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出版者:

作者:

出品人:

页数:480

译者:

出版时间:2007-1

价格:59.00元

装帧:

isbn号码:9787801527745

丛书系列:

图书标签:

• 美术
• 绘画
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雕塑的沉默与呼喊：解析古典与现代语境下的物质塑形艺术 作者： [此处应有作者名，若无则留空] 出版社： [此处应有出版社名，若无则留空] 定价： [此处应有定价，若无则留空] --- 导言：超越二维表面的三维探索 本书旨在深入探讨雕塑艺术在人类文明进程中所扮演的核心角色，它不仅仅是一种物体的堆砌或打磨，更是人类感知空间、理解物质、并试图捕捉瞬间永恒的哲学实践。我们摒弃传统艺术史中对“大师名作”的简单罗列，转而聚焦于雕塑媒介本身的特性——其重量感、物质性、以及与观者互动的空间场域。全书以一种批判性的视角，审视了从古希腊的理想化人体到二十世纪后装置艺术的解构性探索之间，雕塑语言的演变与断裂。 第一章：物质的记忆——泥土、石材与青铜的形而上学 雕塑的起点是物质的选择。本章细致剖析了不同材料在被塑形过程中所蕴含的“记忆”与“抵抗”。 1.1 粘土的塑性与时间性： 泥土，作为人类最早接触的塑形材料，其可塑性是短暂而脆弱的。我们研究了古代陶俑和早期模型中，泥土如何记录了创作者指尖的温度和匆忙的决定。这种瞬时性与最终作品的永恒感之间形成了张力。特别关注了中国唐代陶塑中对世俗情感的捕捉，这与西方古典雕塑的抽象化处理形成了鲜明对比。 1.2 石材的坚韧与挑战： 大理石和花岗岩代表着对自然力量的征服。本章重点分析了米开朗基罗的工作方式——他认为雕塑是“从石头中解放”被困住的形象。这不是简单的雕刻，而是一种“发现”的过程。我们探讨了如何在材料的纹理、裂隙中寻找其内在的形体结构，以及这种寻找如何塑造了艺术家的创作哲学。 1.3 铸造的工业美学：青铜的重量与公共性： 青铜铸造技术标志着雕塑从私人艺术向公共纪念碑的过渡。本章考察了失蜡法（Lost-wax casting）的复杂流程，以及青铜材料赋予作品的耐久性和社会地位。我们不仅分析了古罗马的帝国雕塑，也深入研究了罗丹晚期作品中，青铜表面粗糙的肌理如何体现了内在精神的挣扎，而非仅仅是对外形的完美再现。 第二章：人体与空间的对话——从理想化到碎裂化 雕塑的核心母题往往围绕人体展开，但对人体的处理方式，反映了不同时代对“人”的理解。 2.1 古典的静穆：光影下的完美比例： 聚焦于古希腊雕塑（如波留克列特斯的《法则》），探讨其背后的数学、哲学基础。完美比例的追求，实质上是对人性中不稳定因素的几何学驯服。我们分析了“对立平衡”（Contrapposto）如何赋予静态的石头以生命感和潜在的运动。 2.2 中世纪的叙事载体：从纪念碑到教化工具： 在基督教文化背景下，雕塑的功能性增强。本章对比了罗马式雕塑的程式化人物与哥特式雕塑对人物情感（如悲悯、痛苦）的细腻刻画。材料（如木材的易腐性）也开始暗示了信仰的短暂与永恒的冲突。 2.3 现代的断裂与重构： 德拉克洛瓦、罗丹之后，雕塑开始拒绝叙事和表面的光滑。本章详述了立体主义和未来主义对传统人体形态的解构。布朗库西如何通过去除细节，提炼出“本质的形状”（如《空中之鸟》），以及阿尔普（Arp）的有机抽象，展示了形态如何脱离具象世界的束缚，成为纯粹的体积和曲线。 第三章：去物质化倾向——现代主义对雕塑本质的拷问 二十世纪是雕塑媒介经历最大身份危机的时期。艺术家开始质疑：雕塑是否必须是实心的、占据空间的？ 3.1 负空间的权力： 本章探讨了雕塑家如何开始关注“空隙”——即形体周围或内部的负空间。对负空间的强调，使得雕塑不再是物体的绝对存在，而是物体与环境的相互作用。我们考察了亨利·摩尔（Henry Moore）的穿孔结构，以及它们如何邀请观者进入作品的内部视野。 3.2 拼装与组合（Assemblage）：日常的入侵： 德尚（Duchamp）的现成品（Readymades）和后来的拼装艺术，彻底颠覆了雕塑必须由艺术家亲手制作的观念。本章分析了日常物品（Found Objects）被赋予艺术身份的过程，它挑战了传统雕塑对材料的珍视，转而关注观念和语境的转换。日常的碎片如何构筑起新的物质真实。 3.3 光与运动的介入： 考察了动态雕塑（Kinetic Sculpture）的兴起，如卡尔德（Calder）的动态雕塑（Mobiles）。这些作品将时间性、空气动力学引入到传统上被视为永恒静止的媒介中。雕塑不再是静止的纪念碑，而成为了环境的参与者和记录者。 第四章：延伸的边界——后现代语境下的场域与环境 进入后现代，雕塑的概念急剧膨胀，边界变得模糊不清。 4.1 极简主义的冷峻与还原： 分析了唐纳德·贾德（Donald Judd）等极简主义者的作品，他们坚持“特定物体”（Specific Objects）的概念。本章重点讨论了极简主义如何通过重复的单元、工业材料（如Plexiglas、钢板）和对作品与展览空间关系的强调，将雕塑还原为纯粹的体积、表面和空间关系，消除了一切修饰和象征意义。 4.2 土地艺术与宏大叙事的中止： 探讨了如史密森（Smithson）的《螺旋堤》等土地艺术（Land Art）作品。这些作品脱离了美术馆的白墙，直接介入到地貌和时间尺度之中。土地艺术使雕塑成为一个行为，一个与环境持续对话的痕迹，挑战了艺术品的商品化和可移动性。 4.3 装置与身体的在场： 最后的章节聚焦于当代雕塑对沉浸式体验的追求。从观念艺术到当代装置，雕塑媒介开始关注观众的身体感受和叙事构建。材料的使用变得更具指向性（如使用有机物、光纤、影像），雕塑不再是孤立的形体，而是构建了一个可以被“进入”和“体验”的临时环境。 --- 结语：雕塑的未来——在实体与虚拟的张力中 本书的结论是，雕塑艺术的生命力恰恰在于其不断地自我否定和对边界的试探。它从对物质的虔诚，发展到对结构的解构，最终演变为对观看经验和场所精神的重塑。理解雕塑，就是理解人类如何利用三维空间来表达其最深层的存在焦虑与空间想象。 [附录：关键术语解析与重要雕塑家年谱]

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