具体描述
The Art of the Portrait focuses on about a 200-year period, from the late Middle Ages to the Renaissance, during which the genre of painted portraiture flourished. For the first time since classical antiquity, interest in and attention to this type of painting grew. As a consequence, new visual types of portraiture--full length, profiles, groups--emerged, and a wider range of subjects (outside the traditional circle of royalty and clergy) was explored in the canvasses, along with psychological and atmospheric elements. During this heyday innumerable masterpieces were painted by a wealth of different artists. But the 19th century, with the advent of photography and impressionism, among other developments, put an abrupt end to the boom.
The paintings collected in this book include Botticelli's Profile of a Young Woman, in which his subject is draped in a lovely deep-red gown with pearls threaded through her intricately braided hair; Jan van Eyck's The Marriage of Giovanni Arnolfini, which doubled as something of a marriage certificate for the couple, as it attested to the presence of a witness (the artist himself) at the priestless ceremony; and da Vinci's Mona Lisa, arguably the most famous portrait in the world. Works by Poussin, Rembrandt, Titian, Dürer, Raphael, Rubens, Velázquez, and other artists illustrate the highlights of the period. The book itself is an interesting enough survey of some of the greatest portraits ever painted and the artists who created them. But it contains poorly reproduced plates of relatively common paintings and a conventional introductory essay, not to mention overlong annotations that tend to overtake the actual images. Still, The Art of the Portrait has achieved minor notoriety since being cited by David Hockney in The New Yorker (January 31, 2000) as supporting his theory that painters of the 16th century must have relied on optical devices such as the camera lucida to create the near-photographic perfection of the portraits. --Jordana Moskowitz
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用户评价
我得说，这本书的结构安排极其巧妙，它不像传统艺术史书籍那样按时间线索机械地铺陈，而是采用了更具启发性的主题式探讨。比如，它似乎深入剖析了不同文化背景下，“凝视”这一行为是如何被艺术化和符号化的，这种跨文化的对比视角，极大地拓宽了我对肖像艺术局限性的认知。作者在论述某些大师的作品时，那种抽丝剥茧的分析方式，简直是教科书级别的范例——他没有停留在描述“画得像不像”，而是深入挖掘了艺术家在构图、光影、以及模特选择背后所隐藏的社会学或心理学意图。举个例子，对于早期文艺复兴时期那些略带僵硬感的圣徒肖像，作者并未简单地归结为技术不成熟，反而将它们置于当时的宗教权力结构中进行解读，一下子让那些古老的画作鲜活了起来，充满了张力。这种深度解读能力，使得这本书远超一般的艺术鉴赏指南，更像是一部充满洞察力的文化批评著作，让人在阅读后，看任何一幅肖像画时，都会不自觉地多想一层背后的含义。
评分阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一场与艺术大师们的精神对话。作者的文字风格非常独特，它既有学术的严谨性，但又不失文学的优美和流畅，很多段落读起来简直像散文诗一般，让人反复咀嚼。更让我感到惊喜的是，书中对于一些“非主流”或被历史忽略的肖像画家的介绍，篇幅虽然不长，但点睛之笔，提供了许多新鲜的视角。我一直以为肖像艺术的主流就是那些著名的宫廷画家，但这本书似乎在努力挖掘那些潜藏在历史角落里，用更个人化、更叛逆的手法描绘人像的艺术家。这种对多元化的尊重和挖掘，体现了作者广博的知识面和公正的艺术观。我尤其喜欢其中几处关于“自我肖像”的论述，作者探讨了艺术家如何利用镜子和画布来建构一个不断变化、充满矛盾的“自我”形象，这种对艺术家内心世界的细腻捕捉，真是令人拍案叫绝。
评分这本书给我最大的震撼，来自于其对“肖像”与“时间”关系的哲学探讨。作者似乎并不满足于将肖像画看作某一时刻的快照，而是将之视为时间流逝的容器。书中探讨了肖像如何抵抗遗忘，又如何不可避免地被时代精神所渗透和扭曲。某些章节讨论到那些保存下来的古代面具或早期影像，作者的文字充满了对人类存在本质的追问：我们希望被后人如何记住？我们试图通过一张图像向未来投射什么样的讯息？这种宏大而略带伤感的哲学思辨，极大地提升了这本书的精神层次。它不再仅仅是关于“如何画人”，而是关于“人为何要留下自己的痕迹”。读完这些章节，我再看任何一幅名人肖像时，都会感到一种历史的沉重感和对生命短暂的敬畏。这种深刻的触动，是任何一本纯粹的技术指南或断代史所无法给予的，它让这本书成为了我案头不可或缺的常青读物。
评分这本书的装帧简直是视觉盛宴，那种厚重的质感，捧在手里就感觉自己拥有一件艺术品。封面设计极其考究，色彩的搭配和排版都透露出一种经典而永恒的美感，让人忍不住想立刻翻开去探寻里面的奥秘。我特别欣赏作者在选材上的独到眼光，每一页的纸张都似乎经过精心挑选，印刷出来的图像清晰度和色彩还原度都达到了惊人的水准，即便是对光线和阴影的细微处理，也能在纸面上得到完美呈现。 这种对细节的执着，让阅读体验从单纯的知识获取升华为一种纯粹的审美享受。 我原本以为这会是一本比较枯燥的理论书籍，但事实完全出乎意料，它更像是一本精心策展的画册，里面的图片展示不仅仅是例证，它们本身就具有强大的叙事性和感染力。 仅仅是翻阅目录和前言，就能感受到作者对“肖像艺术”这个宏大主题所倾注的热情和深刻理解，它似乎在暗示，每一个被描绘的个体，其背后都蕴藏着一个值得被深度挖掘的故事，而这本书就是引导我们去聆听这些沉默故事的钥匙。我迫不及待地想知道，作者是如何组织和串联这些视觉材料，构建起一个完整且引人入胜的艺术史脉络的。
评分坦白说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但真正让我持续翻阅下去的，是它在技术层面的剖析。作者似乎非常擅长将那些看似神秘莫测的绘画技法，以一种极其直观且易于理解的方式呈现出来。比如，当讨论到油画颜料的层次堆叠，或者是古典素描中的“排线”技巧时，书中会配以极为清晰的局部放大图解，并辅以文字说明，讲解画家是如何通过这些细微的手法来营造皮肤的透明感或布料的厚重质地。对于我这种业余爱好者来说，这部分内容简直是无价之宝，它不仅满足了我的好奇心，更激发了我动手尝试的欲望。这种理论与实践的完美结合，让这本书成为了一个真正的“双栖”读物——既是理论研究者的高级参考书，也是有志于绘画学习者的实用手册。我常常停下来，对照着书中的图例，试图去分析那些光线是如何被捕捉和再现的，这种互动学习体验非常宝贵。
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