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出版者:Getty Publications

作者:Antonella Fuga

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:2006-10-02

价格:$24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780892368600

丛书系列:Guide to Imagery Series

图书标签:

• 艺术
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艺术家的技艺与材料：跨越时代的创作精粹 一本深入探究艺术史中关键技法、材料革新与艺术家个人实践的权威指南。 内容提要： 本书旨在为艺术史研究者、修复专家、当代艺术家以及所有对艺术创作过程怀有深厚兴趣的读者，提供一份详尽而富有洞察力的参考手册。我们聚焦于那些定义了特定艺术运动、开创了新视觉语言的关键技术突破，以及艺术家们如何利用和改造他们手头的物质资源，将灵感转化为永恒的杰作。本书的结构分为四大核心部分，每一部分都致力于解剖艺术创作中不可或缺的物质维度。 第一部分：古代与古典艺术的物质基础 本部分追溯了西方艺术从史前时期到文艺复兴初期，绘画、雕塑和建筑材料的演变历程。我们不会止步于对“古希腊雕塑”或“罗马壁画”的简单描述，而是深入挖掘其背后的化学与物理过程。 洞穴壁画的矿物颜料： 探讨阿尔塔米拉和拉斯科洞穴壁画中使用的赭石、二氧化锰和木炭，分析这些原始材料如何通过简单的媒介（如动物脂肪或水）实现持久的附着力。我们将研究这些物质的微观结构，以理解其在特定岩石表面上的稳定性。 古埃及与美索不达米亚的塑形技术： 深入分析早期文明如何掌握泥土的塑性，以及对烧制温度和粘土配方的精确控制如何催生了复杂的陶器和浮雕。重点讨论“彩陶”工艺中釉料的早期形态，例如埃及的“法昂斯”（Faience）——一种锡铅釉的突破性应用。 古典时期的媒介革命： 详细阐述古希腊和罗马时期绘画中的“蛋彩”（Tempera）与“蜂蜡画”（Encaustic）的配方差异。对于蜂蜡画，我们将剖析热源对颜料流动性和最终光泽度的影响，以及这种技法在湿润气候下保存的难度与挑战。我们还将讨论大理石采石技术，从卡拉拉（Carrara）的质量标准到雕刻工具（如凿子和磨石）的演进，如何直接影响了古典人体雕塑的细节刻画和动态表现。 中世纪的色彩炼金术： 这一章的核心是玻璃工艺和手抄本的制作。我们研究早期中世纪教堂中如何通过添加金属氧化物（如钴、铜、铁）来制造鲜艳的“圣像玻璃”。对于手抄本插图，我们细致描述了金箔的制作过程——从金锭的锤打、烧制到用粘合剂（如蛋清或鱼胶）将其敷贴于羊皮纸上的精确步骤，以及使用孔雀石、群青等昂贵矿物研磨成颜料的工匠流程。 第二部分：文艺复兴的科学与技艺融合 文艺复兴时期是材料科学与艺术实践深度结合的黄金时代。本部分考察了油画媒介的兴起及其对艺术表现力的解放。 油画媒介的成熟与标准： 详细对比早期尼德兰画家（如凡·艾克）如何使用亚麻籽油或核桃油作为媒介，与意大利画家对“油性蛋彩”的实验。讨论不同油料的干燥时间、光泽度及对颜料透明度的影响。我们将分析“光油”（Mediums）配方的演变，包括如何通过加热和添加树脂（如达玛树脂或松香）来调整颜料的稠度和光线穿透性。 