、颗粒感添加等技法，营造出特定的氛围，如朦胧、梦幻、怀旧、神秘等，从而深化作品的情感表达。 艺术化的后期风格探索： 除了写实风格的后期，我们还将初步涉足更具艺术化的处理方向。例如，如何通过色彩分离、双重曝光的后期合成技巧，创造出超现实的视觉效果；如何通过模拟胶片效果，赋予数字影像独特的复古韵味。 第三章：案例实践——从零开始的影像创作 理论的学习需要与实践相结合。本章将选取多个不同题材的摄影作品（如人像、风光、静物、街拍等），进行详细的后期处理流程演示。每一个案例都将遵循“观念-拍摄-后期”的完整逻辑，让您清晰地看到一个创意想法如何通过技术手段转化为一张令人惊艳的摄影作品。 案例一：情绪人像的光影与色彩重塑 拍摄思路：如何捕捉人物微妙的情绪？ 前期构思：光线方向与氛围的初步设想。 后期流程：皮肤质感处理、眼神光提亮、背景虚化与分离、色彩倾向的设定、情绪化色彩的叠加。 案例二：史诗级风光的细节与层次挖掘 拍摄思路：如何展现自然的壮丽与宏伟？ 前期构思：构图、天气与光线条件的选择。 后期流程：RAW文件的基础调整、景深与亮度的精细控制、天空与地面的分离处理、局部色彩饱和度与锐化的增强、云雾纹理的刻画。 案例三：静物的质感与艺术化表达 拍摄思路：如何赋予静物生命力？ 前期构思：道具选择、布光与背景的搭配。 后期流程：高光与阴影的对比塑造、物体表面纹理的突出、背景的虚化与色彩引导、光泽感的模拟。 案例四：街拍瞬间的动态与故事感强化 拍摄思路：如何在抓拍中捕捉生活片段？ 前期构思：对焦、曝光与动态的判断。 后期流程：街拍的标志性风格（如对比度、暗角）、人物的焦点强化、动态线条的勾勒、色彩的电影化处理。 第四章：进阶技法——探索影像边界 在掌握了基础的后期原理与工具后，本章将带领读者挑战更具创造性的影像表达。这些技法将突破传统的界限，让您的作品更具独特性与艺术价值。 高阶色彩合成： 探索多重曝光的创意应用，将不同的影像元素巧妙融合，创造出充满想象力的视觉故事。 光效与特效的模拟： 学习如何通过精细的笔刷和图层叠加，模拟出自然或超现实的光源效果，如丁达尔效应、 Lens Flare、粒子光效等。 风格化滤镜与预设的解读与应用： 理解不同风格化滤镜的构成原理，并学会如何根据自身作品特点，对预设进行个性化调整，而非盲目套用。 非线性叙事的构建： 探讨如何通过一系列图片在色彩、光影、构图上的呼应与对比，形成一种更深层次的叙事关系，引发观者对作品背后故事的联想。 结语： 《光影的叙事：创意摄影与后期质感解析》并非一本枯燥的技术手册，而是一份邀请函，邀请您一同走进光影的世界，学习如何用镜头捕捉生活的诗意，又如何用后期赋予影像不朽的灵魂。我们相信，通过本书的学习，您将不仅掌握一系列强大的后期技巧，更能点燃您内心深处的创作火花，最终用影像讲述属于您自己的精彩故事。

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这本书的插图和布局设计简直是一场视觉盛宴，我得说，光是翻阅它，就让人心情愉悦。封面那种深邃的蓝色调搭配着充满未来感的几何图形，就已经把我牢牢吸引住了。内页的排版更是考究，每一页都像是精心策展的艺术品。比如在讲解色彩理论的那一章节，作者没有采用那种枯燥的图表，而是用了一系列令人惊叹的、由鲜艳色彩构成的抽象画作来阐释原理，每张图下面都附着简短而精辟的文字说明，让你在欣赏美感的同时，不知不觉就理解了复杂的概念。特别是那些关于图层混合模式的案例，它不是简单地展示“这是A效果，那是B效果”，而是通过一系列叙事性的场景，比如模拟夕阳下的剪影，或是水下光线的折射，让理论变得立体而生动。书中的字体选择也十分到位，主标题和正文的对比度把握得恰到好处，阅读起来丝毫不费力，即便是长时间盯着屏幕或纸面，眼睛也不会感到疲劳。我对这种对细节的极致追求非常赞赏，它让一本技术类的书籍，成功地跨越了工具书的范畴，成为了一本可以常置于咖啡桌上翻看的视觉设计范本。如果说有什么不足，可能就是某些跨页的大图展示，在装订处可能会略微有些弯曲，影响了边缘细节的观察，但瑕不掩瑜，整体的印刷质量绝对是上乘。

