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出版者:Routledge

作者:Elizabeth Mansfield

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:2002-8-25

价格:USD 39.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415228695

丛书系列:

图书标签:

• Art History
• Art Institutions
• Museums
• Galleries
• Art Market
• Historiography
• Cultural Heritage
• Visual Culture
• Art Theory
• Collecting

历史的画卷，制度的基石：西方艺术批评的演进与挑战 本书深入剖析了西方艺术史研究与艺术制度（如博物馆、学院、沙龙）之间复杂而动态的关系，追溯了自启蒙运动以来，艺术批评的理论基础如何被建构、被挑战，并最终形塑了我们今日理解和评价艺术的方式。它不是一部单纯的艺术史编年史，而是一部关于“权力如何运作于美学话语之中”的批判性考察。 第一部分：启蒙的光芒与古典的重塑——规范的诞生 本部分聚焦于18世纪至19世纪上半叶，艺术批评作为一种新兴的公共话语和知识生产体系的形成过程。 第一章：从审美判断到公共审视：狄德罗与沙龙 我们将考察丹尼斯·狄德罗（Denis Diderot）在沙龙评论中的开创性作用。不同于早期的艺术赞助人或传记作者，狄德罗首次将艺术批评置于一个启蒙理性与日益增长的中产阶级公共领域的交汇点。我们详细分析他如何运用“感性判断”与“道德教化”的双重标准来评估当时的法国绘画，特别是如何通过描述的细致入微来尝试建构一种可供公众理解和辩论的审美标准。本章特别探讨了狄德罗的文本如何无意中为后来的制度化评估体系埋下了伏笔，即艺术作品必须具备可被公开论述和量化的价值。 第二章：温克尔曼的遗产与“高贵的单纯与静穆的伟大” 本章转向早期对古典艺术的系统化研究，重点分析约翰·约阿希姆·温克尔曼（Johann Joachim Winckelmann）的理论如何超越了简单的风格描述，构建了一种历史化、阶段化的艺术发展模型。温克尔曼对希腊艺术的推崇，不仅是美学上的选择，更是一种对特定时代精神（Geist）的哲学投射。我们剖析他提出的“理想美”概念，以及这一概念如何在随后的德语区学术界被奉为圭臬，成为检验后世作品的“内在标准”，从而确立了艺术史作为一门独立学科的早期制度性要求。 第三章：学院的铁律与浪漫主义的反抗 在考察了规范建立的过程后，本章探讨了官方艺术学院（如法兰西皇家绘画与雕塑学院）在19世纪初的制度性权力。学院不仅负责艺术教育，更通过官方展览和官方委托，决定了什么是“好的艺术”。面对浪漫主义的兴起，艺术批评开始分裂。一方面，批评家试图将浪漫主义作品纳入现有的古典框架进行审视；另一方面，如德拉克洛瓦（Delacroix）的支持者们，开始呼吁一种更侧重于“感受力”和“个性表达”的评估方式。本章对比了学院派批评与新兴的浪漫主义评论，揭示了早期审美领域内的意识形态冲突。 第二部分：历史的重负与现代性的焦虑——理论的转型 随着工业革命和中产阶级的崛起，艺术的社会功能发生了深刻变化，艺术批评理论开始转向对“历史进程”和“现代性体验”的深层探究。 第四章：黑格尔的“精神的终结”与艺术史的形而上学 本章深入探讨了格奥尔格·威廉·弗里德里希·黑格尔（G.W.F. Hegel）的艺术哲学，特别是他对艺术如何作为“绝对精神”在特定历史阶段显现的论述。黑格尔的体系，虽然深刻地将艺术置于历史发展的框架内，但也预示了某种“艺术的终结”——即随着理性精神的完全自我认识，艺术的崇高地位将被哲学和宗教所取代。我们将分析这种宏大叙事如何被后来的博物馆策展人吸收，用以组织和解释艺术藏品的历史线性叙事，从而强化了特定“艺术大师”的中心地位。 第五章：波德莱尔与现代都市的迷恋与疏离 查尔斯·波德莱尔（Charles Baudelaire）的批评被视为现代艺术批评的转折点。他拒绝了温克尔曼式的永恒美和学院派的道德说教，转而关注“现代性”（Modernité）——即在巴黎飞速变化的都市生活中捕捉短暂、易逝的瞬间之美。本章分析波德莱尔对化妆、时尚和都市“流浪者”（Flâneur）的描绘，探讨他如何首次将对艺术的评价标准从“永恒真理”转移到“时代精神”和“主观体验”的交锋上。他的“现代性”概念为后来对印象派的接受与抵制提供了理论基础。 第六章：约翰·拉斯金与道德的回归 对比波德莱尔的现代性，本章考察约翰·拉斯金（John Ruskin）对哥特式建筑和威尼斯画派的论述。拉斯金的批评根植于高度的道德关怀，他坚持认为艺术的真正价值在于其所反映的劳动者的尊严和社会的健康状况。拉斯金对工业化弊端的批判，以及他对自然细节的细致入微的描绘，不仅影响了前拉斐尔派，更在制度层面挑战了工业资本主义语境下对艺术品纯粹经济价值的评估体系。 第三部分：二十世纪的解构与制度的重估——批判的转向 进入20世纪，随着现代主义的激进化和大众文化的兴起，艺术批评开始系统性地审视其自身的权力结构和历史局限性。 第七章：形式主义的胜利与纯粹视觉体验的建构 本章探讨了克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）在二战后美国艺术界的主导地位。格林伯格将艺术批评推向了极致的形式分析，强调媒介自身的“纯粹性”——绘画就是平坦的画布，雕塑就是对空间的处理。通过这种高度自治的批评语言，格林伯格成功地将抽象表现主义确立为美国艺术的最高成就，并以此对抗欧洲的传统。我们分析他的理论如何服务于冷战背景下的文化政策，以及博物馆如何将这种“纯粹形式”转化为一种易于收藏和展示的标准化产品。 第八章：福柯的凝视与艺术史的“档案”权力 本章引入了米歇尔·福柯（Michel Foucault）的概念，以解构艺术史本身作为“知识-权力”结构的运作方式。我们探讨“档案”（Archive）的概念如何应用于艺术史的建构过程，特别是对“天才”叙事的质疑。通过分析艺术史文献的排除性（例如，长期以来对非西方艺术和女性艺术家的系统性遗漏），本书揭示了艺术史的“客观性”是如何被维护的，以及学术机构如何通过选择性地保存和诠释材料来巩固其解释的权威性。 第九章：后殖民批判与普世性神话的瓦解 最后，本章关注当代艺术批评对艺术史中心主义的挑战。后殖民理论家和批判学者对西方艺术史中“普世美学”的声称提出了尖锐质疑。本章考察了“全球艺术”概念的出现如何迫使博物馆重新审视其藏品来源和叙事方式。我们分析了“语境化”（Contextualization）作为一种新的批判工具，如何被用来揭示西方艺术史叙事中隐藏的殖民主义和经济剥削的影子，并探讨了当代艺术机构在面对身份政治和文化多元化时的结构性困境。 结论：持续的对话与批判的未来 本书总结了自启蒙时代以来，艺术批评从一种审美判断工具，演变为对知识生产制度的深刻反思。它强调，艺术史与艺术制度的关系从未是静态的，而是持续处于张力之中。对艺术的理解永远是历史性的、制度性的，并且永远开放给新的、颠覆性的解读。

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