英语歌曲欣赏

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出版者:上海外教
作者:顾秋蓓
出品人:
页数:146
译者:
出版时间:2008-10
价格:22.00元
装帧:
isbn号码:9787544608916
丛书系列:
图书标签:
  • 英语歌曲
  • 流行音乐
  • 音乐欣赏
  • 英语学习
  • 歌曲
  • 音乐
  • 文化
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  • 娱乐
  • 英语
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具体描述

《英语歌曲欣赏(教师用书)》主要内容:语言是文化的载体,学习语言就应了解该门语言国家的文化,英语歌曲是英国国家文化的有机组成部分,因此,学英语不学习英语歌曲是一大遗憾。英语歌曲在语言学习中的作用已被越来越多的教师所认同,同时也深受广大中学生的喜爱,只是他们在欣赏英语歌曲时,仅仅停留在获取感官愉悦的层面,或仅仅作为提高兴趣的手段,或机械模仿歌词而忽略了对歌曲的情感体验,以及对简练、漂亮的语言本身的欣赏和应用。《英语(全国外国语学校系列教材)》的适用对象于有较高英语教学质量的外国语学校;有较高英语教学质量的重点中学 。

《流光溢彩的旋律:英美音乐百年风云》 本书并非一部简单的音乐教科书,而是一场穿越时空的音乐之旅,邀您一同品味英美音乐波澜壮阔的百年发展史。我们将聚焦那些塑造了流行音乐版图的革命性时期、风格流派以及最具影响力的艺术家,深入剖析音乐如何反映社会变迁、折射时代精神,并最终跨越国界,成为全球共同的语言。 第一章:黎明前的序曲——流行音乐的萌芽(1900-1920年代) 在二十世纪初的英美,音乐产业正经历着前所未有的变革。留声机的出现打破了音乐传播的壁垒,爵士乐的种子在北美大陆悄然萌发,与来自大西洋彼岸的维多利亚时代余韵交织,孕育出独特的艺术土壤。本章将带您回顾这一时期爵士乐的早期形态,探究布鲁斯音乐如何从非裔美国人的悲鸣中升华,以及早期流行歌曲如何开始展现其商业潜力。我们将关注那些被遗忘又被重塑的旋律,揭示那些奠定英美音乐基石的早期创作力量。 第二章:黄金时代的辉煌——爵士、摇摆与独立精神(1930-1950年代) 二战的硝烟与经济的萧条并未阻挡音乐的脚步,反而激发出更强大的生命力。爵士乐进入“摇摆乐”的黄金时代,以其自由奔放的节奏和即兴的魅力征服了无数听众。同时,美国本土的流行歌曲创作也日臻成熟,诞生了大量至今仍被传唱的经典。跨越大西洋,英国音乐也在悄然孕育着变革。本章将深入探讨摇摆乐的代表人物和乐队,剖析其音乐结构与社会影响,同时也将目光投向战后美国流行音乐的新动向,以及英国音乐界在战后出现的初步复苏迹象。我们将品味那个充满活力与乐观精神的时代,感受音乐如何成为人们心灵的慰藉和精神的寄托。 