Large Bronzes in the Renaissance pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Yale Univ Pr

作者:Motture, Peta 编

出品人:

页数:358

译者:

出版时间:2003-12

价格:$ 67.80

装帧:HRD

isbn号码:9780300100945

丛书系列:

图书标签:

• 文艺复兴
• 青铜雕塑
• 艺术史
• 雕塑
• 意大利文艺复兴
• 艺术
• 历史
• 文化遗产
• 青铜艺术
• 博物馆藏品

威尼斯文艺复兴时期艺术的辉煌：雕塑与建筑的对话 本书聚焦于十五世纪和十六世纪的威尼斯共和国，深入剖析了这一独特历史时期内，雕塑艺术与建筑实践之间复杂而富有创造性的互动。 威尼斯，这座建立在泻湖之上的光荣城邦，在文艺复兴的浪潮中展现出与佛罗伦萨、罗马截然不同的文化风貌。她既是连接东西方的贸易枢纽，也是一个在政治、宗教和审美上高度自治的城邦国家。本书旨在通过考察大型公共雕塑、私人纪念碑以及它们在城市空间中嵌入的方式，揭示威尼斯雕塑艺术如何在遵循人文主义理想的同时，发展出自身独特的、注重色彩、光影与空间叙事的风格。 第一部分：泻湖之上的理想国——城市环境与赞助体系 本书首先探讨了威尼斯独特的地理、政治和社会结构如何塑造了其艺术赞助体系，并直接影响了雕塑的题材、规模和材料选择。 一、 共和国的荣耀与公共艺术 与佛罗伦萨或罗马以美第奇家族或教皇为中心的不同，威尼斯共和国的艺术赞助主要由大议会（Maggior Consiglio）和精选的行政委员会（Signorie）主导。公共雕塑的首要功能是巩固国家的神圣性和政治合法性。 圣马可广场的象征意义：我们将详细分析圣马可大教堂前广场上那些大型雕塑群的演变。这不仅包括对拜占庭和古典遗存的继承，更关键的是如何通过新的雕塑作品，例如对早期总督的纪念碑，来构建“永恒的共和国”这一政治叙事。 军事英雄的铸像：本书将特别关注盛期文艺复兴时期，威尼斯对军事领导人（如科莱奥尼将军）的纪念性骑马雕像的偏爱。通过对这些青铜和石制巨作的材料分析与铭文解读，我们可以看到威尼斯如何将古典罗马的军事荣耀融入其城邦现实。这些雕塑不仅仅是对个体的颂扬，更是对共和国军事力量的公开展示。 二、 私人财富与艺术投资 除了国家项目，富裕的贵族家庭和商人阶层对艺术的投入同样不容忽视。他们的赞助往往体现在家族教堂的祭坛雕塑、墓葬纪念碑以及私人宫殿（Palazzi）的装饰上。 陵墓的革命：我们研究了从十五世纪早期开始，威尼斯贵族如何利用大型的、融入建筑的雕塑群来宣示其世俗权力和虔诚。这些作品常常挑战传统的宗教叙事，将肖像学与神学主题并置，标志着私人墓葬艺术的世俗化倾向。 材料的偏好：与佛罗伦萨偏爱大理石不同，威尼斯对色彩和光泽的敏感度，使得大理石（尤其是来自伊斯特拉半岛的精细石材）与彩色大理石、青铜的结合更为常见。我们将分析这种材料选择如何影响雕塑的视觉效果，尤其是在威尼斯特有的潮湿光照条件下。 第二部分：风格的演变——从多纳泰罗到文艺复兴晚期 本书细致梳理了威尼斯雕塑风格在十五世纪经历的重大转变，重点关注外来影响的本土化过程。 一、 北方影响的初步吸收（Quattrocento） 文艺复兴早期，许多来自意大利北部的雕塑家（如多纳泰罗、吉贝尔蒂的学生）来到威尼斯，带来了透视法、解剖学精确性以及对古典形式的复兴。 多纳泰罗的遗产：分析多纳泰罗在威尼斯短暂的逗留及其对当地艺术家的影响。尽管多纳泰罗的力度和情感深度被威尼斯艺术家吸收，但其雕塑的“硬度”和线条的清晰度，在威尼斯的湿润环境中，往往被赋予了更柔和、更具叙事性的处理方式。 