Treatise on Musical Objects pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:University of Berkeley Press

作者:[法]Pierre Schaeffer

出品人:

页数:624

译者:Christine North

出版时间:2017

价格:USD 45.00

装帧:平装

isbn号码:9780520294301

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• theory
• phenomenology
• 现象学
• 哲学
• sound
• musicology
• media
• 音乐学
• 音乐理论
• 音乐哲学
• 符号学
• 结构主义
• 音乐分析
• 现代音乐
• 对象导向
• 音乐认知
• 20世纪音乐

《声场中的感知与构建：音乐结构与听觉体验的跨学科研究》 书籍简介 本书深入探讨了音乐作为一种复杂的感知现象与构建体系，跨越了传统音乐学、心理声学、认知神经科学以及现象学哲学的边界。我们不再将音乐视为仅仅由音高、节奏和和声构成的线性序列，而是将其置于一个动态的、具身的、依赖于环境与文化背景的声学空间中进行考察。本书的核心目标在于解构听者如何将无形的声波转化为意义、结构与情感体验的内在过程，并反思音乐对象在不同听觉场域中的存在状态。 第一部分：声波的物理实在与听觉的心理塑形 第一章“振动的边界：声学物理学在音乐感知中的隐喻性”从基础物理学出发，探讨了声波的传播特性——频率、幅度、频谱包络——如何在大脑中被转译为我们所识别的音高、音色和响度。重点分析了驻波、房间反射（混响）以及多普勒效应等物理现象对听觉空间感的塑造作用。我们提出，音乐的“物质性”并非仅存于乐器或乐谱，更在于其与听者所处环境的实时互动。 第二章“听觉皮层的工作原理：从初级听觉区到意义建构”聚焦于神经科学的视角。通过回顾近二十年来功能性磁共振成像（fMRI）与脑电图（EEG）研究的成果，本书详述了听觉信息如何被分解、重组，并与前额叶皮层的情感记忆系统以及运动前区（与节奏和预期运动相关）进行交互。我们特别关注了“预期违背”（Expectation Violation）在音乐愉悦感中的作用，以及大脑如何利用上下文信息来预测和填补缺失的音乐信息。 第三章“时间性的流动：节奏、节拍与具身性体验”挑战了将时间视为均匀流逝的线性模型。本书引入了“时间感知的不对称性”概念，探讨了对同步性（Synchronicity）的追求如何成为一种具身性的、社会性的行为，尤其是在集体音乐体验（如舞蹈或合唱）中。我们分析了亚节奏（Sub-beat timing）的微小差异如何影响对音乐“律动感”（Groove）的判断，并将其与运动皮层和镜像神经元的活动联系起来。 第二部分：结构、形式与意义的非线性生成 第四章“和声的张力场：调性系统之外的结构关系”是对传统和声学的一次深刻反思。本书并未局限于传统的调性功能理论，而是转向了对集合理论（Set Theory）、音高空间（Pitch Space）的拓扑学分析，以及非西方音乐体系中基于比例和纯律的声学关系。我们考察了微音程（Microtonality）如何挑战大脑对“音高稳定”的预期，以及听者如何构建临时的、非传统的“听觉中心”。 第五章“音乐形式的动态景观：从宏大叙事到瞬间的聚合”将音乐形式视为一个不断重塑的场域，而非固定的蓝图。通过分析复杂的复调作品（如巴赫的对位法）与极简主义作品（如赖利或拉蒙特·扬的持续音），本书探讨了两种极端形式下，听者如何构建对“统一性”和“变化性”的感知。