第三章:变革的巨浪——摇滚乐的诞生与崛起(1950-1960年代) 这是一个颠覆与创造的时代。摇滚乐,以其叛逆的姿态和强烈的节奏,如同一股不可阻挡的洪流,席卷了整个西方世界。从猫王埃尔维斯·普雷斯利的性感魅惑,到披头士的旋律天才,再到滚石的粗粝不羁,摇滚乐的每一次革新都标志着音乐史上的重要里程碑。本章将深入剖析摇滚乐的根源,探讨其与布鲁斯、乡村音乐的融合,以及早期摇滚音乐人的创作理念。我们将见证摇滚乐如何从地下走向主流,如何成为年轻人表达自我、挑战传统的旗帜,并分析其在社会文化领域的深远影响。 第四章:百花齐放的年代——风格的多样化与融合(1970-1980年代) 摇滚乐的浪潮过后,英美音乐迎来了前所未有的多元化发展。朋克乐的激进与DIY精神,迪斯科的律动与迷幻,新浪潮的电子合成器,以及后来的新金属、另类摇滚等,各种风格争奇斗艳,相互碰撞,不断催生出新的音乐形态。本章将梳理这一时期音乐风格的演变脉络,关注那些开创性的乐队和音乐人,探讨他们如何在音乐中注入社会批判、个人情感与实验精神。我们将看到,音乐不再局限于单一的模式,而是呈现出更加丰富、个性化的面貌。 第五章:数字时代的脉搏——音乐的革新与全球化(1990年代至今) 进入数字时代,音乐的创作、传播和消费方式发生了翻天覆地的变化。互联网的兴起打破了唱片工业的垄断,独立音乐人获得了前所未有的发展机遇。嘻哈、电子音乐、另类摇滚等风格在全球范围内迅速传播,并与其他地域文化不断融合,形成了更加复杂的音乐生态。本章将探讨数字技术对音乐产业的影响,分析近年来涌现出的各种音乐风格,以及它们如何在全球化背景下相互渗透、共同发展。我们将关注那些在新媒体时代依然保持创作活力和影响力的艺术家,以及音乐如何继续作为一种强大的文化力量,连接着世界各地的人们。 贯穿全书的思考: 除了对具体音乐风格和艺术家进行梳理,本书还将始终关注以下几个核心问题: 音乐与时代精神的呼应: 每一时期的音乐都不可避免地烙印着那个时代的社会、政治和文化印记。我们将探讨音乐如何反映和塑造当时的价值观、社会思潮以及年轻人的生活状态。 英美音乐的互动与影响: 英美两国音乐在发展过程中既相互借鉴,又各自独立。本书将揭示两国音乐人之间的交流碰撞,以及各自对全球音乐格局产生的独特贡献。 音乐人的创作哲学与社会责任: 许多音乐人不仅仅是创作者,更是时代的记录者和思想的传播者。我们将深入探讨他们创作背后的动机,以及音乐在社会变革中所扮演的角色。 音乐的跨文化传播与融合: 音乐拥有超越语言和国界的魔力。本书将关注英美音乐是如何传播到世界各地,并与不同文化产生奇妙的化学反应,最终形成全球性的音乐潮流。 《流光溢彩的旋律:英美音乐百年风云》并非一本枯燥的音乐史,而是一部生动的时代画卷,一曲荡气回肠的旋律。它邀您一同沉醉于那些动人心魄的音符之中,感受英美音乐百年间跌宕起伏、绚烂多彩的生命力,并在历史的洪流中,发现音乐的永恒魅力。