叙事性雕塑的兴起：十五世纪中期，威尼斯雕塑家开始在小型和中型浮雕中展现出对复杂情节的偏爱，这与当地文学和绘画中对异域情调和细节描绘的兴趣相一致。 二、 盛期文艺复兴的建筑雕塑融合（Cinquecento） 十六世纪是威尼斯雕塑的黄金时代，这一时期的作品展现出与提香、丁托列托等画家的作品在精神和色彩上高度统一的“威尼斯风格”。 纪念性建筑的装饰：我们将分析圣洛伦佐教堂（San Lorenzo）和学院美术馆（Gallerie dell'Accademia）周围的建筑立面，研究雕塑如何从依附于墙面的装饰，转变为具有独立空间感和动态的结构元素。雕塑家需要解决如何使人物在宏大的建筑背景下依然保持其清晰的形态和情感表达。 “动态”与“气氛”的追求：与古典的宁静感不同，盛期威尼斯雕塑（例如，雅科波·桑索维诺的作品）开始追求强烈的动感、夸张的肢体语言以及对光线反射的精妙处理。这使得雕塑仿佛具有了“绘画的”品质，与当时的油画美学相呼应。 第三部分：空间、尺度与工艺的挑战 本书的最后一部分，将目光投向了大型雕塑项目所面临的实际技术和哲学挑战，特别是体量、材料加工与城市安置的难题。 一、 青铜铸造的复兴与创新 虽然石雕在威尼斯很常见，但大型青铜铸造项目无疑是文艺复兴技术实力的象征。 规模化的难题：铸造大型（超过真人尺寸）的青铜雕像，需要极高的技术精确性。本书将对比威尼斯与佛罗伦萨在失蜡法（Cire Perdue）技术上的差异，分析威尼斯工匠如何克服泻湖地区潮湿对模具维护的挑战。 表面处理与色彩：威尼斯铸造的青铜往往被赋予了特定的铜绿（Patina）处理，以增强其在强光下的视觉效果。这种对“表面”的关注，是威尼斯艺术区别于其他地区的重要标志。 二、 雕塑与建筑的边界模糊 在威尼斯，雕塑很少是孤立的艺术品，它们是城市景观的不可分割的一部分。 祭坛的剧场化：分析大型祭坛雕塑群（如圣马可大教堂内的一些祭坛装饰）如何创造出一种“舞台效果”。人物被安排在错落有致的壁龛、檐口和基座之间，引导观者的目光，形成一个多层次的叙事空间。 人与神、英雄的尺度关系：在公共纪念碑中，如何平衡纪念人物的世俗英雄主义与神圣教义的宏大叙事，是雕塑家必须解决的尺度问题。本书通过对基座高度、人物视线方向的分析，展现了雕塑家在维护公共秩序感和表达个人情感之间所做的精妙权衡。 结论：威尼斯雕塑的独特性 本书的最终论点是，威尼斯文艺复兴时期的雕塑艺术，由于其对贸易带来的异域影响的开放性、对光影和色彩的敏感性，以及共和国对公共形象的极度重视，发展出了一种既植根于古典传统，又充满独特感官魅力的风格。它不像佛罗伦萨那样强调严格的解剖学和理性的结构，而是更倾向于动态的、叙事性强的、与建筑环境深度融合的表达方式，完美契合了这座“水上之城”的荣耀与复杂性。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性毋庸置疑，但其最大的亮点在于其跨学科的整合能力。它不仅仅是一本雕塑史专著，更像是一部文艺复兴时期材料科学与社会经济史的交叉研究报告。作者毫不避讳地讨论了获取高质量铜锡合金原料的贸易路线，以及在特定时期内，各国对战略性金属的控制如何影响了艺术项目的可行性。对于我们这些对文艺复兴艺术抱有深厚兴趣的非专业读者来说，书中对“比例尺放大”过程中遇到的结构力学难题的解释，虽然技术性稍强，但通过清晰的图表和类比，依然能让人领会到当时的工程师和艺术家们所面对的巨大挑战。我发现自己不断地停下来，对照着书中的插图进行思考：一件近三米高的青铜雕像在运输和竖立过程中，其内部支撑结构是如何设计的？这种对“幕后”工程学的关注，极大地提升了我对文艺复兴时期“全才”概念的理解——艺术家必须是学者、工程师和商人于一身。它成功地打破了艺术与科学之间的壁垒，展示了在那个时代，美学上的突破往往是建立在坚实的物质基础之上的。

