Marcel Broodthaers

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出版者:Merz
作者:Marcel Broodthaers
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2002-02-15
价格:USD 25.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9789069170114
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 观念艺术
  • 诗歌
  • 博物馆
  • 语言
  • 当代艺术
  • 比利时艺术
  • 实验艺术
  • 艺术批评
  • 马塞尔·布鲁德泰尔斯
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具体描述

好的,以下是一份关于一本名为《Marcel Broodthaers》的书籍的详细图书简介,这份简介将专注于不包含Marcel Broodthaers作品内容的前提下,构建一个引人入胜的叙事框架。 --- 《未归的边界:对符号、语言与艺术体制的审视》 作者:[此处留空,以增强实体感] 译者:[此处留空] 开本:16开 页码:约 480 页 装帧:精装,附函封 内容提要: 本书并非一部艺术史著作,亦非对特定一位艺术家的专门研究。相反,它是一次深刻的、跨学科的思维探险,旨在解构艺术创作过程中那些看似坚不可摧的结构——语言的界限、图像的权威性以及“艺术品”这一概念在现代社会中的形而上学地位。 《未归的边界》以一种近乎考古学的方式,深入探讨了二十世纪中后期,尤其是在后结构主义思潮涌动之时,艺术家和思想家们如何试图拆解既定的文化契约。全书围绕三个核心议题展开:符号学的断裂、机构的内部逻辑,以及沉默的重量。 第一部分:语言的废墟与重构 (The Semiotic Rupture) 本部分着重考察了在艺术语境中,语言是如何从“描述工具”异化为“创造性障碍”的。我们审视了那些尝试用非传统媒介——从日常废弃物到纯粹的排版结构——来挑战文本中心主义的实践。书中详尽分析了在特定历史时期,艺术界对于“可读性”和“阐释性”的集体焦虑。我们不讨论任何具体的艺术品,而是专注于其背后的方法论困境:当艺术家试图用物体的缺席来定义存在时,观众的认知框架如何应对这种“反阐释”的策略? 作者深入探讨了“目录学”在当代思维中的角色转变。目录学,本应是对知识进行有序分类的学问,在本书的分析框架下,它变成了一种权力运作的工具。我们探讨了那些主动拒绝被归档、被赋予明确标题或清晰起源的创作行为。这部分内容对于理解信息过载时代的“意义生成危机”具有极高的参考价值。 第二部分:体制的玻璃房 (The Institutional Glass House) 艺术体制,包括博物馆、画廊、评论界乃至学术机构,是如何在无形中构建其自身的合法性神话的?《未归的边界》将目光投向了艺术生态系统的“基础设施”本身。我们检视了那些关于“展览”这一行为的理论基础:展览的本质是否在于“排除”而非“呈现”? 书中通过对数个关键历史时刻的间接描述,揭示了艺术机构在面对颠覆性观念时所采取的“同化”与“隔离”策略。我们关注的焦点是那些挑战了作品物性(Objecthood)的尝试,它们迫使观众去思考:一个作品的价值,究竟存在于其物理形态中,还是存在于被展出的那个“瞬间”的社会许可里?我们详细分析了“收藏”行为背后的权力逻辑,以及“永久性”对瞬时创作意图的悖论性损害。 第三部分:沉默的重量与缺失的档案 (The Gravity of Silence) 这是全书最具哲学思辨性的部分。它探讨了艺术实践中“不作为”的能动性。如果说大部分艺术史关注的是“被留下什么”,那么本书则关注“故意被擦除或从未被创作的部分”。我们考察了概念艺术的后续影响——当思想本身成为媒介时,那些未能被记录、未能被传播的思想残余,其重量几何? 书中引入了“负面档案学”的概念,研究那些有意拒绝被收录、拒绝被命名、拒绝被视觉化的创作努力。这并不是简单的缺席,而是一种积极的、抵抗性的“在场”。我们审视了艺术家如何利用时间延迟、距离和翻译损耗来保护其核心意图不被主流叙事所吞噬。 本书的独特价值: 《未归的边界》的叙事视角是独特的:它拒绝成为任何既有艺术运动的脚注或传记的补充。它提供了一套全新的工具箱,用以分析那些游走于可见与不可见之间、位于语境之边缘的创造性行为。 本书适合所有对艺术的社会学、符号学基础及其体制结构抱有深刻疑问的读者、哲学爱好者、文化理论研究者,以及任何希望理解“艺术品”如何从一个纯粹的物体转变为一个复杂的社会关系网络的人士。它不会提供明确的答案,而是会提供更精准的、关于“提问方式”的指南。通过对边界的审视,我们得以窥见本体论的裂缝。 ---

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书带给我一种深沉的、近乎宿命论的美学体验。它不像许多当代艺术书籍那样追求速度和冲击力,相反,它沉浸在一种缓慢的、近乎停滞的时间感中。那些图像仿佛是从海底慢慢打捞上来,带着历史的锈迹和被时间侵蚀的痕迹。我特别关注了其中关于“容器”和“内容”的对立与统一,无论是贝壳、箱子还是画框,都成为了探讨界限和包含可能性的绝佳载体。这种对形式和结构的执着,体现了一种古典的训练,但其表达的内容却是彻底的反古典的。这种张力构成了这本书最迷人的叙事核心。它不煽情,不迎合,只是以一种近乎科学观察者的冷静姿态,记录下这个荒诞剧场中的每一个瞬间。读完合上书时,我并没有感到释然,反而有一种被更高维度视角审视后的谦卑感。这本书迫使我重新审视自己对“意义”的执念,或许,真正的意义并不在于被清晰地定义,而在于那些悬而未决、等待被重新观看的间隙之中。这是一次对观看行为本身的深刻反思。

