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出版者:中央编译出版社

作者:单国强

出品人:

页数:318

译者:

出版时间:2008.5

价格:65.00元

装帧:平装

isbn号码:9787802116429

丛书系列:文物名家大讲堂

图书标签:

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• 艺术鉴赏

《墨韵千年：中国水墨画的意境与技法》 在中国悠久灿烂的艺术长河中，水墨画以其独特的笔墨韵味、写意精神，以及对自然万物与人文情怀的深刻洞察，成为东方艺术中最具代表性的瑰宝之一。本书并非对中国绘画进行宏观的梳理与历史的回顾，而是将目光聚焦于“中国水墨画”这一核心领域，深入探索其内在的意境之美与外在的技法之妙，旨在为读者呈现一幅立体而鲜活的水墨世界。 一、 笔墨精神：写意中国，尽在方寸之间 水墨画，顾名思义，以笔、墨、纸、砚为主要媒材。然而，它所承载的远不止于此。其核心在于“写意”，即不仅仅是客观物象的描摹，更是对物象神韵、内在精神的捕捉与传达。这种“写意”精神，深深植根于中国哲学思想之中，如老子“道法自然”的无为而治，庄子“逍遥游”的超脱不羁，以及禅宗“顿悟”的直指人心。水墨画家通过对笔墨的提炼与运用，将这些抽象的哲学理念转化为具象的艺术表达。 本书将重点剖析水墨画的“笔墨精神”。我们会探讨“笔”的千变万化，从勾、皴、擦、点、染等基本笔法出发，分析不同笔法在表现对象时的不同效果。例如，刚劲有力的“皴法”，如何表现山石的坚毅与嶙峋；飘逸灵动的“勾线”，如何勾勒出花鸟的生机与婉转；墨色的浓淡干湿，如何营造出空间的深邃与层次。而“墨”，更是水墨画的灵魂。书中将深入解析“五墨”之道，即焦、浓、重、淡、清，阐述墨色在水中的晕染、渗透，以及如何通过墨色的变化来表现物象的质感、光泽、体积乃至情感。我们还将讨论“积墨”、“破墨”、“宿墨”等特殊墨法，以及它们在营造特殊艺术效果时的独到之处。 更重要的是，本书将引导读者理解“意”的重要性。笔墨是手段，意境才是目的。水墨画的意境，往往是含蓄的、象征的、留白的。画家通过有限的笔墨，引发观者无限的联想。例如，一丛疏竹，可能象征着君子的高洁；一抹远山，可能寄托着文人的淡泊；一滴飞雨，可能暗示着人生的愁绪。这种“言有尽而意无穷”的艺术境界，是水墨画最迷人的魅力所在。我们将深入解读这些象征意义，以及画家如何通过构图、留白等手法，来创造引人入胜的意境。 二、 意境之美：情与景的交融，虚与实的对话 水墨画的意境之美，是其区别于西方写实绘画的核心特征。它追求的是一种“天地与我共生，万物与我合一”的境界，是将画家个人的情感、哲学思考与描绘的对象融为一体。本书将从多个维度，深入解析水墨画的意境之美。 1. 山水画的宇宙观与人文情怀： 山水画在中国绘画史上的地位举足轻重。它不仅仅是对自然风光的描绘，更是画家借景抒情，表达对宇宙人生理解的载体。我们将探讨中国山水画中“天人合一”的思想，如何体现在构图的虚实相间、点景人物的渺小处理上。从范宽的雄浑壮丽，到董源的温润秀雅，再到宋徽宗的“骨法用笔”，每一位大师的作品都蕴含着独特的时代精神和个人情怀。本书将通过对经典山水画作的深入剖析，展现其如何通过山峦的起伏、溪流的蜿蜒、云雾的缭绕，营造出深远宁静、气势磅礴或悠远空灵的意境。我们将讨论“三远法”（高远、深远、平远）在拓展空间感和创造意境方面的作用，以及如何通过渲染、皴擦来表现山石的肌理和立体感。 2. 花鸟画的生机与禅意： 花鸟画，以其近距离的观察和细腻的笔触，展现了自然生命的灵动与盎然。然而，水墨花鸟画并非简单的描摹，它更注重捕捉花鸟的“神”。一朵花的盛开，一只鸟的展翅，都被赋予了生命的情感与哲理。我们将深入探讨花鸟画中的“意”是如何通过“形”来传达的。