我们提出了“结构松散度”的概念，用以描述听众在缺乏明确引导时，对信息流的自组织能力。 第六章“语境的滤镜：文化、技术与音乐对象的变异”探讨了音乐符号的生成与消解过程。从口头传统到印刷乐谱，再到数字采样和流媒体环境，音乐的“对象性”是如何被其载体所形塑的。我们深入分析了“音色”（Timbre）作为一种文化编码的复杂性，例如，一个特定乐器在不同文化背景下的象征意义如何直接影响其感知到的情感价值。 第三部分：现象学、主体性与音乐的本体论反思 第七章“倾听的意向性：海德格尔、梅洛-庞蒂与音乐的在场”是本书的哲学核心。我们借鉴了现象学传统，探讨了“倾听”不仅仅是被动的接受，而是一种主动的“意向性行为”。音乐的“在场性”如何通过听者的身体性（Embodiment）和对未来声音的预期，被动态地建构出来。音乐对象并非独立存在，而是“被聆听的存在”。 第八章“情感的共振：从生理唤起到情境化反应”试图弥合“情感是内在的”与“情感是外在的”这两种观点。本书主张，音乐引发的情感并非仅仅是神经化学反应，而是主体对音乐所描绘的“结构性可能性”的投射与共鸣。我们区分了“愉悦感”（Liking）和“感动”（Being Moved），后者往往涉及到对个人生命叙事与音乐时间性结构的深刻耦合。 第九章“静默的维度：声音的缺失与音乐边界的重划”将分析焦点转向了“非音乐”或“背景声”。通过考察约翰·凯奇的实践以及当代声音艺术，本书论证了静默并非声音的真空，而是声场中听觉注意力的重新分配区域。在音乐体验中，听者对“未被演奏之物”的感知，与其对实际声音的感知同等重要，它定义了音乐作品的边界和张力。 结论：音乐学作为一种感知实践的重构 本书最后总结道，对音乐的理解必须回归到其作为一种动态的、以人为中心的感知实践这一本质。音乐对象不是固定的文本，而是一系列不断被激活、被解释、被具身化的事件。未来的音乐研究需要更加整合地考察物理声学、认知神经学、社会文化背景以及个体的主观体验，从而更全面地把握声音艺术的全部深度。本书旨在为学者、音乐家以及所有热切的听众提供一个全新的框架，用以探索我们与声波世界之间复杂而迷人的关系。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本《论音乐客体》（Treatise on Musical Objects）的书，我断断续续地读了有几个月了，而且每次翻开，都能从中挖掘出新的东西，那种感觉就像是在一个巨大的、从未被完全探索过的音乐宇宙中漫步。起初，我被书名所吸引——“音乐客体”这个词本身就充满了哲学意味，让我好奇作者将如何解构我们习以为常的音乐元素。书中对于音高、音色、节奏、力度等基本要素的分析，远非简单的定义罗列，而是深入到了这些“客体”是如何在我们感知中形成，又是如何相互作用，最终构建出完整的音乐体验的。作者通过一系列精妙的比喻和严谨的逻辑，将抽象的音乐理论变得触手可及。例如，他对“节奏”的阐述，我印象尤为深刻，书中并没有简单地将其视为时间的划分，而是将其描绘成一种动态的能量流动，一种推动音乐前进的内在张力。他甚至探讨了节奏在不同文化、不同音乐风格中的变体，以及这些变体如何塑造了听众的情感反应。更让我惊叹的是，作者并没有止步于对现有音乐现象的解释，而是大胆地提出了关于“潜在音乐客体”的构想，那些尚未被发掘、尚未被具象化的音乐可能性，这简直是为我的音乐创作打开了新的思路。我常常在听音乐的时候，会下意识地去思考，书中提到的“客体”在其中扮演了怎样的角色，这种思考方式极大地丰富了我对音乐的理解深度，让我不再仅仅是一个被动接受的听众，而是变成了一个主动的、批判性的音乐探索者。这本书，真的让我对音乐这门艺术有了全新的认识，它不仅是理论的宝库，更是激发灵感的源泉。