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我必须承认,这本书的阅读过程,与其说是在欣赏艺术,不如说是在经历一场知识的迷雾穿越。它的内容密度极高,但并非体现在文字的繁复上,而是体现在图像背后的观念的复杂交织。我注意到艺术家对“档案”和“分类”的迷恋,但这种迷恋却总是以一种反档案的方式呈现——信息被收集、归档,但最终的分类却是混乱的、诗意的,甚至是自我否定的。这让我联想到信息爆炸时代的困境:我们拥有海量的数据,但如何从中提炼出真正的意义?这本书似乎在用一种近乎嬉戏的方式,探讨了这种当代焦虑。我特别喜欢其中那些关于语言和图像边界的探索,那些印刷体文字与现实物体的并置,模糊了它们之间的权威性。它不给你一个明确的答案,而是提供了一整套精妙的工具箱,让你自己去搭建和拆解意义的结构。这种互动性是它最迷人的地方,它拒绝被简单地“消费”,而是要求读者进行持续的“参与”。对于那些习惯于接受标准解读的读者来说,这可能是一次令人沮丧的体验,但对我而言,这种不确定性正是其魅力的源泉。

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初次接触这本书时,我被其强烈的疏离感所震撼。它没有提供任何传统意义上的导览或解释,仿佛直接将我们抛入了某个特定的语境之中,要求我们自行破译。这种态度非常大胆,也极其考验读者的耐心和主动性。我感觉自己像一个考古学家,面对着一套全新的、尚未被解读的符号系统。书中的排版布局也充满了实验性,有时是极端的特写,将细节放大到近乎抽象的程度;有时又是大尺幅的场景还原,却又故意在关键信息处留出空白,形成一种视觉上的断裂。这种节奏的跳跃性,使得阅读体验本身成为了一种挑战。它迫使你慢下来,去感受那种“不可知”带来的张力。如果说许多艺术书籍旨在“阐释”,那么这本书的目的更像是“呈现”和“激发”。它展示了一系列令人不安的、有时甚至是滑稽的场景组合,挑战了我们对“美学”和“严肃性”的既有观念。看完一部分后,我不得不去查阅一些背景资料,但即便如此,那些图像依然保有其原初的、难以被完全驯服的力量。它成功地营造了一种持续的质疑氛围,让你在合上书本后,仍旧能在日常生活中捕捉到那些被艺术之眼重新编码过的片段。

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这本书的气质是极其独特的,它像是一本被遗忘在阁楼上、沾满了海盐和灰尘的旅行日志,记录的却是一个完全架空的世界。它有一种强烈的、复古的现代感,那种感觉仿佛是上个世纪中期某些先锋派实验的延续,但又被注入了全新的、更加个人化的忧郁色彩。我注意到其中对媒介本身的反复提及,无论是照片的颗粒感,还是印刷的粗糙纹理,都在提醒我们“物性”的存在。这不仅仅是关于艺术创作,更是关于制作的政治——谁有权力去制作、去定义、去展示?书中那些看似随意的物件摆放,实际上是经过了极其精心的编排,它们之间的关系微妙而脆弱,充满了张力。阅读时,我感觉自己像在翻阅一个秘密社团的仪式手册,那些重复出现的符号和手势,暗示着某种不为人知的规矩和目的。这种神秘感并不是故作姿态,而是源于艺术家对既有文化体系的深刻怀疑和解构。每一次翻页,我都感觉自己离那个“核心”更近了一步,但那个核心似乎总是在移动,保持着一种永恒的、诱人的距离。

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这本厚重的画册,拿到手里便有一种沉甸甸的质感,仿佛握住了某种历史的重量。它的装帧设计简洁得近乎冷峻,留白很多,这种克制的处理方式,反而让读者更加专注于其核心——那些晦涩却又引人入胜的图像语言。我花了很长时间试图理解其中反复出现的意象:那些被精心布置的贝壳、被打捞上岸的船只残骸,以及那些看似随意的文字拼贴,它们像是一串串没有明确指向的密码。每一次翻阅,都像是进入了一个迷宫,每一次似乎都能触碰到真相的边缘,但转瞬即逝。艺术家构建了一个独特的、充满诗意的悖论空间,在那里,日常物品被赋予了形而上的意义,而那些宏大的叙事——比如艺术史、语言的本质——又被消解为一系列日常的、近乎荒谬的行为。我尤其欣赏它那种近乎哲学思辨的倾向,它不是在展示作品,而是在探讨“什么是作品”这个永恒的问题。阅读过程中,我常常需要停下来,合上书本,在脑海中梳理刚刚看到的那些并置的画面,试图构建一条理性的逻辑链条,但最终,理智总是败给了那种直觉性的、近乎梦呓般的感性冲击。这不仅仅是一本关于艺术家的书,它更像是一份邀请函,邀请我们一同质疑我们习以为常的观看方式。

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