The Theatre Props Handbook pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Players Pr

作者:James, Thurston

出品人:

页数:270

译者:

出版时间:

价格:301.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780887349348

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧道具
• 舞台技术
• 道具制作
• 舞台设计
• 戏剧
• 表演艺术
• 手工制作
• DIY
• 道具
• 布景

舞台布景的魔法：剧场道具设计与实践指南 导言：幕后世界的无声叙事者 剧场，一个将梦想、冲突与情感在方寸之间编织成现实的魔法空间。在灯光熄灭、幕布拉开之前，是无数匠心独运的细节在支撑着这场幻觉的构建。其中，道具（Props）——那些被演员触摸、搬动、甚至融入剧情的角色——扮演着至关重要的角色。它们不仅仅是场景的填充物，更是推动情节发展、揭示人物内心世界、构建时代氛围的无声叙事者。 本书并非专注于剧场道具的实体制作技艺，而是将目光投向更为宏大和基础的领域：剧场空间、灯光设计、服装造型以及舞美视觉语言的整合与构建。我们探讨的是如何在一个三维的舞台空间内，通过空间调度、光影变化和视觉元素（不含实体道具的制作细节）的协同作用，来创造一个令人信服且富有张力的戏剧世界。 第一部分：空间之维——剧场的结构与调度 成功的舞台呈现，首先建立在对空间的深刻理解之上。本部分深入剖析剧场建筑的物理特性及其对表演的限制与赋能，重点研究如何利用舞台的几何结构来服务于叙事。 第一章：舞台的语言：从平面到立体 本章探讨不同类型剧场的结构——镜框台、伸展台、中央舞台（in-the-round）——如何决定了观众的感知方式和表演的物理边界。我们关注的不是道具的摆放，而是空间本身如何成为一个角色。例如，一个极简的镜框台如何通过利用纵深和横向的边界，营造出压抑或开阔的心理感受；一个环绕式舞台如何迫使观众与场景建立更具侵入性的联系。 空间心理学： 舞台的“前方”、“后方”和“侧翼”在心理层面上的意义差异。如何利用舞台的纵深梯度来暗示权力关系或心理距离的远近。 空白的张力： 深入分析“留白”在舞台设计中的力量。没有具体物品填充的空间，反而能引导观众将注意力集中于动作和对话本身，从而放大演员的表演力度。 第二章：动态调度：演员与空间的对话 本章聚焦于场面调度（Blocking）的理论基础，将其视为空间语言的最高体现。它侧重于演员在固定或可变空间中的移动轨迹，而非他们与特定物件的互动。 几何化移动： 如何设计具有象征意义的移动路径，例如，角色从舞台前沿缓慢地退入后方黑暗区域，象征着其精神或命运的隐退。 节奏与停顿： 动作序列与静止瞬间的编排，如何与剧本的内在节奏相匹配。探讨“舞台重量”——一个演员在舞台上所占据的视觉焦点和能量权重，以及如何通过调度来转移或平衡这种重量。 第二部分：光影的魔术——灯光设计原理 灯光是舞台的灵魂，它定义了时间、天气、情绪，并塑造了观众的视觉焦点。本部分完全侧重于光线的物理特性、色彩理论和情感投射，不涉及任何实体道具的照明处理。 第三章：色彩与情绪：光谱的叙事潜能 本章详细阐述了灯光色彩与人类情绪反应之间的经典关联，以及如何运用混合色温来构建复杂的场景氛围。 色温的哲学： 从低色温（暖黄、橙）到高色温（冷蓝、白）的渐变，如何对应到人物的希望、恐惧、回忆或现实时刻。 色彩的层次构建： 讨论如何通过多层次（前光、侧光、顶光）的色彩叠加，而不是单一光源，来为场景增加视觉的深度和密度。例如，如何用微妙的绿色或紫色边缘光来暗示潜藏的危险。 第四章：塑形之光：维度与纹理的创造 光线如何通过角度和强度，赋予舞台物体和演员以三维形态，是本章的核心。 角度的雕刻： 探讨低角度光（地光）的戏剧性效果，以及高角度光（顶光）在制造阴影和孤独感方面的作用。重点分析“伦勃朗光”等经典照明模式的结构原理。 阴影的艺术： 深入研究阴影作为一种视觉元素的力量。如何控制阴影的边缘锐利度（硬光与软光）来表达环境的清晰或模糊，以及如何利用投射的影子来扩展舞台空间或暗示人物的内心挣扎。 第三部分：视觉语汇的综合——服装与环境的界限 本部分转向研究服装设计在没有实体道具辅助下，如何与整体舞美视觉语言融为一体，共同构建剧场的“世界观”。 第五章：服装的轮廓与动态：身体的延伸 服装设计在这里被视为一种移动的舞台结构，关注其剪裁、面料的视觉重量和运动时的形态，而非其历史准确性或装饰细节。 面料的张力： 如何选择具有特定反光率或吸收光线的面料，使其在既定灯光下能够最大化地强调演员的动作或舞台的整体色调。例如，粗粝的麻布与光滑的丝绸在同一光线下如何产生截然不同的视觉冲击。 剪裁与象征： 探讨服装的线条（垂直、水平、对角线）如何暗示人物的性格特点和在空间中的地位。一个高耸的衣领或夸张的肩部轮廓如何无需言语便界定了人物的力量感。 第六章：舞美整体性：环境的氛围营造 本章探讨如何通过背景元素（如幕布、投影、结构框架，而非可操作的道具）与前述的光影和空间调度相结合，来建立一个统一的视觉系统。 层次的建立： 如何通过背景的亮度、清晰度与前景的聚焦度之间的对比，创造出明确的视觉层次，引导观众的视线流动。 抽象与具象的平衡： 在不依赖具体物件的情况下，如何使用抽象的视觉元素（如纹理化的背景投影或几何形态的舞台结构）来暗示特定的地理位置或抽象概念，从而使舞台设计更具普适性和艺术性。 结论：超越物质的剧场构建 本书旨在向所有剧场工作者展示，一个引人入胜的舞台体验，其基石在于对空间、光线和运动的深刻理解和精妙的整合。真正的戏剧魔力，往往蕴藏于那些无形的、但能被感知到的结构力量之中，它们共同作用，为演员的表演和剧本的深层含义提供坚实而富有诗意的支撑。