例如，梅兰竹菊“四君子”，因其象征意义而被赋予了独特的笔墨表现手法。墨竹的“节”，象征着正直；兰花的“香”，象征着高洁；菊花的“傲”，象征着不屈；梅花的“骨”，象征着坚韧。本书将分析不同花卉、不同禽鸟在水墨画中的典型表现技法，以及画家如何通过笔墨的变化，赋予它们生命的气息与内在的情感。我们还会涉及一些禅宗与花鸟画的关联，探讨如何通过简洁的笔墨，营造出超凡脱俗、宁静致远的禅意。 3. 人物画的传神与叙事： 中国古代人物画，虽然在历史上留下了许多工笔重彩的杰作，但在水墨画领域，同样有着独特的发展。水墨人物画更强调“传神”，通过寥寥数笔，勾勒出人物的神态、气质与内心世界。本书将探讨水墨人物画的笔法特点，如“曹衣出水”、“吴带当风”等，以及它们如何表现人物的衣褶与动态。我们还会关注人物画中的叙事性，画家如何通过人物的姿态、表情、环境的设置，来讲述一个故事，传达一种情感或一种社会观念。从顾恺之的人物勾勒，到明清时期水墨人物画的写意风格，我们将梳理其发展脉络，并分析其在表现人物精神层面的独特贡献。 三、 技法之妙：笔墨的运用，乾湿浓淡的奥秘 离开了精湛的技法，再好的意境也无法得以呈现。本书将从技术层面，详细解析水墨画的各种技法，帮助读者理解水墨艺术是如何“画”出来的。 1. 笔法的精微： 笔法是中国水墨画的骨骼。我们将详细讲解中国书法中的“永字八法”，并阐述其在绘画中的应用，如点、横、竖、撇、捺、提、钩、折等，以及它们如何构成绘画的基础。在此基础上，我们将深入分析各种“皴法”，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴、苔点等，并结合具体画作，展示它们在表现不同材质（如山石、树木、土壤）时的差异与妙用。同时，我们也关注“勾法”在勾勒轮廓、表现线条美上的作用，以及“擦法”在表现体积、质感和光影方面的技巧。 2. 墨法的变化： “墨分五彩”，这是对墨色变化的高度概括。本书将详细阐述墨色的“浓淡干湿”是如何通过调墨、用水、运笔等方式来实现的。我们将分析“焦墨”的苍劲，“浓墨”的厚重，“淡墨”的雅逸，“湿墨”的润泽，以及“干墨”的飞白。还会讨论“宿墨”的独特质感，“积墨”的层次感，“破墨”的浑然天成等特殊墨法，以及它们在画面中营造出的不同视觉效果。 3. 色彩的运用与留白： 虽然水墨画以“墨”为主，但“色”在其发展过程中也扮演着重要角色。本书将探讨水墨画中色彩的运用，是“以色辅墨”，还是“以墨取色”。我们将分析水墨画中色彩的特点，如淡雅、含蓄、写意，以及色彩在烘托意境、丰富画面层次方面的作用。更重要的是，我们将深入探讨“留白”在中国水墨画中的重要性。留白并非“空白”，而是“空中有画，画中有空”，它为观者提供了想象的空间，也使画面更具呼吸感和生命力。我们将分析留白在构图中的位置、作用，以及如何通过留白来暗示空间、营造氛围。 4. 构图与章法： 好的构图是水墨画成功的关键。本书将分析中国水墨画的构图特点，如“散点透视”、“借景传情”、“虚实相生”等。我们将探讨如何运用“黄金分割”、“S形构图”、“三角形构图”等现代构图原理，与传统水墨画的构图理念相结合。同时，我们还会讨论“章法”，即画面的整体布局、虚实配置、疏密关系，以及如何通过章法来引导观者的视线，突出画面的主题，营造和谐统一的整体感。 结语： 《墨韵千年：中国水墨画的意境与技法》并非是一部冷冰冰的学术著作，而是一场与中国水墨艺术的心灵对话。我们希望通过对笔墨精神的深度解读，对意境之美的细致体悟，以及对技法之妙的详尽解析，能够帮助读者穿越时空的阻隔，走进水墨画那充满东方智慧与艺术魅力的世界。无论是初涉艺术殿堂的门外汉，还是对水墨画有着浓厚兴趣的爱好者，本书都将是一本值得细细品读的Companion，带领你一同感受那“笔走龙蛇，墨染乾坤”的无穷魅力。