评分☆☆☆☆☆

我承认，《论音乐客体》这本书，让我对音乐的“感知”方式发生了根本性的改变。过去，我听音乐，更多的是一种“听见”，而现在，我似乎开始“看见”音乐了。作者对于“音乐的视觉化”的探讨，给我留下了深刻的印象。他并没有直接将音乐与画面等同，而是通过分析音乐客体之间的相互关系，以及它们在听觉空间中的分布，来帮助我们“想象”出音乐的视觉形象。例如，他通过对复调音乐中不同声部的运动轨迹的描述，让我仿佛能够“看到”那一张张交织的音符线条在空间中舞蹈。他还将一些抽象的音乐概念，比如“力度对比”、“音色变化”，转化为更具象的视觉语言，让我能够更直观地理解音乐的织体和表情。更让我觉得神奇的是，作者甚至讨论了“音乐的触感”——是的，你没听错，触感！他认为，音乐的某些特性，比如节奏的脉动、和声的厚重，甚至可以被我们感知到一种“质感”，一种物理上的“触碰”。这种跨感官的连接，极大地丰富了我对音乐的体验，让我觉得音乐不仅仅是声音，更是一种能够被全身心感受的“物质”。这本书，真的让我领略到了音乐的无穷魅力，它不再仅仅是耳朵的享受，而是一种全方位的感官盛宴。

评分☆☆☆☆☆

《论音乐客体》这本书，在我看来，是一本“解构”音乐的杰作。它没有直接告诉你“如何写出好音乐”，而是让你深入地理解“音乐是什么”。作者对“音乐的构成单元”进行了极其细致的解剖，让我第一次意识到，我们习以为常的“音”，其实是多么复杂的集合体。他深入分析了音高、音强、音长、音色、音质等等，并不仅仅是列出这些要素，而是探讨了它们各自的属性，以及它们之间是如何相互影响，共同构成一个完整的“音乐客体”。书中对于“音响的物理学”和“听觉的心理学”的结合，给我留下了深刻的印象。作者用严谨的科学态度，去解释那些我们直观感受到的音乐现象，让我不禁感叹科学与艺术的完美结合。他甚至对“噪声”和“音乐”的界限进行了探讨，让我开始思考，什么是音乐，什么又不是音乐，而这种界限，是否是绝对的。这本书，让我不再将音乐视为一个整体，而是能够清晰地看到它每一个组成部分的精妙之处，也更加敬畏那些能够将这些“客体”巧妙组合，创造出伟大音乐作品的作曲家们。

评分☆☆☆☆☆

这是一本真正能够“挑战”你的思维的书。我反复阅读《论音乐客体》的某些章节，因为我发现，作者提出的观点，很多都颠覆了我过去对音乐的一些固有认知。《论音乐客体》并没有给出现成的答案，而是提出了一系列深刻的问题，引导读者去思考。比如，书中对于“音乐的意义”的探讨，就让我陷入了沉思。作者并不急于给出“音乐是否具有客观意义”的结论，而是从音乐客体的性质、音乐的语境以及听众的主体性等多个角度，层层递进地分析了这一复杂的问题。他认为，音乐的意义并非单一、固定的，而是动态地产生于音乐客体与听众之间千丝万缕的联系之中。他甚至探讨了“符号学”在音乐分析中的应用，将音乐客体视为一种特殊的符号系统，而听众则是在解读这些符号的过程中，构建起自己对音乐的理解。这种开放式的探讨方式，让我觉得非常有价值，因为它鼓励了我独立思考，而不是被动接受。此外，作者在书中还涉及了“音乐的美学”问题，他并没有简单地列举美的标准，而是从音乐客体本身的特性出发，去探究那些能够引起我们审美愉悦的根源。这本书，确实是一场思想的盛宴，它让我开始用一种更具哲学性的眼光去审视音乐，去理解音乐的复杂性和多样性。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，《论音乐客体》这本书，对我这个非音乐专业出身的读者来说，一开始确实有点挑战，因为它涉及的音乐学概念相当专业，而且作者的思考方式也相当深邃。然而，正是这种挑战，反而激起了我更大的阅读兴趣。书中的一些章节，比如关于“音乐的结构与形式”的探讨，让我第一次对乐曲的组织方式产生了清晰的认知。作者并没有简单地套用现成的音乐体裁分析，而是试图从音乐客体的相互关系和演变规律出发，来揭示不同音乐形式诞生的必然性。他分析了奏鸣曲式、赋格等经典结构，并非仅仅罗列其内部的段落划分，而是深入到构成这些结构的“客体”是如何在时间和空间中展开、发展和对比的。更令我印象深刻的是，作者在书中穿插了一些对古典音乐大师作品的深度解读，将抽象的理论与具体的音乐实践紧密结合，让我在理解理论的同时，也仿佛重新认识了那些我早已熟悉的乐曲。他提出的“音乐发展的动力学”理论，让我开始理解为何某些音乐主题会不断变化，为何音乐会从平静走向高潮，又为何会最终回归宁静。这本书让我意识到，音乐的魅力不仅在于悦耳的声音，更在于其背后那精妙绝伦的结构和逻辑。虽然有些地方我可能还需要反复阅读才能完全领悟，但每一次的深入，都让我对音乐的理解更上一层楼，也更加敬畏音乐的博大精深。

