具体描述
The sensual, voluptuous shapes in the work of British sculptor Henry Moore (1989-1986) are the sign of his unmistakable signature style. Often depicting human or human-like forms--especially female--Moore's sculptures, with their abstract style, brought a distinctive brand of Modernism to fine art. His cast bronze and carved marble sculptures grace the gardens and galleries of the world's finest museums and have earned him a devoted following. Particularly beloved are his many mother-and-child compositions.
Available in over 20 languages, Taschen's Basic Art Series offers budget-minded readers quality books on the greatest artists of all time. The neat, slick format and nice price tag make Basic Art books perfect for collecting.
Basic Art titles feature:
- detailed chronological summary of the artist's life and work, covering the cultural and historical importance of the artist
- over 100 color illustrations with explanatory captions
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读后感
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用户评价
这本书的叙事结构，坦白说，一开始让我有些摸不着头脑。它似乎刻意避开了传统传记的线性时间轴，转而采用了一种更碎片化、更侧重于主题和材料特性的编排方式。比如，某一章节专门剖析了“空洞”在作品中的意义，从早期的洞穴形态到后期对空间负形的驾驭，逻辑跳跃性很大，但细品之下，又处处体现出一种内在的圆融。我特别欣赏其中对于艺术家工作室日常场景的描绘，那些堆积如山的草图、被遗弃的模具，以及工具上经年累月的油污，都生动地还原了一个创作者真实的“战场”。这种“去神化”的处理，让人感觉这位雕塑巨匠并非高高在上，而是与我们一样，在与材料进行着永无休止的角力。文字的密度很高，信息量巨大，需要反复咀嚼。它迫使读者慢下来，去体察那些细微的变化，去理解那些看似简单的几何形态背后，蕴含着多么复杂的空间计算和情感投入。读到最后，我甚至觉得自己的眼睛和手指都开始渴望触摸冰冷的石头，去感受那种物质的沉重与抗争。
评分关于这本书的装帧和纸张选择，我必须给予高度评价。这并非一本可以随意丢在咖啡桌上的“摆设品”，它更像是一本需要被珍视和保护的档案。内页采用了那种略带米黄色的哑光纸，极大地抑制了印刷品可能带来的廉价感，完美地衬托了作品本身那种内敛而厚重的质感。更难得的是，书中收录了大量鲜为人知的早期文献和私人信件的扫描件。通过那些略显模糊的手写体，我仿佛能捕捉到艺术家在创作特定系列时的那种焦虑、兴奋和自我怀疑。有一封信件中，他提到自己如何因为一个形体的比例而彻夜难眠，这种坦诚比任何华丽的评论都要动人。它揭示了一个真理：伟大的艺术往往诞生于极度的专注和近乎偏执的自我要求之中。这本书的编辑显然是下了大功夫的，他们没有满足于简单的作品罗列，而是努力构建了一个多维度的历史情境，让读者能够站在那个时代背景下，去重新审视艺术家的选择与挣扎。
评分翻开这本被誉为雕塑界里程碑式的作品集，我首先被那种扑面而来的、近乎原始的力量感所震撼。它不是那种矫揉造作、试图迎合大众审美的“艺术品”，而更像是一次对物质本身属性的深刻对话。那些青铜和石材的肌理，在摄影师精准的光影捕捉下，仿佛有了自己的呼吸和脉搏。我特别留意了其中关于早期作品的介绍，那些粗粝的表面处理和对人体形态的抽象提炼，让人联想到古老的图腾，或者说是人类潜意识中对生命源头的追溯。作者在文字中并没有过多地陷入学院派的术语泥潭，反而用了一种近乎诗意的笔触，描绘了艺术家如何在战后的废墟中，重新寻觅到一种坚韧而又富有弹性的生命哲学。书中的插图排版也极其考究，大开本的印刷使得那些宏伟的户外装置作品，即使在室内翻阅，也能感受到它们与环境的张力。读完这部分，我感觉自己像是完成了一次漫长的山地徒步，筋疲力尽，却又对脚下这片土地有了全新的敬畏之心。它不仅仅是关于一个艺术家的作品回顾，更像是一部关于“存在”的视觉哲学论著。
评分这本书提供的学术价值是毋庸置疑的，但真正让我感到惊喜的是它在方法论上的创新。它不像一本传统的艺术史著作，堆砌着人名、年代和流派标签，反而更像是一部结合了考古学、人类学和现象学视角的综合研究。其中穿插的几篇学术论文，虽然专业性较强，但它们提供的分析工具非常犀利，比如如何从雕塑的“重心”变化中解读特定时期的社会心理状态。我印象最深的是关于作品中“断裂”与“连续”的辩证关系分析，它将雕塑的形态变化与二十世纪社会政治的动荡巧妙地关联起来，使得每一件作品都成为了时代的缩影。阅读过程需要高度的精神集中，因为它要求读者不仅要看“是什么”，更要深究“为什么会这样”。这是一本会让你在阅读中不断停下来，拿起笔在旁边空白处记录下自己零散想法的书籍。它没有提供简单的答案，而是为你提供了一套探索复杂艺术世界的有效工具，引导你成为一个更具批判性和感知力的观察者。
评分与其他艺术家的传记或作品集相比，这本关于[此书]的论述，最引人注目的是其对“触感”的执着探讨。作者（或编辑）似乎将“触觉经验”提升到了一个与视觉同等重要的地位。书中反复强调了艺术家对于材料生命力的尊重，无论是粘土的延展性，还是铸铜后的冰冷光滑，都不仅仅是表面的装饰，而是作品意义的载体。我尤其喜欢其中几篇对比分析，将不同时期和不同地域的雕塑进行并置，展示了艺术家是如何在全球化的浪潮中，依然坚守住自己对于“大地感”和“母性形态”的独特理解。文字的节奏感非常强，时而如涓涓细流般细腻，时而又如重锤敲击般铿锵有力。它成功地避开了将艺术家的创作简单归结为某种“风格演变”的陷阱，而是将其视为一种持续的、对人类本源需求的探索。读完后，我甚至改变了对许多雕塑作品的看法，开始尝试闭上眼睛，去“想象”用手触摸它们时的感受，那是一种超越视觉的、更深层次的审美体验。
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