Workbook for Tonal Harmony pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McGraw-Hill

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页数:0

译者:

出版时间:1989

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780075570172

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《和声的色彩：通往音乐语言的深度探索》 本书简介 《和声的色彩：通往音乐语言的深度探索》并非仅仅是一本关于音符排列规则的枯燥手册，而是一次对西方音乐和声体系进行全面、深入且富有洞察力的考察。本书旨在为音乐学习者、作曲家、理论家以及所有对音乐构成原理怀有好奇心的人提供一套坚实而富有启发性的理论框架和实践工具，以期达到对音乐语言更深层次的理解与驾驭。 本书的撰写建立在对音乐传统、历史演变以及当代实践的深刻理解之上。我们相信，和声不仅仅是功能性的堆砌，更是音乐表达中最具情感张力和色彩感的元素。因此，本书的结构设计旨在引导读者从最基础的音程和三和弦概念出发，逐步深入到复杂的调性体系、色彩和声、非传统调性结构，直至探索和声在不同音乐风格中的实际应用。 --- 第一部分：基石——传统调性的巩固与扩展 (Foundations: Consolidating and Expanding Tonal Harmony) 本部分将为读者打下最坚实的基础，但视角绝非停留在初级阶段的机械重复。我们首先详细梳理了大小调音阶的结构及其衍生和弦的性质（三和弦、七和弦），并引入了更具色彩性的九和弦、十一和弦和十三和弦的构造。 和声功能与语境：我们将深入探讨传统和声功能（主和弦T、下属和弦S、属和弦D）的心理学意义和在音乐结构中的作用。通过分析大量古典时期的范例，我们将揭示和弦进行如何建立、维持和释放音乐的张力。我们特别关注导向性（Tendency）的分析，即和弦如何自然地引导听众的预期，而非仅仅是规则的套用。 转调的艺术：转调被视为和声叙事中的关键转折点。本书详尽分析了各种转调技巧，从最直接的关系调转调到更为精妙的等音转调（Enharmonic Modulations）和半音阶转调（Chromatic Mediants）。重点在于理解每次转调背后所带来的情感色彩和叙事功能——为何选择这个调，以及它如何改变了音乐的整体氛围。 序列与离调 (Sequences and Borrowed Chords)：本章深入研究了和声序列的构建逻辑，解释了它们如何在保持内部逻辑一致性的同时，推动音乐向前发展。同时，我们对借用和弦（Borrowed Chords）进行了细致的分类和应用分析，展示了副属和弦（Secondary Dominants）、那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）和增六和弦（Augmented Sixth Chords）如何为既定的调性色彩带来戏剧性的对比和增强。 --- 第二部分：色彩的注入——浪漫主义与印象主义的和声创新 (Infusing Color: Innovations in Harmony from Romanticism to Impressionism) 当传统的调性框架开始松动时，音乐表达的广度得以空前拓宽。本部分聚焦于十九世纪中叶至二十世纪初，作曲家们如何通过微妙的和声手段拓展音乐的表现力。 浪漫主义的延伸：我们将分析李斯特、瓦格纳等人的和声语言。核心议题是调性模糊（Tonal Ambiguity）。