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出版者:

作者:杨成寅

出品人:

页数:594

译者:

出版时间:2008-11

价格:56.00元

装帧:

isbn号码:9787807305910

丛书系列:

图书标签:

• 美学
• 艺术史
• 美学
• 艺术理论
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• 审美心理学
• 艺术鉴赏

《山河旧事》 本书描绘了一幅幅浓墨重彩的时代画卷，穿越历史的烟云，聚焦于那些在变革洪流中被命运裹挟的普通人。作者以细腻的笔触，刻画了他们在动荡岁月中，如何在坚韧与妥协之间寻找生存之道，如何在情感与责任之间做出艰难抉择。 故事始于一个南方小镇，古老的石板路，斑驳的门楣，空气中弥漫着潮湿的草木香。主人公李青，一个普通的农家子弟，在时代浪潮的冲击下，被迫离开故土，踏上前往大城市的求生之路。他怀揣着对未来的憧憬，却也背负着家庭的期望与时代的压力。在大都市的钢筋水泥丛林里，他经历了城市的繁华与冷漠，见识了人性的复杂与多变。从最初的懵懂无知，到后来的精明强干，他的成长轨迹折射出那个年代无数年轻人的缩影。 书中，作者没有回避历史的沉重与现实的残酷。战争的阴影，饥饿的威胁，政治运动的动荡，都如同潮水般席卷而来，无情地拍打着每一个人的生活。然而，正是在这样的绝境中，人性的光辉才得以闪耀。李青在困境中结识了形形色色的人：有在乱世中依然坚守良知的老人，有在风雨飘摇中努力维系家庭的妇女，也有在逆境中不屈不挠的青年。他们之间的相遇与别离，构成了本书最动人的篇章。 情感的描写是本书的一大亮点。李青与青梅竹马的爱情，在时代的阻隔下，经历了漫长的等待与无奈的分离，最终成为了心中永远的遗憾。他与知己好友之间的情谊，在艰难岁月里相互扶持，成为彼此最坚实的依靠。而他对父母的思念，对故乡的眷恋，更是贯穿始终，成为他内心深处最柔软的牵挂。作者笔下的爱情，不是轰轰烈烈的传奇，而是细水长流的相濡以沫，是无可奈何的错过，是刻骨铭心的怀念。 《山河旧事》并不仅仅是一个人的故事，它更是一曲时代的挽歌。作者通过对李青及其身边人物命运的描绘，勾勒出了一个庞大而生动的社会群像。从乡村到城市，从温饱到贫困，从希望到绝望，再到新的希望，每一个细节都充满了时代的气息。书中涉及的许多历史事件，虽未直接点明，却能让经历过那个年代的读者产生强烈的共鸣，那些曾经的伤痛、喜悦、困惑与挣扎，都被作者一一还原。 本书的语言风格朴实无华，却又不失力量。作者善于运用白描手法，将人物的内心世界刻画得入木三分。场景的描写同样生动形象，无论是热闹的集市，还是萧索的乡村，都栩栩如生，仿佛跃然纸上。这种返璞归真的叙事方式，恰恰契合了本书的主题——在时代的洪流中，回归人最真实的情感与最朴素的愿望。 《山河旧事》是一部能够让人沉浸其中，反复品味的佳作。它不是关于英雄的史诗，而是关于普通人的生活史。它让我们看到，即使在最艰难的时代，个体依然拥有选择的权利，拥有爱与被爱的能力，拥有对美好生活的向往。它让我们反思，在快速变化的时代，我们是否丢失了那些最宝贵的东西，是否遗忘了那些曾经滋养我们的根。 合上书页，那些鲜活的人物形象，那些荡气回肠的故事，那些关于成长、关于失去、关于坚守的感悟，会久久萦绕在读者的心头。这不仅是一部历史小说，更是一面映照当下、审视过往的镜子，提醒我们铭记历史，珍惜当下，并以更深刻的理解去面对未来的挑战。

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我花了整整一个周末才啃完这本书，说实话，过程有些煎熬，但收获也颇丰，尤其是在理解“风格的变迁”这一核心议题上。这本书的叙事节奏非常奇特，它不像一般的美学著作那样采用清晰的章节划分来梳理流派，而是采取了一种近乎意识流的笔法，将不同时代、不同地域的美学思潮进行碎片化的对比和交织。例如，它可能在讨论巴洛克的戏剧性光影时，突然插入一段对中国宋代山水画“虚实相生”哲学的简短论述，这种跳跃性要求读者具备极高的思维整合能力。书中对于“感性经验如何转化为理性判断”这一问题的探讨，充满了哲学思辨的色彩，大量的德语和法语术语穿插其中，使得文本的密度极高，我不得不频繁地停下来查阅注释。我尤其欣赏作者在讨论色彩心理学时，引用的那些晦涩难懂的实验数据，虽然它们让阅读体验变得不那么“流畅”，却极大地增强了论证的说服力。这本书更像是一本给专业学者准备的深度研究资料，而非面向大众的普及读物，它考验的不仅是知识储备，更是阅读的耐心和对复杂系统分析的能力。