评分☆☆☆☆☆

这本关于文艺复兴时期大型青铜器的著作，从一个全新的视角深入探讨了艺术史的脉络。作者并未止步于对作品形式和美学的传统分析，而是将焦点放在了技术革新与社会权力的交织之上。书中详尽地描绘了十五、十六世纪铸造巨型青铜雕塑所需的复杂工艺——从最初的泥塑模型到最后的脱蜡浇铸，每一步都充满了高风险与高投入，这本身就是对赞助人财力和技术实力的终极考验。我尤其欣赏作者对于不同地区工艺差异的细致比较，例如佛罗伦萨与威尼斯在材料选择和表面处理上的微妙不同，这不仅仅是技术层面的差异，更反映了不同城市文化氛围和艺术追求的侧重点。书中通过对多件标志性作品（例如多纳泰罗的《大卫》或吉尔伯蒂的《天堂之门》的青铜细节）的深度剖析，清晰地揭示了艺术家如何在有限的物理约束内，实现宏大叙事和精妙细节的完美融合。这种对“大”与“精”的辩证统一的探讨，极大地拓宽了我对文艺复兴雕塑实践的理解，它绝非简单的规模扩大，而是一场技术与艺术的协同革命。整本书的论证结构扎实有力，充满了令人信服的细节支撑，读来酣畅淋漓，是一部值得反复研读的学术佳作。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的阅读体验是充满挑战，但也极其充实的。它不像市面上那些充斥着华美彩图的导览手册，它更像是一部深入的田野调查记录。不同于以往专注于佛罗伦萨“巨头”的叙事，此书将目光投向了意大利北部乃至阿尔卑斯山脉南北两端的青铜铸造中心，这为我们构建了一个更为立体的欧洲艺术版图。作者在考察一个特定的青铜群像时，总是能够巧妙地将焦点从个体作品的细节转移到它所处的政治微环境。例如，书中对于威尼斯总督府前那些威严的骑马雕像群的分析，就着重强调了它们如何服务于城邦的共和理想，而非单纯的个人崇拜。这种宏观与微观的视角切换，使得阅读过程充满了发现的乐趣。虽然部分章节对于特定家族赞助链条的梳理略显繁复，但正是这种详尽的考据，为最终对作品意义的阐释提供了不可动摇的基础。它教会了我，要真正理解一件“大”青铜，就必须理解它背后的“大”背景。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我脑海中浮现出的画面是一场宏伟的、布满汗水与火焰的工坊场景。作者的叙事风格极其生动，仿佛带着读者亲临米开朗基罗去世后那座堆满蜡模与坩埚的铸造场。与那些枯燥的艺术史文献不同，这本书充满了对“人”的关注——那些默默无闻却技艺超群的工匠们，他们如何面对熔融金属的灼热、如何控制数吨青铜的流向，以及他们与赞助者之间紧张的合作关系。书中花了大量篇幅来探讨赞助体系如何塑造了艺术的边界；大型青铜项目往往是政治宣言的载体，它们被放置在广场中央或显赫的教堂入口，其体量本身就是权力的物化象征。我特别喜欢其中关于青铜表面“铜锈”和“包浆”的章节，这部分内容极富想象力，作者将其视为时间在作品上留下的痕迹，是艺术生命力的具体体现，而非仅仅是需要被修复的“缺陷”。这种将物质性、工艺性和象征意义紧密结合的解读方式，使得整本书的层次感非常丰富，读起来就像在品鉴一件经过岁月洗礼的、具有复杂历史背景的艺术珍品，而非简单地阅读一份图录。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的语言风格相对古典和严谨，但其内在的热情是显而易见的。作者对文艺复兴时期青铜铸造艺术的热爱几乎要溢出纸面。最令我震撼的，是书中对于青铜“物质性”的哲学探讨。青铜，这种古老的金属，在文艺复兴时期被赋予了新的生命和意义——它既是古典传统的继承者，又是现代技术力量的象征。书中对如何通过金属的氧化层和表面打磨来模拟皮肤的质感、肌肉的张力进行了细致入微的描述，这些描述的力度，仿佛能让读者感受到雕塑家对材料的绝对掌控。书中没有过多地流连于对作品“美”的空泛赞美，而是专注于“如何实现这种美”的过程。对我而言，它更像是一本揭示艺术“黑箱”操作手册的权威指南，解构了那些曾经被神话化的创作过程。这本书极大地提升了我未来欣赏此类艺术品的鉴赏层次，因为它让我明白了，每一件大型青铜作品，都是一场与重力、温度和时间抗争的伟大胜利。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