例如，对三全音音阶、多重功能和弦（如“变异的”属七和弦）的解析，展示了这些技术如何有效地延迟或彻底回避终止感，从而营造出持续的渴望与不确定性。 印象主义的和声光影：德彪西和拉威尔的和声实践代表了对听觉感知本身的革命。本书将系统介绍如何运用平行和弦（Parallel Chords）、全音阶（Whole-Tone Scale）、五声音阶（Pentatonic Scale），以及如何处理和声的“垂直性”——即和弦的音响效果本身被置于功能联系之上。我们着重探讨了和弦如何作为音色颗粒而非功能节点运作。 半音主义的深化：在这一部分，半音化进程达到顶峰。我们不仅仅讨论了这些和弦如何被构造，更深入探究了它们在特定作品中是如何被“悬置”和“解决”的，及其对听众心理预期的颠覆作用。 --- 第三部分：解构与重构——二十世纪及以后的和声前沿 (Deconstruction and Reconstruction: Frontiers Beyond Traditional Tonality) 进入二十世纪，和声理论经历了前所未有的爆炸性发展。本书将引领读者跨越传统界限，探索新的组织原则。 新调性理论：我们详细介绍了勋伯格的十二音体系（Twelve-Tone Technique），不仅是操作性的介绍，更重要的是阐释其背后的美学动机——如何实现声音的“绝对平等”。随后，我们将考察其他结构化的无调性方法，如音集理论（Set Theory）在分析非功能性音高材料中的应用。 从调性到非调性：聚核（Pitch Class Sets）的分析：本章提供了分析无调性或半调性音乐的实用工具。通过对音高类集合的质因数分解（Prime Factorization）和Z-类（Z-related Sets）的辨识，读者可以理解即便是看似随机的音高组合背后也可能存在着深层的数学和结构联系。 模式主义（Modal Harmony）的复兴与应用：与传统的调性“中心”感不同，模式音乐强调音阶的特定“氛围”。本书分析了早期调式（如多利安、弗里吉亚）在二十世纪音乐，尤其是爵士乐和电影配乐中的回归与演变，探讨了调式互换（Modal Interchange）如何创造出既熟悉又新鲜的听觉体验。 --- 第四部分：和声的语境——风格与实践 (Harmony in Context: Style and Application) 理论若脱离实践便失去生命力。本书的最后部分将理论知识应用于实际的音乐创作与分析场景中。 爵士和声的深度解析：爵士乐是调性体系在后浪漫主义时期最活跃的延伸之一。我们将重点解析延伸音（Extensions）、替代属和弦（Tritone Substitution）、和声动机（Harmonic Rhythm）、以及音高聚合（Pitch Aggregates）在即兴演奏和编曲中的核心作用。本书提供了超越基础“七和弦”概念的全面爵士和声词汇表。 电影配乐中的和声心理学：探讨和声如何被电影配乐大师用来引导观众情绪。分析特定和弦进行（如史克里亚宾的“神秘和弦”或瓦格纳的“特里斯坦和弦”）在特定场景中如何被重塑和简化，以达到瞬间的情感冲击或微妙的心理暗示。 当代作曲技法中的和声处理：简要介绍如集群和声（Cluster Harmony）、微音程（Microtonality）以及随机化技术（Aleatoric Techniques）在和声构建中的初步应用，为读者探索更前沿的领域提供展望。 --- 结语：和声的未来 本书的最终目标是赋予读者一种批判性的耳朵和创造性的直觉。和声是流动的历史，是对人类情感的结构化编码。通过《和声的色彩》，读者将不再被动地接受规则，而是主动地理解规则背后的逻辑，并有能力在既有的音乐语言中开辟出属于自己的、充满个人色彩的声响路径。每一次和弦的出现，都应被视为一次精心策划的对话，而本书便是您掌握这门复杂而迷人语言的钥匙。

