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出版者:Oxford University Press, USA

作者:David Schulenberg

出品人:

页数:392

译者:

出版时间:2008-01-23

价格:USD 59.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780195331165

丛书系列:

图书标签:

• 巴洛克音乐
• 古典音乐
• 音乐史
• 音乐欣赏
• 西方音乐
• 音乐理论
• 作曲家
• 巴赫
• 亨德尔
• 维瓦尔第

《巴洛克之声》是一部深度探索十八世纪音乐辉煌时期的文学作品。本书将带领读者穿越时空，沉浸于那个充满戏剧性、情感张力和精湛技艺的音乐世界。 故事从巴洛克时期最耀眼的明星之一——约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的童年开始。我们追溯他如何在他音乐世家中成长，如何受到严谨的宗教和家族传统的影响，又如何在年轻时便展现出非凡的音乐天赋。本书不会仅仅罗列他的生平事迹，而是深入剖析他那些影响深远的赋格曲、清唱剧和协奏曲。我们将探讨他如何将复杂的对位技巧运用得炉火纯青，如何通过音乐语言表达深刻的精神内涵，以及他的作品如何成为后世作曲家取之不尽的灵感源泉。通过对《勃兰登堡协奏曲》等代表作的细致解读，读者将能领略巴赫音乐的严谨结构、宏大叙事以及其中蕴含的宇宙秩序感。 随后，我们将目光转向另一位巴洛克巨匠——乔治·弗里德里希·亨德尔。本书将描绘亨德尔这位充满活力和国际视野的作曲家，他如何从德国走向意大利，又最终在英国扬名立万。他的歌剧以其戏剧性的张力、华丽的咏叹调和深刻的人物刻画而著称，我们将剖析《塞西莉亚圣歌》等作品为何能引起如此广泛的共鸣。而他的神剧，尤其是《弥赛亚》，更是将宗教题材的音乐推向了新的高度。本书将深入探讨亨德尔如何运用音乐来塑造故事的起伏，如何通过宏伟的合唱和动人的独唱来传递信仰的力量和人类的情感，以及他作品中那种充满生命力的热情和辉煌。 除了这两位顶尖的作曲家，《巴洛克之声》还将触及其他同样重要的音乐家。我们将介绍阿·维瓦尔第，这位“红发神父”如何用他的小提琴奏出如歌的旋律，以及他的《四季》如何以其生动的描绘和创新的技巧征服了整个欧洲。我们将探讨多梅尼科·斯卡尔蒂的键盘音乐，感受他那简洁明快、充满西班牙风情的奏鸣曲。我们还会回溯到巴洛克早期的先驱者，如克劳迪奥·蒙特威尔第，了解歌剧是如何在他手中诞生的，以及他如何为后来的音乐发展奠定基础。 本书不仅仅是对音乐作品的简单介绍，它更是一次对巴洛克音乐创作理念和表演实践的深入挖掘。我们将探讨当时盛行的“通奏低音”在音乐织体中的核心作用，解析“狂热理论”（Affektenlehre）如何指导作曲家通过音乐来表达特定的情感。我们还会审视当时的乐器，例如维奥尔琴、鲁特琴、古钢琴以及早期的管风琴，了解它们在巴洛克音乐中扮演的角色及其独特的音色魅力。 《巴洛克之声》还会考察音乐在社会中的地位和功能。在那个时代，音乐不仅仅是娱乐，更是宗教仪式、宫廷庆典、戏剧表演乃至日常生活的不可或缺的一部分。我们将看到作曲家们如何受到教会、贵族和富商的资助，以及他们的作品如何被用于服务特定的社会目的。 本书的叙述将避免枯燥的学术术语，而是以一种引人入胜的方式，将历史背景、作曲家的人生故事、音乐理论和作品分析有机地结合起来。读者将仿佛置身于那个充满活力的时代，亲耳聆听那些伟大的旋律，感受那些深刻的情感，理解那些精妙的织体。 《巴洛克之声》旨在让任何对音乐历史感兴趣的读者，无论其专业背景如何，都能从中获得启发和愉悦。它是一扇通往巴洛克音乐宝库的窗口，也是一次对人类创造力与情感表达巅峰的致敬。通过阅读本书，您将对这个音乐史上的黄金时代有一个全面而深刻的认识，并能以全新的视角去欣赏那些流传至今的杰作。

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老实说，市面上有太多音乐史书籍写得枯燥乏味，充斥着专业术语，让人望而却步。但《巴洛克音乐之声》在保持其专业深度的同时，成功地维持了一种令人愉悦的叙事节奏。它的结构安排堪称一绝，并非简单地按时间顺序推进，而是巧妙地以“乐器发展”和“赞助体系变迁”为两条主线并行叙述。我个人对其中关于键盘乐器特别是羽管键琴在室内乐中的角色转变那一部分印象深刻。作者用生动的例子，描绘了在没有现代钢琴的时代，羽管键琴如何充当“和声引擎”和“即兴大师”的双重身份，这种描述极具画面感。此外，书中对意大利和德意志地区音乐实践差异的对比分析，也极为精妙——意大利的火热奔放与德意志的严谨内敛，在作者的笔下交织出既对立又互补的艺术图景。这本书的价值在于，它让你在学习知识的同时，也享受到了阅读的乐趣，是那种可以放在床头，随时翻阅重温的佳作。

