Contemporary Theatre, Film and Television pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Gale Group

作者:Riggs, Thomas 编

出品人:

页数:481

译者:

出版时间:2006-9

价格:$ 320.64

装帧:HRD

isbn号码:9780787690441

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 电影
• 电视
• 当代戏剧
• 当代电影
• 当代电视
• 表演艺术
• 文化研究
• 媒体研究
• 流行文化

剧场、电影与电视的变迁：一种跨媒介视角下的研究 图书名称：《剧场、电影与电视的变迁：一种跨媒介视角下的研究》 内容提要 本书旨在深入探讨二十世纪以来，剧场艺术、电影以及电视这三大核心表演媒介在技术、美学、社会功能及其相互影响方面所经历的深刻变革。本书摒弃了将这三种媒介视为孤立实体的传统研究模式，而是采取一种跨媒介（Transmedia）的、历史演进的综合视角，揭示它们如何在共享的文化土壤中相互渗透、竞争与融合，共同塑造了现代观众的审美体验与感知世界的方式。 本书的核心论点在于，技术创新——特别是录音、摄影、电子传播和数字化的发展——不仅改变了每种媒介的载体，更重塑了艺术生产的内在逻辑、叙事结构以及表演的本质。通过对关键理论流派的梳理，以及对标志性作品和艺术家的案例分析，本书试图勾勒出一条从早期舞台中心主义向电子与数字屏幕主导的文化生态演变的长链。 --- 第一部分：奠基与分野——剧场的黄金时代与银幕的崛起 (约 1900-1940) 本部分将追溯剧场艺术在现代性初期的困境与创新。随着工业化和城市化进程的加速，传统“在场”（liveness）的剧场艺术如何应对照相技术带来的“复制性”挑战。 第一章：现实主义的巅峰与现代主义的抗争 详细分析自然主义、象征主义以及早期表现主义在舞台上的实践。重点探讨斯坦尼斯拉夫斯基体系（The System）的诞生及其对演员训练的持久影响，以及它在回应快速变化的社会现实时所展现出的局限性。同时，研究如布莱希特的疏离效应（Alienation Effect）如何作为对传统情感沉浸式观剧体验的直接批判和替代方案。这一时期的剧场艺术，是在不断界定自身边界，为后续媒介的出现做理论准备。 第二章：电影的诞生与叙事语法的确立 考察默片时代电影如何迅速建立起一套不同于戏剧的视觉语法——蒙太奇理论、场面调度（Mise-en-scène）的摄影化转变。分析早期电影制作者如何从舞台剧的固定视角中解放出来，运用景深、剪辑节奏和特写镜头来构建时间和空间的非线性叙事。重点分析格里菲斯、爱森斯坦等人的贡献，他们奠定了电影作为一种“流动性”艺术形式的根基。 第三章：声音的革命与媒介的重新定义 “有声电影”的出现被视为一次媒介上的地震。本章将分析有声化对演员表演模式的冲击（从肢体化转向语言化），以及它如何削弱了某些先锋派戏剧实验的纯粹性。同时，研究早期有声戏剧的录制与广播实验，探讨声音如何成为连接剧场与新兴电子媒介的初步桥梁。 --- 第二部分：电视的渗透与表演场域的扩张 (约 1940-1970) 随着电视的普及，表演艺术的传播范围和观看习惯发生了根本性改变。本部分关注屏幕如何开始主宰家庭娱乐，并对剧场艺术的公共性发起挑战。 第四章：电视时代的即时性与亲密感 分析电视在战后美国的爆炸性增长如何重塑了“在场”的概念。电视表演，尤其是早期现场直播的戏剧演出（如美国综合剧场，The Live Television Drama），创造了一种前所未有的、介于剧场亲密感与电影宏大感之间的“电子亲密感”。探讨这种媒介对演员表演张力的微妙要求——既要面向镜头，又必须保持舞台表演的清晰度。 第五章：电影工业的复苏与对电视的回应 分析好莱坞在面对电视的竞争时，如何通过宽银幕、立体声和色彩等技术手段进行“反击”，以强调电影院作为公共仪式空间的不可替代性。研究欧洲艺术电影（如法国新浪潮）如何利用新的便携式摄影设备，将镜头从固定的布景中解放出来，使电影叙事更贴近现实的流动性。 第六章：环境剧场与空间的反叛 面对屏幕对注意力的高度集中，本章考察剧场艺术如何通过空间和观众参与进行自我革新。分析如彼得·布鲁克（Peter Brook）和琼·利特伍德（Joan Littlewood）等人的实验，他们试图通过“贫乏的剧场”或环境剧场（Environmental Theatre），重新激活观众的身体参与感和对“现场性”的渴望，以此作为对高度媒介化的文化环境的一种反动。 --- 第三部分：数字交汇与跨媒介叙事的兴起 (约 1970 至今) 本部分聚焦于数字技术、网络传播和全球化如何模糊了剧场、电影和电视之间的传统界限，催生了新的艺术形式和观众参与模式。 第七章：后戏剧剧场与屏幕的视觉隐喻 考察“后戏剧剧场”（Postdramatic Theatre）的兴起，重点分析其对文本的解构以及对视觉景观和技术介入的依赖。研究舞台设计如何开始模仿电影的剪辑节奏和电视的动态布景，以及许多当代剧作家如何直接引用或模仿电影语言（如快速切换的场景、画外音、视频投影）来构建意义。 第八章：系列化叙事与媒介生态的重塑 深入分析有线电视和流媒体平台的崛起如何彻底改变了电视的叙事结构——从情景喜剧的重复模式转变为复杂、长篇的“系列化叙事”（Serialized Narrative）。考察这种对时间跨度的需求如何反哺了电影和剧场的叙事野心，例如，许多电影导演开始转向电视制作，反之亦然。讨论“追剧”（Binge-watching）行为如何改变了观众对故事的耐心和期待。 第九章：沉浸式体验、虚拟现实与表演的未来 本章关注新兴技术对表演艺术“在场”概念的终极挑战与拓展。分析虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及互动装置艺术如何创造出全新的沉浸式剧场体验，这些体验在某种程度上模糊了观众与表演者之间的界限，并借鉴了电子游戏和电影的互动逻辑。探讨在高度数字化的时代，剧场艺术如何继续坚守其作为“共同在场事件”的核心价值，以及这种价值在未来如何与屏幕介导的体验共存。 结论：共享的舞台与无限的屏幕 总结跨媒介研究的意义：剧场、电影和电视并非相互竞争的敌人，而是在持续的对话中，共同定义了我们这个时代表演艺术的复杂性和丰富性。它们共享着关于时间、空间、身份和真实性的核心问题，并在不断的技术迭代中寻求新的表达形式。本书期望读者能够以更具批判性和综合性的眼光，审视当前视觉文化的全景。

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