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这本书的结构就像一个巨大的迷宫，充满了各种分支和岔路口，每当你以为找到了主干道时，作者又会把你引向一个看似无关紧要的角落，然而当你回望时，却发现那个角落正是通往核心的关键。我最欣赏它那种跨学科的野心，它不仅仅局限于传统艺术领域，而是将建筑学的结构逻辑、音乐的序列理论甚至数学中的拓扑学概念都拉入美学的讨论范畴，试图构建一个宏大的、统一的审美理论体系。这种博采众长的尝试无疑是令人钦佩的，它迫使我跳出原有的思维定势，去思考美学边界的无限可能性。然而，这种广度也带来了深度上的稀释。在某些领域，比如对音乐美学的探讨，作者的论述显得过于浅尝辄止，更像是蜻蜓点水，没有给出令人信服的深入分析，读起来让人有种“高处不胜寒”的错觉，即理论太高远，而实际案例支撑不足。总而言之，这是一本极具启发性，但需要读者投入巨大精力去“解码”的学术著作。

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翻开这本书时，我期待的是一场关于“形式追随功能”还是“纯粹形式主义”的酣畅淋漓的辩论，但它给我的却是另一种体验——一种近乎冥想式的、对“观看”行为本身的解构。作者花了大量的篇幅，探讨视觉感知在不同文化背景下的差异性，重点剖析了东方文化中“意境”与西方“再现”之间的本质区别。书中的图文排版非常讲究，那些看似不相关的图像并置，实际上是作者精心设计的视觉线索，引导读者去体会那种“言有尽而意无穷”的审美境界。我个人非常喜欢作者对于“留白”艺术的处理，他用近乎诗歌的语言描述了空白空间如何成为作品的主体，而非缺失部分，这种细腻的文字功底，使得即便是枯燥的理论也变得富有诗意。美中不足的是，这本书对艺术品的物质性讨论不够充分，比如材料的选择、制作工艺对最终审美效果的影响，这些“手艺人”层面的细节被理论的光芒所掩盖，显得有些失衡。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“艺术的社会功能”这一块的阐述，这一点在很多传统美学著作中往往是被轻描淡写的。作者仿佛是一个敏锐的社会观察家，而非单纯的学院派理论家。他详细分析了中世纪行会制度如何塑造了工匠的审美标准，以及在启蒙运动时期，“公众品味”是如何被沙龙文化建构起来的。那种将艺术生产置于宏大的社会经济结构中去考察的视角，让人耳目一新。书中对艺术赞助人制度的批判尤其辛辣到位，揭示了权力如何潜移默化地干预了艺术的形态和主题。不过，在处理媒介转型的问题上，我觉得处理得略显保守。当谈及摄影和电影的兴起时，作者的笔调中流露出一丝对“机械复制时代”的忧虑和不适，虽然这种情绪可以理解，但似乎未能深入探讨新技术如何催生出全新的美学范式。这部分内容更像是对十九世纪末期思潮的回响，对于理解当今的数字化艺术生态，参考价值有限。

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这本《艺术美学》读起来，给我的感觉就像是走进了一座陈旧而宏伟的图书馆，空气中弥漫着纸张和时光混合的味道。它似乎并不急于给我一个关于“美是什么”的明确定义，反倒像是一位耐心的老者，拉着你，不紧不慢地在历史的长廊里踱步。开篇几章对于早期人类装饰行为与宗教仪式的关联探讨，非常扎实，引用了大量考古学和人类学的资料，使得那些抽象的理论变得触手可及。特别是作者对古希腊雕塑中“理想人体”构建逻辑的剖析，那种从几何比例到哲学思辨层层递进的论证方式，让我这个非科班出身的读者也感到豁然开朗。然而，书中对于后现代艺术的涉及显得略微保守和疏离，仿佛作者的知识储备在某个时间点戛然而止，对那些更具颠覆性的、挑战既有框架的当代创作，只是轻描淡写地提及，缺乏那种深入骨髓的辨析和批判力度。总体而言，它更像是一部奠基性的、强调历史传承的经典美学导论，对于寻求前沿思潮的读者来说，可能会感到意犹未尽，但作为构建稳固美学基础的砖石，它的价值是无可替代的。

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