American Indian Ballerinas pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Univ of Oklahoma Pr

作者:Livingston, Lili Cockerille

出品人:

页数:352

译者:

出版时间:1999-3

价格:$ 30.45

装帧:Pap

isbn号码:9780806131344

丛书系列:

图书标签:

• American Indian
• Native American
• Ballet
• Dance
• Children's Book
• Diversity
• Inspiration
• Culture
• Performing Arts
• Representation

《林中之舞：美洲原住民女性的生命、艺术与抗争》 内容简介 本书深入探索了美国原住民女性在面对殖民历史、文化冲击与社会边缘化时，如何通过舞蹈艺术来构建自我认同、维护文化遗产并进行社会抗争的复杂历程。这并非一部关于舞台芭蕾的记录，而是聚焦于传统舞蹈、现代演绎以及生命叙事交织而成的精神图景。 第一部分：土地的记忆与身体的语言 本书的开篇追溯了北美原住民部落的根源，详细阐述了在欧洲人到来之前，不同民族（如拉科塔、纳瓦霍、霍皮、易洛魁等）的生命仪式、宗教信仰与日常生活如何与舞蹈紧密相连。这些舞蹈不仅仅是娱乐或表演，它们是口述历史的载体，是与祖先、自然界沟通的媒介。 我们考察了特定仪式舞蹈的结构与意义，例如丰收舞、战争前夕的祈祷舞、以及成年礼舞蹈。着重分析了在父权社会结构下，女性在这些仪式中的角色——她们往往是仪式的守护者、舞蹈动作的传承者，尽管她们可能不直接担任领导者，但其在群体凝聚力上的作用至关重要。作者通过田野调查的材料，还原了声音、服饰、道具（如羽毛、响片、大地乐器）如何共同构成了原住民舞蹈的完整“文本”。 文化断裂与禁令的阴影 随后，本书探讨了美国政府自19世纪末推行的“同化政策”对原住民文化产生的毁灭性影响。强制寄宿学校制度试图系统性地抹去原住民的语言和传统，舞蹈作为一种最直接、最易于被察觉的文化表达形式，遭到了严厉的压制。许多部落的公开仪式被禁止，舞蹈者面临逮捕或惩罚的风险。 这一部分细致描绘了在禁令时期，舞蹈是如何转入地下——在秘密的家庭聚会、偏远的保留地角落或伪装成宗教集会中得以存续。我们关注那些冒着巨大风险，坚持在私下教授下一代舞蹈动作的女性长者，她们是活着的图书馆，她们的身体记忆成为了抵抗同化的最后堡垒。 第二部分：现代性、流离与身份的重塑 进入20世纪中叶，“大迁徙”将大量原住民推向城市中心，离开了他们世代居住的土地和熟悉的仪式环境。本书将焦点转向了城市中的原住民女性。在洛杉矶、芝加哥、俄克拉荷马城等地的钢铁丛林中，她们发现传统的舞蹈语汇在新的空间中显得无所适从。 重新定义“部落性” 本书着重分析了在城市环境中，原住民女性如何开始“重组”和“选择性地运用”她们的文化遗产。一些人开始研究和复兴已被遗忘的仪式舞蹈，但更多人则将传统元素融入现代艺术形式。 我们深入探讨了两位具有代表性的艺术家的创作历程（此处以虚构或化名的人物为例，以保证内容的普适性）：一位是接受了现代舞训练，却始终在作品中融入特定部落符号的编舞家；另一位则是专注于“手工艺术”——如制作传统服饰、串珠和羽毛头饰——并利用这些服饰进行舞台表演的艺术家。她们的实践挑战了外界对“真实原住民艺术”的刻板印象，即认为原住民艺术必须是静态的、历史的、未经改变的。 身体政治学与能见度 本书的第三部分转向了当代语境下的身体政治。在MeToo运动和更广泛的社会正义运动背景下，原住民女性的身体——长期以来被物化、被殖民叙事所定义——成为了政治表达的前沿阵地。 舞蹈不再仅仅是对祖先的致敬，它成为了对社会不公的直接控诉。书中分析了例如针对“失踪和被杀害的原住民女性”（MMIW）运动中，舞蹈如何被用作公共集会和抗议活动中的一种强有力的、非暴力的动员工具。这种舞蹈语言往往是原始的、充满力量的，是对沉默和遗忘的有力回应。 科技赋能与全球连接 最后，本书审视了数字时代对原住民舞蹈传承的影响。通过社交媒体、独立纪录片和在线平台，年轻的原住民艺术家能够绕过传统媒体的过滤和偏见，直接向全球受众展示她们的作品。这促进了跨部落间的交流，也使得一些偏远保留地的舞蹈风格获得了更广泛的认可。然而，数字时代的便捷性也带来了新的挑战，如文化挪用和商业化的风险。 结论：未竟的旅程 《林中之舞》总结道，原住民女性的舞蹈艺术是一种持续的、充满活力的抵抗行为。它在历史的重压下弯曲、变形，但从未折断。这种艺术形式证明了生命力与文化韧性的强大，它既扎根于古老的土地，又勇敢地探索着未来的可能性。这本书旨在为读者提供一个深入理解原住民女性复杂身份认同的视角，认识到她们的“舞步”是文化存续、个人尊严与民族主权最生动的宣言。 作者简介（虚构背景以强化内容深度） 作者是一位人类学家和表演研究学者，拥有跨学科的教育背景。她在北美西海岸和西南部多个保留地进行了长达二十年的田野工作，并作为特邀顾问参与了多个文化遗产保护项目。她致力于记录和推广那些被主流文化史所忽视的、由边缘群体主导的艺术表达形式。她的研究方法强调合作、尊重原住民知识体系的自主性，并力求在学术分析与人文关怀之间找到平衡。