评分☆☆☆☆☆

1.彩陶纹饰有什么含义 　　新石器时期的绘画艺术主要体现在彩陶上，它们是远古时代绘画的重要遗存和延续，质朴明快、绚丽多彩的图案是这一时期艺术的特征。此期最有特色的是仰韶文化和马家窑文化彩陶艺术，此外大汶口文化、红山文化、河姆渡文化、大溪文化、屈家岭文化、昙石山...

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我花了整整一个周末的时间，沉浸在这本图册带来的视觉盛宴中，简直无法自拔。它对我视觉神经的冲击是空前的，尤其是在色彩运用和光影捕捉的层面上，简直是教科书级别的展示。那些早期的壁画摹本，虽然是复制品，但原作者对颜料层次的把握，那种饱和度极高的矿物色，透过这本书的印刷技术被完美地再现了，那种厚重感和历史的沧桑感扑面而来，让人不得不感叹古代工艺的鬼斧神工。特别是对比了不同朝代对“留白”的处理，我深刻体会到，留白绝不是“什么都没画”，而是一种更高层次的构图哲学，它引导着你的目光，让你在虚实之间自行构建意境。书中对细节的高清放大处理，更是让我这个业余爱好者受益匪浅，可以清楚地看到笔触的干湿浓淡、线条的起承转合，对于理解“笔墨”的精髓，比看任何理论文章都有用得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，拿到手里就能感受到那种沉甸甸的质感，纸张的选取也非常考究，那种微微泛着象牙白的光泽，与内页那些精美的插图形成了和谐的对比。我特别喜欢它在排版上的用心，留白的处理得恰到好处，既不会让人觉得空洞，又能让读者的视线自然地聚焦到那些艺术作品本身。记得有几幅宋代的山水长卷，原本在屏幕上看总是觉得气势不足，但在这本书里，那种层峦叠嶂的雄浑和水墨氤氲的灵动感，仿佛真的能穿透纸面扑面而来。装帧的硬壳上采用了烫金工艺，勾勒出的纹饰古朴典雅，即便是随手放在书架上，也是一件极具格调的艺术品。翻阅起来，那种纸张与指尖摩擦的细微声响，都让人心生敬畏，仿佛在翻阅的不是一本印刷品，而是一段流淌的时光。更不用说，它对于不同时期画作的装裱复原度，细节处理得非常到位，能让人真切地感受到古代匠人的心血与智慧，那种对细节的极致追求，本身就是一种艺术的体现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事口吻和内容组织方式，简直像一位经验丰富的老者，带着你穿越千年历史的长廊，娓娓道来。它没有那种枯燥的学院派理论堆砌，反而充满了对艺术家的个人理解和独到见解。作者的笔触是如此的细腻而富有感染力，仿佛他与画中的人物、山水进行过深入的交流。比如，在描绘唐代人物画的盛唐气象时，文字中流淌着一股磅礴的自信和对生命力的赞颂，读起来让人热血沸腾；而到了元代文人画的清冷意境时，文字的节奏又变得舒缓而内敛，充满了对隐逸和自我精神世界的探索。最让我印象深刻的是，它对不同流派兴衰背后的社会文化动因分析得鞭辟入里，让你明白，艺术从来都不是孤立存在的，它是时代的镜子。作者的观点非常鲜明，但从不武断，总是能用极其生动的实例来佐证自己的论断，让人在阅读的过程中不断地拍案叫绝，忍不住要停下来，仔细回味那段文字所描绘的画面。

评分☆☆☆☆☆

与其他同类书籍相比，这本书在“故事性”和“人文关怀”方面做到了极致，完全摆脱了冰冷的学术腔调。它仿佛是一个个鲜活的故事集，记录了那些伟大艺术家的生命轨迹和他们的创作心路历程。阅读时，我常常会想象画家们在创作特定作品时的情境：是夜深人静，独对寒灯；还是在山水之间，胸襟开阔。书中穿插的一些学者的考据和轶事，让那些遥远的先贤立刻变得亲近起来，不再是高不可攀的符号，而是有血有肉、有困惑有追求的普通人。这种温度感，是这本书最宝贵的财富，它让我意识到，艺术的本质是对人性的深刻洞察和表达。读完后，我感觉自己不仅仅是了解了一些绘画知识，更是被一种深沉而广博的人文精神所滋养和洗礼。

评分☆☆☆☆☆

这本书的知识密度堪称惊人，但奇怪的是，它读起来一点都不费力，完全没有晦涩感。作者在梳理历史脉络时，展现出极高的逻辑性和宏观视野，他巧妙地将艺术史与哲学、诗词、乃至当时的政治格局编织在一起，形成了一张巨大而严密的知识网。我过去在阅读其他艺术史书籍时，常常会因为某一时期内容过多而感到迷失，但这本书的章节划分非常清晰，每个单元都像是一颗精心打磨的宝石，独立存在却又相互呼应。它不仅仅是记录“谁在什么时候画了什么”，更深入地探讨了“为什么是这样画”，以及这种艺术形式对后世产生了何种深远的影响。这种结构上的严谨，使得即便是跨越数百年时空的对比学习，也能保持思路的清晰流畅，真正达到了融会贯通的效果。

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点到为止，适合入门。

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中国古代绘画入门

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点到为止，适合入门。

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