With t小室哲哉音楽対論 VOL.1

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出版者:幻冬舎
作者:TK MUSIC C
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1995年09月
价格:1325円
装帧:
isbn号码:9784877280680
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《交响乐的现代回响:从德彪西到斯特拉文斯基的音乐思想变迁》 导言:二十世纪音乐的剧场与断裂 二十世纪的古典音乐不再是十九世纪浪漫主义宏大叙事或严格形式的单纯延续,而是一场关于声音本质、结构逻辑乃至音乐社会角色的深刻革命。本卷聚焦于二十世纪上半叶,这一被誉为“现代主义”的浪潮席卷欧洲音乐的黄金时期。我们试图超越技术分析的冰冷表面,深入探究那些引领变革的作曲家们,他们如何面对传统、如何重塑听觉体验,以及他们的音乐思想如何反映了时代精神的剧烈震荡。 本书将以三位巨擘——克劳德·德彪西(Claude Debussy)、伊戈尔·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky)以及阿诺德·勋伯格(Arnold Schoenberg)——作为核心轴线,辅以对莫里斯·拉威尔(Maurice Ravel)和巴托克·贝拉(Béla Bartók)的细致考察,构建一个多维度的现代音乐思想图景。 第一章:印象的消融与声音的色彩——德彪西的去中心化美学 德彪西被誉为“印象主义”音乐的旗手,但这标签本身便带有误导性。他的革命性在于对传统和声语言的“溶解”。本章将深入剖析德彪西如何通过对音色(Timbre)的极致关注,取代了传统的旋律驱动和功能和声。我们将研究他如何大量运用全音阶、五声音阶以及非传统的和弦连接,这些手法并非为了“描绘”风景,而是为了捕捉瞬间的听觉感受,使音乐脱离了叙事性的束缚。 重点分析《牧神午后前奏曲》中管弦乐配器的精妙,以及钢琴作品(如《前奏曲》集)中如何利用踏板创造出“模糊的”声响空间。德彪西的音乐观是一种对“确定性”的拒绝,它拥抱了暗示、模棱两可和内在的自由。我们探讨他从马拉美诗歌中汲取的灵感,如何转化为一种“泛调性”的探索,为后来的无调性音乐埋下了伏笔,尽管他本人从未走向彻底的无调性。 第二章:原始力量的回归与对传统的颠覆——斯特拉文斯基与“异域性”的重构 如果说德彪西是试图消解音乐的结构,那么斯特拉文斯基的早期作品则是用蛮力重塑结构。本书的第二部分将聚焦于他与俄罗斯“野性”的关联,特别是“俄国时期”的三大芭蕾舞剧:《火鸟》、《彼得鲁什卡》和《春之祭》。 《春之祭》的巴黎首演是音乐史上一次著名的“灾难”与“里程碑”并存的事件。我们不只关注其节奏的原始性——那些持续不断的、不规则的重音和强烈的复节奏——更关注其和声的突破。斯特拉文斯基如何通过对“音块”(Blocks of Sound)的堆叠,而非传统的和弦进行,制造出令人不安的张力?我们分析他对古老俄罗斯民间音调的“挪用”与“异化”过程,探讨这如何构成一种对十九世纪主导的“德奥传统”的有力挑战。 随后,我们将追踪斯特拉文斯基“新古典主义”的转向。这次转向并非简单的回归古典,而是一种“用现代的眼光重审古典形式”。他如何使用巴赫或莫扎特的框架,却填充以尖锐、节奏驱动的现代和声和配器?这揭示了他音乐哲学的核心:对明确性、精确性和客观性的渴求。 第三章:结构之锚的寻找——勋伯格与无调性逻辑的诞生 本章深入探讨了阿诺德·勋伯格从晚期浪漫主义(如《古老的歌》)向“自由无调性”的蜕变。在十九世纪末期,调性体系已然处于崩溃边缘,和声的功能性被过度拉伸。勋伯格的回应是彻底的决裂。 我们将详细阐述他如何通过极端化的半音化写作,消除任何可听见的主音中心。然而,这种自由并非混乱,而是转向了一种新的内部逻辑。我们研究早期无调性作品(如《期望》)中,情感的极端外化如何与严苛的结构要求并存。 至关重要的一节将聚焦于十二音技法的发明。十二音体系并非“没有旋律”,而是一种“替代性的组织原则”。本章将剖析音列(Tone Row)的构造原则——反向、倒影、倒影反向——以及这些数学般的规则如何确保了音符之间逻辑上的“平等”,从而避免了调性的回归。勋伯格的追求是一种“音乐的诚实”,即承认调性已死,并为新的结构秩序提供蓝图。 第四章:边缘的张力与民族精神的熔炉 为了全面理解现代主义的多元面貌,我们不能忽视那些在东西欧交界处进行关键性工作的作曲家。 拉威尔:与德彪西的“印象”相对,拉威尔更注重清晰的线条、无可挑剔的工艺和对法国传统的继承。我们比较他与德彪西在配器和色彩运用上的差异,指出拉威尔如何将印象主义的技术服务于更古典、更具形态感的结构之中,例如在《波列罗》中对节奏的极度专注。 巴托克:巴托克的工作则聚焦于对东欧民间音乐的田野调查和系统化吸收。他并非简单地引用民间旋律,而是将其内在的音高结构、节奏模式和调式系统“内化”到自己的作曲技术中。我们将考察他如何创造出一种融合了原始驱动力和严谨对位法的“匈牙利现代主义”。 结论:现代主义的遗产与听众的重塑 二十世纪初期的音乐革命,本质上是对听众期望的一次结构性重塑。作曲家们不再保证愉悦或熟悉感,而是要求听众参与到声音的解构与重建之中。从德彪西的色彩迷雾到勋伯格的十二音体系,现代音乐的共同主题是:形式必须服从于新的内在真理,而非外在的审美惯例。 本书试图为读者提供理解这些宏大思想转变的钥匙,以便更好地进入这个充满挑战、却又无比丰富的音乐新世纪。

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