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目录信息

读后感

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用户评价

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从实用性的角度来看,这本书的配套资源设计得非常用心,这一点值得称赞。内页中嵌入的二维码设计,可以快速链接到作者推荐的歌单或特定歌曲的音频片段,极大地弥补了纯文字描述在音乐鉴赏上的局限性。这种“阅读即聆听”的互动方式,极大地增强了体验的沉浸感。我尝试扫描了几个链接,发现导向的资源库整理得井井有条,分类清晰,这无疑为读者提供了一个极佳的延伸学习路径。然而,我注意到,书中对少数几首影响力巨大的经典曲目的分析篇幅,相较于一些较为冷门的B面歌曲,显得有些失衡。对于初次接触这类音乐书籍的读者而言,他们更倾向于在权威作品上获得扎实的解读作为基石,而不是一开始就被大量晦涩难懂的小众曲目所包围。这种权重的分配,使得这本书在建立读者的“音乐常识”方面显得不够平衡,更像是作者个人兴趣的投射,而非一套全面、公允的欣赏体系的构建。虽然深度挖掘冷门歌曲是专业性的体现,但对主流曲目的权威解读也同样重要。

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我花了一整个周末的时间沉浸在这本书的文字世界里,最大的感受是作者的视角极其独特且深入。他似乎不是简单地罗列歌词的字面意思,而是像一个细致的考古学家,挖掘着每一段旋律背后的文化根基和社会语境。比如,他分析某首六十年代的民谣时,竟然能将当时的政治气候、青年思潮乃至具体的服饰风格都巧妙地串联起来,使得那首歌不再是孤立的音频文件,而是一个鲜活的历史切片。这种多维度的解读方式,极大地拓宽了我对“欣赏”的理解——原来音乐的魅力,远超出了我们耳朵所能捕捉的范围。然而,这本书的缺点也很明显,那就是对音乐专业术语的使用频率过高,很多地方涉及到和声进行、曲式结构,对于没有受过正规乐理训练的读者来说,读起来会感到吃力,需要频繁查阅其他资料来辅助理解。有些段落的逻辑跳跃性也比较大,似乎是基于作者自身的知识储备在流畅地叙述,但忽略了读者可能存在的知识断层。总体来看,这本书更像是一本给资深乐迷或音乐专业人士的“进阶指南”,而非面向广大流行音乐爱好者的“入门宝典”,其专业性毋庸置疑,但普及性略显不足。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮,那种沉稳又不失雅致的深蓝色封皮,配上烫金的书名“英语歌曲欣赏”,拿在手里就有一种庄重感。初翻开扉页,我注意到纸张的质地非常考究,不是那种廉价的雪白,而是带着一丝温暖的米黄色,印刷的字迹清晰锐利,让人阅读起来十分舒适。排版上看得出编辑下了不少功夫,章节之间的留白恰到好处,不会让人感到拥挤,视觉上非常放松。尤其是每首歌的介绍部分,字体会略微放大并加粗,使得重点突出。不过,我得说,这本书的开篇部分,关于音乐史的宏观论述略显冗长和学院派,尽管文字功底扎实,但对于一个渴望快速进入歌曲解析的普通爱好者来说,前三章的理论铺垫有些厚重。我更期待的是它能迅速切入具体的作品分析,比如那些跨越时代的金曲是如何诞生的。虽然我理解理论基础的重要性,但对于入门读者而言,这种循序渐进的方式可能会让人稍微失去耐心。整体而言,这本书在物理层面上无疑是一件艺术品,体现了出版方对“欣赏”二字的重视,只是在内容的节奏把控上,似乎更偏向于学术研究者的审美,而非大众读者的即时满足感。我期待后续内容能用更生动的故事来佐证这些理论。

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说实话,这本书的目录设计让我有些迷惑,它似乎采用了某种非线性的编排逻辑,将一些看似毫无关联的歌曲放在了相邻的章节里。我本以为会是按照年代划分,或者以流派归类,结果发现它更多地是基于某种“主题精神”的关联,比如“失落与寻找”、“都市的喧嚣与宁静”等抽象概念。这种编排的好处是,它迫使读者跳出固有的分类框架去思考歌曲之间的深层联系,激发了一种探索的乐趣。比如,它能把一首八十年代的合成器流行乐,和一首近期的独立摇滚放在一起进行对比分析,探讨“疏离感”在不同音乐时代是如何被音乐人表达的,这种跨越时空的对话是令人耳目一新的。但是,对于习惯于结构化学习的读者来说,这种跳跃感可能会造成阅读上的不连贯,让人总是在寻找“我读到哪里了”的锚点。此外,书中引用的歌词翻译部分,有几处我个人感觉处理得略显保守,未能完全捕捉到英文原词的韵味和冲击力,这对于一本强调“欣赏”的书来说,是一个微妙的遗憾。

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这本书的文字风格极其沉郁、诗意,用词考究,简直像在阅读散文集,而非一本音乐评论集。作者的笔触细腻到可以描摹出歌词中主人公的一缕叹息,或者鼓点背后蕴藏的焦虑。我特别喜欢他描述情感爆发点的那些句子,往往一气呵成,画面感极强,让人读着读着仿佛就能听到那段旋律的起伏。例如,对于一首关于心碎的歌曲的分析,作者不是简单地分析“I miss you”,而是将其解构为“一种对时间不可逆转性的无力感投射”,这种哲思的深度,让人在阅读时不得不放慢速度,细细咀嚼每一个词汇。然而,这种极致的文学化表达,也带来了另一个问题——文本密度过高。大量的比喻和象征性描述,虽然提升了阅读的质感,但却稀释了核心信息的传达效率。有时候,我需要反复阅读同一段话,才能确定作者究竟想表达哪一首具体歌曲的核心思想。对于渴望快速获取信息和实用性欣赏技巧的读者来说,这本书的阅读门槛相对较高,更像是一部文学理论著作的副产品,而非独立的作品指南。

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