评分☆☆☆☆☆

这本《论音乐客体》的阅读体验，对我而言，是一次“发现之旅”。它像是一张藏宝图，引导我深入音乐的腹地，去挖掘那些隐藏的宝藏。我特别赞赏作者对于“音乐的演进与变迁”的洞察。他并没有将音乐史视为简单的线性发展，而是通过对音乐客体如何在不同历史时期被重新诠释、被赋予新的意义的分析，来揭示音乐发展的内在动力。他探讨了各个时代作曲家们是如何在继承前人的基础上，不断挑战和拓展音乐客体的边界，创造出属于他们那个时代的独特声音。书中对不同音乐风格的比较分析，也让我受益匪浅。例如，他将巴洛克时期的音乐客体与古典时期、浪漫时期的音乐客体进行对比，让我清晰地看到了音乐风格演变的脉络和逻辑。这种深入骨髓的分析，让我不再只是被动地接受各种音乐风格，而是能够理解它们产生的土壤，以及它们在音乐发展史上的重要意义。这本书，让我对音乐史有了更深刻、更系统的认识，也让我对音乐的演进过程充满了好奇和探索欲。

评分☆☆☆☆☆

《论音乐客体》这本书，彻底颠覆了我过去对音乐的“静态”认知，让我开始理解音乐的“动态”之美。作者对于“音乐的生成与消逝”的阐释，给我带来了前所未有的启发。他并没有将音乐视为一旦创作完成就固定不变的作品，而是将其看作一个不断生成、发展、直至消逝的动态过程。他分析了音乐客体是如何在作曲家手中被“创造”出来，又如何在演奏家手中被“激活”，最终在听众的感知中“完成”的。书中对“音乐的即兴性”的探讨，尤其让我着迷。他认为，即使是经过严谨谱写的音乐，在演奏过程中也充满了“生成”的可能性，演奏家每一次的演绎，都是对音乐客体的一次新的诠释和再创造。这种对音乐“生命力”的关注，让我觉得音乐不再是冰冷的乐谱，而是一种鲜活的、流动的艺术。更让我惊喜的是，作者还触及了“音乐的未来”——那些尚未被我们想象到的音乐客体，那些未来可能出现的音乐形式。这种对音乐前瞻性的思考，让我觉得这本书不仅仅是在回顾过去、分析现在，更是在展望未来。它让我相信，音乐的探索永无止境，总有新的“客体”等待我们去发现和创造。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，《论音乐客体》这本书，就像是打开了一扇通往音乐内在世界的奇妙之门，让我看到了许多我从未注意过的风景。我尤其着迷于作者对于“音乐动觉”的阐释。他不仅仅将音乐视为听觉上的享受，更将其视为一种身体的体验。他探讨了音乐的节奏、旋律和力度如何在我们内在产生共鸣，如何引发我们身体的某种冲动，甚至是情感的波动。他甚至将音乐的“动觉”与舞蹈、戏剧等其他艺术形式进行了有趣的类比，让我意识到，音乐其实是一种能够触及我们身体深处，引发多感官联觉的艺术。书中对于“音乐空间”的讨论，也让我大开眼界。我们通常认为音乐是发生在时间的，但作者却提出了音乐可以营造出一种“听觉空间”，这种空间可以通过和声的色彩、音色的层次以及乐器的定位来塑造。他分析了不同时期、不同作曲家是如何利用这些“音乐空间”来达到不同的艺术效果的。例如，他对巴洛克时期音乐中清晰的声部织体如何营造出一种“向上”的空间感，以及浪漫主义时期音乐中厚重的音响如何构建出一种“深邃”的听觉体验，都让我印象深刻。这本书的价值在于，它拓展了我对音乐的感知维度，让我不再局限于耳朵，而是调动了全身心去感受音乐的力量。