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说实话，我原本对市面上那些厚重的软件操作手册是有点抵触的，总觉得它们更像是冷冰冰的字典。然而，这本关于高级图像修复和合成的书，彻底颠覆了我的看法。它的高明之处在于，它用一种非常“侦探小说”般的笔触，来讲述那些复杂的技术。比如在处理一张严重受损的老照片时，作者把修复过程描绘成一场与“时间痕迹”的斗争，详细分析了污渍、撕裂和褪色的成因，然后才展示如何利用各种工具进行“取证”和“重构”。特别是关于内容识别填充和图层蒙版的高级应用部分，作者没有仅仅停留在功能介绍，而是深入探讨了像素层面的数据流动和色彩信息补偿机制，读起来完全没有枯燥感，反而充满了探索未知的乐趣。我特别欣赏它在案例选择上的独到眼光，没有选择那些常见的、商业化的合成范例，而是选取了一些具有挑战性的、需要大量逻辑推理才能完成的艺术化合成项目。这种将技术与艺术、科学与叙事完美融合的处理方式，使得这本书的价值远超出了单纯的技能指导，更像是一本关于“数字世界中的魔法”的实战手册。

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这本书在探讨矢量图形与位图处理的融合应用方面，展现了一种极具前瞻性的视野。它不仅仅是讲解了如何使用钢笔工具勾勒出平滑的路径，或者如何进行位图的无损缩放，更深入地探讨了在现代UI/UX设计流程中，这两种模式如何协同工作以达到最佳性能和视觉效果。书中对SVG（可缩放矢量图形）在网页动态效果中的应用，给予了大量的篇幅，并且详细解释了如何从三维软件导出的模型数据，通过软件进行优化和转化为可编辑的矢量路径，这一部分的内容对于我这个关注交互媒体设计的人来说，简直是太有价值了。我最喜欢的是它对“非破坏性工作流程”的反复强调，作者通过一个完整的移动应用图标设计案例，演示了如何最大限度地利用智能对象、动态滤镜和调整图层，确保在客户反复修改需求时，核心的素材资源始终保持着最高的灵活性和数据完整性。这种以项目驱动、目标导向的讲解方式，让我真正理解了什么叫“专业级的效率”，而不是停留在基础操作的层面徘徊。

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与其他同类书籍相比，这本书在讲解色彩空间、色彩管理和输出校准这几个“幕后英雄”方面，做到了前所未有的详尽和易懂。我过去一直对CMYK到RGB的转换过程中出现的色彩偏差感到头疼，感觉自己像是在瞎猜。但是，这本书像一个耐心的色彩物理老师，它用非常形象的比喻，解释了加色模型和减色模型的物理差异，并提供了实用的、针对不同输出介质（从高端艺术微喷到标准商业印刷）的ICC Profile设置指南。它甚至详细到解析了不同品牌打印机墨水化学性质对最终色彩表现的影响，这一点实在太令人惊喜了。更难得的是，作者没有仅仅停留在软件内部设置，而是花了不少篇幅讲解了如何使用校准仪来建立自己的工作环境标准，以及如何在网络传输文件时，确保色彩信息不丢失。读完这部分内容，我感觉自己终于掌握了从屏幕到纸张的整个“色彩炼金术”，不再对最终的输出效果感到恐惧和妥协，而是有信心去预测并控制最终的视觉呈现。这种对行业标准和底层科学的深度挖掘，使得这本书的参考价值极高，是一本真正能够提升作品专业度的工具书。

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我花了整整一个周末的时间，沉浸在这本关于数字绘画流程的教材里，最大的感受是作者的叙事逻辑非常严谨，像是在带领读者经历一个真实的创作项目。它没有直接抛出复杂的技巧，而是从最基础的画布设置、笔刷预设的个性化调整开始讲起，这对于我这种刚刚从传统媒介转向数字平台的新手来说，简直是救命稻草。书中详细记录了从草稿到线稿，再到铺设大色块，再到光影塑造的每一个关键步骤，每一步都有清晰的截图和详尽的操作说明，连鼠标移动的轨迹和快捷键的使用都被标注得一清二楚。尤其让我印象深刻的是关于“氛围营造”的那一章，作者用了一个虚构的奇幻场景作为例子，演示了如何通过调整环境光和反射光来瞬间改变画面的情绪基调，那种深入骨髓的氛围感，比起我过去看过的任何一本“快速入门”指南都要来得扎实和持久。它教的不是“按哪个按钮”，而是“为什么按这个按钮”，这种底层逻辑的建立，让我在尝试自己的新作品时，不再是机械地模仿，而是能够根据自己的创作意图，灵活地调整参数。这本书的结构就像一座精心规划的阶梯，每一步都稳固可靠，让人充满信心地向上攀登。

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