絵画に見る近代中国

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出版者:大修館書店
作者:ウィリアム・シャング
出品人:
页数:212
译者:
出版时间:2001年06月
价格:3,360円(税込)
装帧:
isbn号码:9784469232158
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 历史
  • 中国近代史
  • 绘画史
  • 艺术史
  • 文化史
  • 图像研究
  • 近代中国
  • 视觉文化
  • 历史研究
  • 东亚艺术
  • 绘画
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具体描述

鮮やかに描き出されたアジアの幻想と現実。カラー図版154点・モノクロ図版21点。本書では、18‐19世紀に、アジアとりわけ中国の南部・珠江デルタ地域と呼ばれるマカオ、広東(今日の広州)、香港、さらには旧海峡植民地のマラッカ、ペナン、シンガポールなどの地域で描かれた異文化接触、または文化摩擦を視覚化した作品に着目した。

目次

第1章 記録画の由来

第2章 ウィリアム・アレグザンダーの見た中国

第3章 広東(広州)―中国人画家たちの創作活動

第4章 黄埔・虎門―パターン化された表現

第5章 マカオ‐ジョージ・チネリーと欧米人画家たち

第6章 香港―風景画に見る時代の流れ

第7章 中国内陸部およびその他の地域

第8章 セットになった作品

「絵画に見る近代中国」是一部深入探讨19世纪末至20世纪中叶中国绘画变迁与社会文化交织的研究著作。书中从视觉艺术这一独特视角切入,梳理了近代中国绘画发展的关键阶段,尤其聚焦于图像表达如何反映国家转型、民族意识觉醒及现代化进程。通过分析官方档案中的绘画作品、艺术家私人笔记以及跨国展览记录,本书揭示了传统水墨技法与西方油画技法的碰撞与融合,呈现出一幅充满张力的视觉史图景。 作者深入考察了甲骨文与青花瓷等古老艺术遗产在近现代绘画中的再诠释,指出许多艺术家在重构中国传统美学时,刻意将民间图案、宗教仪式和民族符号融入新兴绘画语言,以此强化“本土性”身份。特别是南画与北画传统的变脸演变,展现出从古典程式走向个体表达的重要转折点。书中详细讲述了民国时期艺术学院的兴起及其对教学体系的重塑,揭示制度化传播如何推动现代绘画教育的发展,同时也暴露出传统与西方艺术理论间的张力。 通过大量高清图录和原图分析,书中呈现了超过百幅重要绘画作品,从繁复的宫廷肖像到朴素的乡村风景,涵盖新文化运动、五四变革及抗日战争时期的艺术实践。特别注重女性画家与边缘群体在绘画领域的参与,补充了主流叙事中的缺失,使读者得以窥见不只是精英视角下的艺术演进,更有社会底层声音的渗透。 此外,本书还探讨了近代中国图画与国际艺术潮流的互动,如西方印象派对光影处理的影响,以及日本绘画在外交文化背景下的传播路径。这些跨域比较使研究超越国界,揭示中国绘画不仅是内向变革,更是在全球艺术语境中寻求定位与表达。 整部著作以严谨的考证、细腻的图像解读及丰富的历史背景,将“絵画に見る近代中国”转化为一部多维度的视觉史诗,既适合学术研究者参考,也能让普通读者深入理解中国现代文化形成中的艺术动力与精神脉络。

作者简介

シャング,ウィリアム(Shang,William)

日本名、安田震一。1957年東京生まれ。米国カリフォルニア州ラバーン大学卒業。コロンビア大学大学院、国際政治学部、北京大学大学院国際政治学部、東京大学大学院総合文化研究・地域文化研究課程に学ぶ。現在、香港大学アジア研究センター名誉研究員、吉備国際大学社会学部助教授