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我最近把手头的其他教材都束之高阁，转而全身心投入到这本书的学习中，最大的感受就是其极高的“可操作性”。很多和声书的理论部分写得天花乱坠，但当你真正想应用到作曲或编曲实践中时，却发现抓不住重点，或者说，理论与实际的鸿沟难以跨越。然而，这本书的设计理念似乎完全颠覆了这种困境。它将理论点紧密地嵌入到实际的音乐片段中，每一个练习都不是孤立的音符堆砌，而是具有鲜明“音乐动机”的片段。举例来说，它在处理转调的范例时，不仅仅展示了如何构建导和弦，更重要的是，它示范了在不同乐句结构中，哪种转调方式听起来最自然、最符合既有的音乐情绪。这种注重“听觉体验”和“语境适应性”的讲解方式，对我个人创作思维的拓展起到了决定性的作用。它让我不再将和声视为僵硬的规则，而是一套灵活的、服务于表达目的的工具箱。这种教学上的务实精神，是很多学院派教材所缺乏的宝贵财富。

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作为一位已经有一定基础的音乐工作者，我本以为自己对和声的认知已经足够扎实，但这本书带来的“颠覆性”体验，完全超出了我的预期。它的核心优势在于其“结构化重构”的能力。作者不是简单地将知识点堆砌起来，而是通过一套独特的框架，将原本看似松散的各个和声要素——从基础的四部和声到复杂的序列和声，再到微分音程和非传统调性系统——巧妙地编织成一个逻辑严密、层层递进的巨大网络。阅读这本书的过程，更像是在进行一次高强度的智力体操。它要求读者不仅要记住“是什么”，更要掌握“为什么会这样”，并强迫我们思考“如果改变其中一个参数，整体结构会如何响应”。这种高强度的思维训练，直接转化为了我当下在处理复杂配器和即兴创作时的清晰度与果断性。对于那些渴望突破现有思维定势，追求真正高级和声理解的进阶学习者而言，这本书无疑是提供了一种重塑知识体系的宝贵机会，其价值远超任何标准教科书所能提供的范畴。

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这本教材的深度和广度真是令人惊叹，它绝不仅仅是一本简单的练习册，更像是一位严谨而富有耐心的导师，引导我一步步深入理解和掌握和声的精妙之处。我尤其欣赏作者在讲解基础概念时所采用的循序渐进的方式。他们没有急于抛出复杂的理论，而是先从最朴素的和弦结构入手，通过大量清晰的图示和实例，将抽象的和声关系具象化。例如，在讲解调性功能时，作者巧妙地设计了一系列环环相扣的小练习，迫使学习者不仅要记住和弦的名称和功能，更要理解它们在特定音乐语境下的“性格”与“作用”。每当我完成一个单元的练习后，总有一种豁然开朗的感觉，仿佛推开了一扇通往更深层次音乐理解的大门。这种扎实的构建过程，极大地增强了我对后续复杂织体和非功能性和声的接受能力。对于那些希望从根本上建立稳固和声基础的音乐学生来说，这本书无疑提供了一个无与伦比的起点，其对细节的关注和对逻辑链条的严密构建，足以经受任何最苛刻的学术检验。我强烈推荐给所有严肃对待音乐理论学习的同行。

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这本书在处理那些令人头疼的“例外情况”和“模糊地带”时，表现出了惊人的成熟与坦诚。我们都知道，音乐理论往往在清晰的规则之外，存在着大量的“灰色地带”——那些打破规则却又听起来完美的例子。很多教材要么干脆忽略这些，要么用模糊的“风格需要”一笔带过，这对于追求精确性的学习者来说是极大的困扰。然而，本书却敢于直面这些难题，它会清晰地列出主流规则，然后用专门的章节去解析那些“特例”的结构基础，并探讨它们是如何在特定历史时期或特定作曲家手中，成为一种新的“次级规则”的。这种对复杂性不加掩饰的呈现方式，培养了我一种更加批判性的学习态度——即规则是基础，但理解规则的边界和被超越的可能性，才是真正创造力的源泉。这种对理论边界的探索，是我在其他任何入门或中级教材中都未曾见过的深度和细致。

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老实说，这本书的篇幅和内容密度初看之下，确实有些让人望而生畏，它远比我预期的要厚重得多。但当我翻阅目录并开始深入研读其内容编排时，我才意识到这种厚度是内容丰富性的必然体现，绝无注水之嫌。作者对于音乐史中重要和声流派的梳理，可谓是做到了信手拈来，旁征博引。他们不是简单地罗列“印象派和声”或“浪漫主义晚期和声”的特征，而是深入挖掘了这些风格演变背后的哲学思辨和乐器技术限制。例如，在探讨特定和弦替代法时，书中会穿插引用相关作曲家的书信或评论，这使得理论学习不再是枯燥的数理推导，而变成了一场与音乐巨匠的跨时空对话。这种对历史纵深感的强调，极大地提升了我对所学知识的敬畏感和理解的层次。如果你只是想应付一个期末考试，这本书或许有些“过重”，但如果你是真心想在音乐语言的构建上达到炉火纯青的境界，那么这种详尽的历史与理论交织的深度，是不可或缺的养分。

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