This collection of essays, drawn from scholarship over the last forty years, explores the drama of four of the most influential proponents of modernism in European Drama: Ibsen, Strindberg, Pirandello, and Beckett. Although there are other dramatists who also contributed to Modernism, these four illustrate widely different and contrasting aspects to the movement. Since discussions of Modernism are generally restricted to poetry, novels, or the fine arts (painting, sculpture), examining theatre from this perspective covers new ground. The choice of these four dramatists as the subjects of the volume reflects the large percentage of essays dealing with their work published by Modern Drama, the leading scholarly journal in the field, which in turn is a measure of the centrality of these particular playwrights in critical discourse. The essays here have been selected to cover the main elements of the work of each of the four dramatists, with the aim of creating a useful teaching tool for university courses. Since some of the essays selected go back to the 1960s, while others are very contemporary, this volume also offers a perspective on the historical development of critical theory.
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这本书的语言风格,虽然准确严谨,但缺乏一种能够激发读者对这些经典作品进行二次阅读的激情。它更像是一部学术工具书的目录式总结,而非一部充满洞见的评论集。在论述诸如奥尼尔或肖洛克等过渡期人物时,作者倾向于用一种后见之明来评判他们的成就,而不是设身处地地理解他们在当时所处的困境——即如何在继承了现实主义的躯壳下,艰难地向更具象征性和实验性的未来迈进。我发现自己不断地在书中寻找那种“啊哈!”的瞬间,即作者能够将看似分散的戏剧事件串联起来,揭示出一个宏大而令人信服的变革图景。然而,这种宏大的叙事往往被局部的、细枝末节的文本考证所打断。如果作者能更侧重于剧作家的“创作意图”与“最终呈现效果”之间的张力,并探讨观众对这些激进变革的初期反应,那么这本书的价值无疑会大大提升。目前的结构,使人感觉它更像是对既定结论的复述,而非对历史过程的再发现。
评分这部关于欧洲戏剧现代主义的著作,在深入剖析剧本的演变脉络时,似乎遗漏了对当时社会思潮与戏剧美学之间复杂互动的细致考察。我期望看到的是,作者如何将易卜生和斯特林堡的自然主义实验,置于十九世纪末的社会焦虑和心理学革命的背景下去审视。例如,他们如何回应尼采对传统道德的颠覆,以及弗洛伊德对潜意识的探索对角色建构产生了何种不可逆转的影响。然而,书中更多地聚焦于文本内部的结构分析,对于外部驱动力,如剧院技术的革新——灯光、舞台设计的突破性应用如何服务于现代主义主题的表达——也着墨不多。特别是关于舞台空间如何从传统的“玻璃盒子”转向表现主义或象征主义的非自然化表达,书中给出的解释显得有些隔靴搔痒。总体而言,它提供了一个坚实的文本基础,但未能充分揭示现代主义戏剧作为一种文化现象的丰富性和多维度张力。我对书中对布莱希特叙事剧的理论探讨略感失望,感觉其“间离效应”的讨论停留在教科书式的阐释层面,缺乏对该技术在实际演出中产生的政治和情感冲击力的深入挖掘。
评分对于那些对戏剧技术史有深入了解的读者而言,这本书在涉及舞台设计和导演艺术的论述上,提供的信息深度略显单薄。现代主义戏剧的革命性,很大程度上是通过打破传统舞台布景的限制,创造出全新的、具有心理暗示作用的空间来实现的。书中对阿道夫·阿皮亚和爱德华·戈登·克雷的先驱性贡献的提及,停留在他们理论思想的罗列,而未能充分阐释这些思想如何具体地、颠覆性地改变了欧洲剧场的视觉语言。我渴望看到关于灯光如何从单纯的照明工具,转变为表达角色内心状态或环境氛围的叙事要素的详细分析;或者,关于音乐在瓦格纳之后的戏剧中如何被重新定位,用以制造而非仅仅补充戏剧冲突的案例。这本书似乎过于专注于“写在纸上的剧本”,而对“在舞台上被实现出来的戏剧”的物理性和感官冲击力,估计不足,使得对现代主义戏剧的理解停留在文字层面,无法触及其真正的革新核心。
评分翻开这本书,我立刻感受到了一种扑面而来的、对剧作文本的近乎偏执的细读倾向,这对于希望了解二十世纪上半叶欧洲舞台艺术“感觉”的读者来说,可能略显枯燥。我们都知道,现代主义不仅仅是剧词的重构,它更是对观看经验本身的彻底颠覆。这本书似乎更热衷于追溯从梅特林克到尤奈斯库的象征主义线索,但对于“戏剧性”本身如何被质疑和解构的过程,叙述得不够生动有力。例如,在讨论荒诞派时,我期待能看到更多关于其对战后欧洲存在主义哲学氛围的回应,以及这种哲学上的虚无感是如何通过舞台上的沉默、重复和无意义对话转化为一种具体的、令人不安的剧场体验的。书中对早期表现主义的描述,虽然详尽,却少了一份那种原始的、对机械化社会的愤怒和对内在精神世界的狂热探寻的能量。仿佛作者只是在整理一份详尽的目录,而非重现一场场改变历史的演出现场。它提供的“知识”是清晰的,但“体验”却缺失了。
评分坦率地说,这本书在处理不同国家戏剧流派之间的交叉影响时显得有些保守和线性。它将德国的表现主义、法国的超现实主义以及英国的现代主义戏剧家们,置于相对孤立的叙事框架内进行讨论,使得读者难以捕捉到国际戏剧节和流亡知识分子网络如何加速了这些新思潮的传播与融合。我特别想知道,在两次世界大战的夹缝中,不同国家剧作家们如何共享或竞争着对“新的现实”的戏剧化表达。比如,俄罗斯的先锋派戏剧对西方的影响,书中似乎一笔带过,未能充分展现其对未来主义和建构主义的深远意义。此外,对于女性戏剧家在这一时期的挣扎和贡献,这本书的关注点似乎仍旧停留在主流的男性话语体系内,她们如何运用或颠覆现代主义的既有语言来表达性别和身份的困境,这方面的论述显得力度不足,甚至有些工具化了。我们需要的不是对流派的简单归类,而是对其复杂互动和冲突的深度剖析。
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