评分☆☆☆☆☆

《论音乐客体》这本书，对我来说，是一次关于音乐的“深度挖掘”。它不仅仅是在介绍音乐的构成要素，更是在解析这些要素背后的“为什么”。我特别喜欢书中对于“音乐的记忆与情感”的分析。作者提出，音乐客体不仅仅是声音的组合，更是承载着我们情感和记忆的载体。他探讨了某些旋律、某些和弦是如何轻易地勾起我们内心深处的回忆，又是如何唤醒我们遗忘的情感的。他甚至从心理学的角度，分析了音乐对我们情绪的影响机制，以及为什么有些音乐能够让我们感到振奋，有些则让我们悲伤。书中提到的一种“情感共振”的现象，让我对此深有体会，仿佛书中的每一个字，都触碰到了我内心深处的某个角落。更让我感到惊喜的是，作者还对“音乐的创新与传统”进行了深入的探讨。他认为，真正的音乐创新，并非是对传统的全盘否定，而是在对音乐客体深刻理解的基础上的发展和演变。他通过分析不同时代、不同风格的音乐，揭示了音乐发展过程中，旧的客体如何孕育新的客体，新的客体又如何丰富和拓展了音乐的边界。这本书，让我看到了音乐发展的内在逻辑，也让我对音乐的未来充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我通常不是那种会深入钻研音乐理论的人，我对音乐的感受更多是直觉式的，然而，《论音乐客体》这本书，却以一种极其引人入胜的方式，让我开始重新审视我对音乐的理解。它没有给我枯燥的概念灌输，而是用一种对话般的语气，引导我一步步地去探索音乐的本质。我特别喜欢书中关于“音色”的章节，作者将音色比作音乐的“灵魂”，阐述了它如何赋予乐器独特的个性，又如何影响着音乐的情绪表达。他甚至分析了不同乐器在音色上的细微差异，以及这些差异如何在合奏中产生奇妙的化学反应。书中提到的一种“音色叠加”的现象，让我脑海中立刻浮现出许多具体的音乐片段，感觉仿佛作者就是在我耳边亲自进行演示一般。此外，作者对于“和声”的解读也颇有见地，他认为和声不仅仅是音符的简单组合，而是一种空间感的营造，一种在听觉维度上产生的深度和广度。通过对和声进行历史性的梳理和哲学性的思考，我才意识到，我们在听觉上所感受到的“和谐”或“不和谐”，其实背后有着更深层次的音乐逻辑和情感联系。这本书让我明白，原来我一直以来对音乐的喜爱，并非仅仅是表面的旋律和节奏，而是被这些隐藏在深处的“客体”所深深吸引。它不仅仅是一本音乐理论书籍，更像是一本关于如何“听”音乐的指南，教会我如何更敏锐、更深刻地去捕捉音乐中的每一个细节，以及它们是如何共同作用，最终打动我的。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