湿壁画的持久挑战： 对乔斯科的《最后的晚餐》等作品进行案例分析，探讨湿壁画（Fresco Buon）技术对墙面准备（Arriccio和Intonaco层的厚度与碱性）、颜料选择以及每日工作界限的严格要求。同时，我们将考察达芬奇等艺术家在尝试改进湿壁画耐久性方面所做的“非正统”实验及其后果。 透视的物质载体： 尽管透视更多是数学概念，但其实现依赖于画板的准备。分析木材（白杨木、橡木）的选择对大型油画框变形的抵抗力，以及如何通过石膏底料（Gesso）的层层涂抹，创造出光滑、反光且适合油彩附着的表面。 文艺复兴时期的雕塑创新： 聚焦于青铜铸造技术，特别是“失蜡法”（Cire Perdue）的精细化。讨论米开朗基罗时代如何实现对复杂姿态的精确捕捉，以及铜合金配方的微小调整如何影响铸件的强度和最终的抛光效果。 第三部分：巴洛克至浪漫主义的色彩爆炸与光影实验 随着化学工业的萌芽和全球贸易的扩大，艺术家的材料选择呈现出前所未有的多样性，他们开始系统地探索光线与物质的互动。 委拉斯开兹与鲁本斯的颜料库： 考察巴洛克大师如何利用更丰富的矿物和合成颜料。例如，对“群青”（Ultramarine）——来自阿富汗的天然青金石——的昂贵使用，以及对“铅白”（Lead White）在创造微妙阴影和高光方面的依赖。我们研究这些材料在不同光照下的色移现象。 德拉克罗瓦与“光学混合”的先声： 浪漫主义艺术家开始超越传统调色板，尝试更鲜明的并置。本部分讨论他们如何通过相邻放置纯色颜料，利用观众视觉来完成色彩的“混合”，这是对未来印象派色彩理论的物质预演。 纸张技术的革命： 纸张不再是昂贵的羊皮纸的替代品，而是成为独立的艺术媒介。分析工业化造纸如何降低成本，以及不同纤维含量和尺寸的纸张如何影响水彩（Watercolor）和粉彩（Pastel）的表现力。探讨英国水彩画家对“湿铺法”的偏好与纸张吸水性的关系。 第四部分：现代材料的解放与工业影响 19世纪中期以后，化学工业的进步彻底颠覆了艺术家的工具箱，催生了新的艺术流派。 合成颜料的诞生： 详述人造“普鲁士蓝”（Prussian Blue）的发明如何降低了蓝色颜料的成本，使印象派画家能够更自由地描绘户外光线。深入探讨“镉黄”（Cadmium Yellow）和“铬黄”（Chrome Yellow）的引入，以及这些更稳定、更明亮的颜料对莫奈和梵高色彩饱和度的决定性影响。 工业革命对画笔和画架的影响： 分析金属套管画笔的发明如何取代了传统的手绑鬃毛刷，提高了画笔的耐用性和控制力。探讨铝制画架和折叠式调色板的普及如何促成了“户外写生”（Plein Air）的兴起，使艺术家摆脱画室的束缚。 后印象派的材料探索： 关注塞尚对颜料厚度的精妙控制（Impasto）如何构建体积感，以及修拉对点彩（Pointillism）技术中，如何精确计算所需颜料颗粒的大小和密度，以达到预期的光学效果。 20世纪初的媒介扩展： 讨论立体主义对拼贴（Collage）的引入，这是一种对传统绘画材料的颠覆，将“现成品”带入艺术语境。分析早期现代主义者对胶水、报纸、布料等非传统材料的实验性运用，以及它们在理论和实践上对艺术物质性的重新定义。 结语：物质的永恒对话 本书最终强调，无论是古埃及的泥土还是20世纪的丙烯酸，艺术的物质性始终是观念得以实现的基础。通过对这些技术和材料的深入了解，读者可以更深刻地理解艺术史上的每一次风格转变，不仅仅是思想的变革，更是物质工具与人类意志结合的必然结果。本书为研究者提供了坚实的物质证据，为创作者提供了跨越时空的灵感源泉。

