具体描述
《临床痴呆病学》主要内容：总论从总体宏观角度逐一论述了痴呆的流行病学至诊疗的各个环节。第一章详细介绍了痴呆的定义、流行病学、痴呆的生化和病理基础、病因学和发病机制、痴呆的症状学，使读者对痴呆的概念、痴呆及各型痴呆疾病的频率和危害、痴呆的病因病理和机制以及痴呆的临床表现有了清楚地认训。第二章至第五章详细论述了辅助检查在痴呆工作中的作用，方法以及痴呆和各型痴呆中的特征表现，包括神经心理学检查、影像学检查、电生理检查、分子生物学和基因检查等。第六章痴呆的诊断、鉴别诊断为医疗工作者提供了系统的痴呆诊断思路和流程。第七章痴呆的治疗从病因和对症治疗两个方面进行论述，系统介绍了改善人知功能、控制精神行为症状的药物和非药物治疗手段，纳入经典的普遍认可的药物，新近上市的药物和处于研发中的药物和治疗方法，同时详细论述了国传统中医学在痴呆治疗中的方法，方剂和成药。
《超越视界：二十世纪视觉艺术的嬗变与革新》 书籍简介 本书是一部宏大而精微的艺术史论著，聚焦于二十世纪以来全球视觉艺术领域所经历的剧烈变革与深刻反思。我们试图超越传统线性叙事的局限，深入探讨现代主义的兴衰、后现代主义的崛起，以及当代艺术如何持续挑战和重塑我们对“图像”、“真实”与“观看”的既有认知。全书以严谨的学术视角和生动的案例分析相结合，勾勒出一条波澜壮阔的艺术发展脉络。 第一部分：现代性的黄昏与激进的开端 (1900-1945) 二十世纪初，工业革命的巨变与两次世界大战的阴影，共同催生了艺术领域对传统再现手法的彻底决裂。本部分首先剖析了立体主义如何从根本上解构三维空间的概念，将毕加索和布拉克的拼贴实践视为对柏拉图式“完美形式”的首次公开挑战。我们详细考察了未来主义对速度、机械与暴力的狂热崇拜，以及其在美学上对传统文化遗产的彻底否定，探讨了这种激进主义在政治层面上的复杂遗产。 随后，我们将目光投向了更深层次的心理与潜意识领域。达达主义作为对战争荒谬性的最直接、最尖锐的回应，其“非理性”的介入彻底颠覆了艺术机构的逻辑。杜尚的小便池（《泉》）不再仅仅是一个现成品，而是一次对“艺术品”定义权的哲学性僭越。紧接着，超现实主义——从弗洛伊德的梦境理论中汲取养分——试图在梦境与现实的交界处构建新的审美疆域。我们不仅分析了达利和马格利的精确描绘技巧，更深入探讨了其作品中隐藏的社会异议和性政治的暗流。 在抽象的探索上，本书着重比较了康定斯基（从抒情抽象到几何抽象的过渡）与蒙德里安（新造型主义对宇宙秩序的几何化表达）的殊途同归。这种对非再现性形式的追求，并非逃避现实，而是试图通过纯粹的视觉元素，建立一种更本质、更普遍的“精神真实”。 第二部分：战后：中心转移与媒介的爆炸 (1945-1970) 二战后，艺术的中心开始从欧洲向北美转移。纽约成为新的焦点。本部分的核心是对抽象表现主义的深度解读。我们区分了“行动绘画”（如波洛克倾洒颜料的“滴画”）中身体性与绘画过程的融合，以及“色域绘画”（如罗斯科的巨大色块）中对崇高体验和冥想空间的营造。这不仅仅是关于形式的争论，更是关于个体在原子时代如何重新确立主体性与精神依托的艰难尝试。 紧随其后的是对“去英雄化”的反应——波普艺术的登场。安迪·沃霍尔和李奇登斯坦对商业符号、大众传媒图像的挪用，标志着艺术对“高雅”与“低俗”之间壁垒的最终拆除。本书探讨了波普艺术的双重性质：它既是对消费主义的讽刺，也无意识地成为了消费主义美学的加速器。 同时，我们没有忽略那些在边缘地带发生的关键性转向。极简主义（Minimalism）通过对材料本身的诚实呈现、对作品与展览空间关系的强调，将观众的体验置于作品的“意图”之上。唐纳德·贾德的“特定物”（Specific Objects）系列，挑战了绘画与雕塑的传统分类。而观念艺术（Conceptual Art）则将艺术的重心彻底从“物”转移到“思想”本身，艺术的定义开始变得比艺术品本身更为重要。 第三部分：边界的消融与图像的泛滥 (1970-2000) 进入七十年代，艺术家的关注点从工作室转向社会结构、权力关系和身份政治。女性主义艺术，如卡尔·哈姆的“通过女性的眼睛”，以及对身体和性别表征的激进批判，为艺术史注入了不可逆转的社会维度。同时，后殖民艺术开始发声，质疑西方艺术史叙事的普适性与中心地位，重新审视被压抑的非西方美学传统。 摄影与新媒体的崛起是这一时期的重要特征。摄影不再仅仅是记录的工具，而成为一种严肃的批判性媒介。辛迪·舍曼通过自拍像对女性身份的建构与解构，揭示了媒体对“女性形象”的操纵机制。电子艺术和早期的数字实验也在此阶段初露锋芒，预示着未来媒介的全面爆发。 后现代主义的核心——挪用（Appropriation）——成为一把双刃剑。艺术家们大量借用和重组历史图像，模糊了原创性与复制性之间的界限。本书详细分析了格林戈、巴斯奎特等艺术家如何通过拼贴、涂鸦、挪用等手段，对资本主义的符号系统进行反刍和再编码。 第四部分：技术、全球化与视觉的未来 本书最后一部分展望了二十世纪末期至新千年之交的复杂图景。随着全球化的深入，艺术的地理边界进一步模糊，非西方艺术家的影响力显著增强。互联网技术的兴起，使得“图像生产”的速度和广度达到了前所未有的程度。我们探讨了装置艺术如何利用空间、时间与观众的互动，创造出完全沉浸式的体验，以及录像艺术如何超越传统的叙事结构，转向对媒介本身的时间性、循环性的探索。 通过对这百年间视觉艺术的系统梳理，本书旨在揭示一个核心主题：二十世纪的艺术史，本质上是一部关于“如何观看”以及“谁有权定义何为艺术”的持续辩论史。它不仅仅是关于风格的演变，更是关于社会结构、哲学思潮与技术进步在视觉层面上的剧烈碰撞与相互塑造的宏伟篇章。阅读本书，即是与那些最富有远见和破坏力的头脑进行一场深入的对话。
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