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书带给我最大的启发是关于“风格的偶然性与必然性”。通过书中呈现的那些风格迥异的作品,我开始思考,究竟是时代的大潮塑造了艺术家,还是艺术家的个体选择共同构成了时代的风貌。那些记录城市变迁的早期摄影作品般的绘画,那种对现实的冷静捕捉,与同时期表现主义画家对内心世界的激烈外放形成了强烈的对比,但两者似乎都在试图回答同一个问题:在剧变的现代世界中,“我是谁”以及“我如何看世界”。装帧的侧边工艺处理得非常考究,每一页的裁切都精准有力,体现了出版方对艺术品呈现的极致尊重。总而言之,这是一部需要反复品读的著作,每一次翻阅都能在那些历史的影像和作者的洞察中,发现新的层次和新的共鸣。

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这本书的排版设计简直是艺术品级别的,每一页的留白都恰到好处,使得画面之间有了呼吸的空间,阅读体验极其流畅舒适。我发现它在处理一些敏感时期的艺术创作时,处理得相当克制而有深度。例如,对于那些带有强烈宣传性质的早期红色艺术作品,它没有进行简单的好坏评判,而是细致分析了其符号语言是如何被建构和传播的,那些农民和工人的形象,是如何从模糊的集体符号逐渐演化出具有个性的视觉代表的。这种中立而深刻的分析视角,让我对那个时期的艺术功能有了全新的理解。此外,书中收录的一些早期艺术家的素描练习和习作,简直是无价之宝,它们揭示了艺术语言从模仿到创造过程中那些不为人知的“学徒阶段”,展现了专业训练的严谨性与艺术直觉的火花碰撞。

评分☆☆☆☆☆

我必须得提到这本书在视觉叙事上的高超技巧。它不仅仅是一本图册,更像是一部视觉编年史。通过对不同画派作品并置的安排,读者可以清晰地感受到艺术风格是如何在碰撞、融合与对立中生长的。比如,将学院派的古典人物造型与新艺术运动中那些充满装饰性的曲线元素放在一起比较,那种内在的对话感就油然而生了。书中所配的学术评论文字,虽然专业性很强,但行文流畅,绝无晦涩难懂之感,很多段落的论述都直击要害,精准地指出了不同艺术思潮的核心矛盾。特别是关于“中国画的现代性转型”这一章节,作者对笔墨本体论和西方绘画空间观念的融合路径进行了细致入微的梳理,让人看完后对近百年中国水墨艺术的走向有了豁然开朗的认识,这是许多普通艺术史读物所不具备的穿透力。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书,我脑子里构建起了一幅相当清晰的近代中国知识分子群体的精神肖像。那些油画作品中人物眼神里流露出的迷茫、渴望和坚韧,简直是那个风云变幻时代心声的直接投射。我尤其喜欢它对不同媒介之间张力的探讨,比如水墨画在面对摄影技术冲击时如何寻求自身的现代性突围,那些试图用传统笔墨来表现工业化场景的尝试,充满了矛盾的美感和勇气。书中的文字部分也做得非常到位,它没有过度解读艺术家的个人生平,而是将艺术创作置于更广阔的社会思潮中去考察,比如“科学与民主”思潮对写实主义绘画普及的影响,以及民族主义情绪如何催生出歌颂劳动者和山河壮丽的主题画作。读到一些对早期美术教育体系建立过程的描述时,我仿佛能看到那些先驱者们在摸索中前进的艰辛,那种对艺术本体的思考和对民族文化未来的忧虑,是如此的真切动人。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计真是一绝,拿到手上就能感觉到那种沉甸甸的质感,纸张的选择也格外讲究,那种微微泛着冷光的哑光处理,让每一幅画作的色彩都显得既饱和又不失内敛。我特别留意了它对不同历史时期艺术风格的梳理,比如从晚清时期对传统文人画的坚守与挣扎,到民国初年留学归来的艺术家们如何将西方写实主义的技巧引入中国,那几幅描绘城市街景的作品,光影的处理简直令人拍案叫绝,完全捕捉到了那个时代特有的躁动与变革的气息。更让我惊喜的是,它并没有仅仅停留在对宏大历史叙事的简单罗列,而是深入到那些鲜为人知的民间艺术和地方画派的影响,比如川渝地区那种粗犷有力的民间版画风格,或者江南水乡细腻温婉的扇面小品,这些细节的呈现,让整个近代中国的视觉文化图景变得立体而丰满,不是那种教科书式的干巴巴的介绍,而是充满了生命力的视觉盛宴。

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