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对于一个刚刚进入艺术学院学习基础课程的学生来说，市面上充斥着各种过于简化或过于专业的书籍，很难找到一个平衡点。《Artists' Techniques And Materials》最棒的一点就是它的“可操作性”和“容错率”。作者在介绍每一种复杂技术时，都会附带一个“初学者注意事项”的侧栏，明确指出哪些步骤是绝对不能跳过的，以及在犯错时如何进行补救。例如，在讨论水彩的“留白液”使用时，它不仅讲解了如何精确涂抹，还详细说明了如果意外地将留白液涂在了不该涂的地方，应该使用哪种特定比例的酒精混合物进行局部清洗而不损伤纸张纤维。这种细致入微的指导，极大地增强了初学者的信心。更重要的是，书中对不同价位品牌材料的性能对比，帮助我们这些预算有限的学生，能够在保证基本技术要求的前提下，做出最经济的选择。它不是在推销昂贵的材料，而是在教导我们如何用手中现有的资源，最大限度地发挥潜力，这才是真正实用的“艺术教育”。

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作为一个主要从事雕塑和混合媒介创作的艺术家，我本以为这种书会更偏向于平面绘画，但《Artists' Techniques And Materials》的广度实在令人印象深刻。它对“材料”的定义远超出了传统的油画颜料和素描铅笔。书中有一部分专门讨论了现代粘合剂的选择，从用于固定重型混合媒介的环氧树脂，到用于纸浆雕塑的纤维素浆，作者详细列举了每种粘合剂的固化时间、强度、以及对不同基材（如金属、塑料、有机物）的亲和力。我最近一直在尝试将回收的电子元件融入到我的装置艺术中，最大的难题就是如何确保这些异质材料能够长期稳定地结合在一起。这本书提供的关于表面预处理和界面化学的章节，简直是为我解决了一个长期困扰的工程难题。它甚至讨论了如何在不使用有毒溶剂的情况下，对铜片进行选择性的氧化处理以获得特定的绿色锈迹，这对于我这种关注材料本真性的艺术家来说，提供了极具价值的指引。它成功地将精密的材料科学与艺术表达的自由度结合了起来。

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坦白说，我本来对这种“技术手册”类的书籍抱持着审慎的态度，通常它们要么过于学术化，晦涩难懂，要么就是流于表面的“三分钟学会”的快餐式教学。然而，《Artists' Techniques And Materials》彻底颠覆了我的预期。它的叙事方式非常流畅，与其说它是一本教材，不如说它是一部艺术材料的编年史。书中对现代合成颜料的介绍尤其到位，它没有简单地赞美它们色彩的鲜亮，而是非常客观地分析了它们在耐光性、流动性上的优势和局限，甚至还涉及了艺术家如何应对环保法规而进行材料替代的实践案例。我尤其欣赏作者在讨论“底料准备”时所采用的跨文化视角，对比了欧洲传统的石膏底料（Gesso）与亚洲传统宣纸裱糊工艺在保持画面张力和保存颜料活性方面的异同。这种宏大的视野，让原本枯燥的配方讲解变得充满趣味性。读完后，我立刻尝试调整了我常用的画板准备流程，尝试使用更高比例的鹿胶替代传统的明胶，结果发现画面对颜料的“吸附力”和整体的平整度都有了显著改善。这本书不是教你如何复制某位大师的作品，而是启发你如何像一位工匠一样去思考你手中的每一管颜料。

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这本《Artists' Techniques And Materials》简直是为我量身定做的工具书！我一直对传统油画的色彩混合和媒介处理很感兴趣，但总是在实践中找不到那种“顿悟”的感觉。这本书的结构非常清晰，它没有停留在泛泛而谈的理论层面，而是直接深入到不同颜料的历史演变和化学特性中。比如，它花了整整一个章节详细解析了不同批次的群青（Ultramarine）颜料在光照下的稳定性差异，以及如何通过调整调和油的比例来控制颜料的干燥速度和光泽度。我特别喜欢它关于“刮擦技巧”（Sgraffito）的部分，它不仅仅展示了如何用工具在湿润的颜料层上刮出肌理，还对比了使用木制工具和金属工具在不同底衬（如亚麻布与木板）上产生的视觉效果。最让我惊艳的是关于“釉料层”的讲解，它细致地描述了如何通过多次薄涂透明颜料来增加画面的深度感，以及如何利用不同油性的介质来确保每一层之间都能良好附着，避免了以往我使用过厚颜料导致的开裂问题。这本书真正教会我的是，每一种材料都有其“脾气”，理解了这些脾气，才能真正驾驭它们，让作品焕发出持久的生命力。它更像是一位经验丰富的大师，在我的工作室里耳提面命，让我对材料的敬畏心更深了。

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老实说，我购买这本书的初衷只是想找一本能快速查阅颜料批号和稀释剂配比的参考书。然而，阅读的体验却变成了一场对艺术史中那些“意外发现”的探索之旅。作者并非简单地罗列配方，而是通过追溯某些材料的起源故事来阐释技术演进的必然性。比如，书中对“蛋彩画”的阐述，不仅仅是讲解了蛋黄乳化的过程，更是通过对比不同时期画家的“乳化速度”差异，推断出不同地域对颜料粘度和干燥速度的偏好，这背后反映的是不同的工作节奏和创作环境。我以前一直认为某些技法是固定不变的，但这本书揭示了“技术”本身也是一种流变的文化现象。它让我重新审视了那些看似理所当然的作画步骤，开始思考：我所用的松节油，真的是实现我视觉目标的唯一途径吗？这种挑战既有知识的权威性的态度，让我对自己的创作过程进行了彻底的自我反思。它促使我走出舒适区，去尝试那些可能更耗时、更考验耐心的传统混合方式。

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