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这本《巴洛克音乐之声》简直是为那些渴望一窥十七、十八世纪欧洲音乐辉煌殿堂的灵魂准备的钥匙。作者以一种近乎诗意的笔触，带领我们穿梭于宏伟的教堂和幽暗的宫廷沙龙之间。我尤其欣赏他对早期对位法和固定低音概念的阐述，那种层层叠叠的结构美感，没有丝毫的堆砌感，而是自然而然地涌现出一种数学般精准的和谐。书中对巴赫晚期作品的分析，简直是神来之笔，将那些复杂的赋格和卡农，解构成了一系列清晰可辨的情感脉络。我记得有一章专门讲奏鸣曲式的演变，作者没有陷入枯燥的学术术语，而是通过对比柯列里和维瓦尔第的作品，生动地展示了器乐叙事方式是如何从相对简单的段落交替，发展到后世那种戏剧性的张力与释放。阅读这本书的过程，就像是受邀参加了一场永不落幕的皇家音乐会，每一个音符、每一个装饰音，都仿佛在诉说着那个时代特有的庄严与激情。对于初学者来说，它提供了坚实的基础；对于资深爱好者而言，它提供了全新的视角去重新审视那些耳熟能详的旋律，令人回味无穷。

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我必须承认，最初我对阅读一本关于“巴洛克”的音乐书籍抱有很高的期望，但这本书的深度和广度远远超出了我的预期。它最吸引我的地方在于，它不仅仅停留在对作曲家生平的罗列和作品的简单介绍上，而是深入挖掘了当时的文化土壤如何塑造了这种音乐风格。比如，书中对新教改革对清唱剧（Cantata）发展的影响进行了细致的考证，那种将神学思考融入到音乐结构中的做法，让那些原本听起来有些“严肃”的作品，瞬间充满了人性与信仰交织的张力。此外，作者对于歌剧早期“调式”（Modality）的运用，特别是威尼斯学派如何从复调转向独唱宣叙调（Recitative）的过渡描写，简直是教科书级别的示范。我花了整整一个下午的时间，对照着书中的图表来聆听蒙特威尔第的片段，那种豁然开朗的感觉，比单纯听音乐本身要深刻得多。它迫使你思考，音乐不是孤立存在的艺术品，而是特定历史时期社会心理和技术革新的产物，这种宏大的历史观，让我对巴洛克音乐的敬畏之情更深了一层。

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这本书的行文风格极其冷静、克制，仿佛作者本人就是那个时代的一位哲学家，而非一个旁观的评论家。我尤其欣赏它在讨论“狂想”（Affekt）理论时所采取的审慎态度。作者没有简单地将某种固定音型与某种单一情感划等号，而是详细解析了不同音高、不同调性以及不同器乐组合在特定语境下如何共同建构出复杂的情感图景。例如，在分析亨德尔清唱剧中的咏叹调时，书中对“装饰”（Ornamentation）的处理着墨颇多，强调了即兴发挥在巴洛克演奏实践中的核心地位，这完全颠覆了我过去认为巴洛克音乐是“被严格固定”的刻板印象。它告诉我，所谓的“固定”往往只是一个框架，框架内蕴含着巨大的自由和创造力。这种细致入微的观察，使得阅读过程既具有学术的严谨性，又不失对音乐活泼生命力的捕捉。读完之后，我感觉自己仿佛掌握了一套“阅读”巴洛克乐谱的密码，能够听到其中隐藏的对话和辩论。

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这本书对我最大的启发在于它对“美学转变”的深刻洞察。它没有将巴洛克视为一个孤立的音乐时代，而是将其置于更宏大的十七世纪哲学思潮之中，特别是笛卡尔的理性主义和早期科学发现的影响。书中关于“巴洛克”一词的词源解析以及它如何从一个带有贬义的“怪异、过度装饰”的形容词，逐渐被音乐史学家重新定义和接纳的过程，非常发人深省。它让我明白，我们今天所赞美的那些繁复的装饰音、那些强烈的对比和戏剧性，在当时的历史语境下，可能是一种对情感的“真实”表达，而非后世批判的那种“矫揉造作”。书中对晚期音乐中“退潮”现象的描述尤为精彩，如何预示着洛可可和古典主义的到来，那种音乐风格交替的微妙信号，被作者捕捉得丝丝入扣。这本书不仅仅是关于巴洛克音乐的历史，更是关于艺术如何回应时代精神的一部精彩论述，读完后，我对整个西方音乐史的脉络都有了更清晰的认识。

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