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这本书的叙事手法真是让人耳目一新，作者仿佛是一位老练的舞台总监，将观众的目光精确地引向那些在聚光灯下闪耀，却又在幕后默默付出的艺术家们。我尤其欣赏它对“传统”与“现代”之间张力的细致描摹。它没有简单地将原住民文化浪漫化或边缘化，而是深入探讨了身份认同在舞蹈这一媒介中如何被不断地构建、解构与重塑。书中那些关于身体意识和文化传承的讨论，远超出了对舞蹈技巧的表层描述，触及了更深层次的民族灵魂的悸动。它让我思考，当一个舞者选择用芭蕾——一种源自欧洲的、高度规范化的艺术形式——来表达源自美洲大陆的古老故事时，这种“选择”本身就蕴含了多少无声的宣言和复杂的情感重量。那种在经典学院派训练的严格框架内，努力注入个人历史和集体记忆的挣扎与辉煌，被描绘得淋漓尽致，仿佛能闻到舞台上松香与汗水混合的气息。

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读完之后，我感觉自己的“观剧”视角被彻底颠覆了。以往观看芭蕾，关注的焦点多集中在技术完美度和音乐诠释上，但这本书让我学会了在每一个优雅的延伸、每一个精准的旋转背后，去探寻那份文化脐带的连结。作者的叙事节奏控制得极好，时不时穿插的口述历史片段，那种未经修饰的、近乎粗粝的真实感，与芭蕾艺术本身的光洁形成了绝妙的张力。它不仅仅是关于“谁跳了什么”，更是关于“为什么跳，以及在谁的土地上跳”。其中关于舞蹈作为一种抵抗形式的论述尤其精妙，它指出在某些时刻，最纯粹的艺术表达反而成为最强有力的政治声明，无需言语，只靠肢体的力量就能完成一场无声的抗议与和解。

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我喜欢这本书的一点是，它敢于触碰那些不那么“光彩夺目”的议题。它没有回避原住民舞者在主流机构中可能遭受的文化挪用风险，或是为了获得认可而不得不做出的自我审查。这种诚实是罕见的，它避免了将这些艺术家塑造成不食人间烟火的文化偶像。相反，作者用近乎散文诗的笔调，记录了她们在争取艺术自主权过程中的心路历程——那些深夜的自我怀疑、与导师的理念冲突，甚至是商业运作的残酷现实。这种将高雅艺术的表象与现实的泥泞交织在一起的写作手法，使得整本书读起来既有学术的严谨，又有人性的温度，让人在赞叹之余，更生出一种深刻的共情与敬意。

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这本书的文字风格是极其富有画面感的，简直就像是为一位视觉系导演量身定制的剧本。我常常需要停下来，闭上眼睛，想象那些被作者描述的场景。那些对光影、服装细节，尤其是舞台调度（staging）的描绘，精确到了令人发指的地步。它不是简单地罗列成就，而是将这些舞者的职业生涯置于一个更广阔的社会历史背景之下，探讨了媒体、赞助商、以及文化评论界是如何共同塑造了公众对“原住民艺术家”的期待和标签的。这种对“凝视”（gaze）的批判性反思，让这本书的深度远超出了传记或艺术史的范畴，更像是一篇关于权力结构下身份构建的社会学研究报告，只不过它的论据是优美的舞姿。

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我得说，这本书的文献价值和情感冲击力是并存的，但它们并不是以一种枯燥的学术方式呈现的。它更像是一部精心编排的舞蹈纪录片，只不过载体是文字。作者的笔触极为细腻，尤其是在描述那些边缘化的女性舞者面对体制性障碍时的心理韧性时，那种坚韧与脆弱交织的质感，让人心头一紧。我特别关注到其中关于地域差异的章节，它清晰地展示了不同地理位置的原住民社区对艺术表达的不同理解和资源支持。例如，西海岸的叙事基调与大平原的表达方式在书中形成了鲜明的对比，这种地理上的纵深感极大地丰富了对“美国印第安”这一宏大概念的理解。它强迫读者放下预设的刻板印象，去聆听那些真实、多维、且不断变化的声音，每一次翻页都像是在揭开一层又一层历史的尘封。

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