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说实话，我一开始对这种“手册”类的书籍期望不高，总觉得内容会比较零散。但《舞台道具手册》完全打破了我的预期。它的系统性强到令人称赞。它不仅教你怎么做，更教你为什么要这样做。比如，在讲解安全规范时，它细致到了螺丝的松紧度对道具稳定性的影响，这体现了作者对舞台安全的极高重视。书中还收录了一些经典剧目的道具设计案例分析，让我能站在巨人的肩膀上欣赏和学习。对我来说，这本书最大的价值在于它提供了一个完整的职业素养框架，让我明白道具制作不仅仅是手艺活，更是一门严谨的工艺。

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这本书的排版和设计让我印象深刻。它不像传统的教科书那样枯燥乏味，反而充满了艺术气息。每一章的过渡都设计得非常流畅，从概念设计到材料准备，再到最后的现场调试，逻辑性极强。我特别喜欢其中关于“光影与道具互动”的章节，作者深入浅出地解释了灯光如何影响观众对道具的感知，这对于舞台视觉设计至关重要。虽然我主要负责道具的维护和保管，但通过阅读这本书，我对道具的“生命周期”有了更全面的认识，明白了如何更好地保养和运输那些珍贵的道具。这本书不仅是制作指南，更是一部舞台美术的启蒙读物。

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简直是道具爱好者的福音！我读过的很多道具制作书籍都过于侧重理论，讲了一堆概念却很少有实际操作的指导，但这本书完全不同。它更像一本实用的“工具箱”，里面塞满了各种应对突发状况的“秘方”。比如，当你需要快速做出一个看起来很旧的道具时，作者提供了一系列“做旧”的技巧，从颜料的混合到纹理的处理，每一个细节都讲得非常到位。我最欣赏的是它对不同预算的考虑，书中给出了很多用廉价材料做出高端效果的“黑科技”，这对独立剧团来说简直是救星。读完这本书，我感觉自己的创作思路都打开了，不再局限于已有的材料，而是学会了如何“创造”材料。

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这本《舞台道具手册》真是帮了我大忙！我最近刚开始接触戏剧制作，对道具设计和制作一窍不通。这本书从最基础的材料选择讲起，详细介绍了各种常见道具的制作技巧，比如木工、金属加工，甚至是简单的塑料塑形。它里面的插图非常清晰，每一步骤都配有详细的图解，让我这个新手也能轻松上手。尤其是关于历史服装道具的考据部分，让我对不同时期的道具风格有了更深的理解，避免了在设计中出现时代错误。作者在讲解时语气非常亲切，就像一位经验丰富的老前辈在手把手地教你一样，完全没有那种高高在上的专业术语堆砌感。这本书的实用性极强，我甚至可以用它来做一些日常的手工艺品，物超所值！

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这本书的深度和广度都超出了我的想象。我以为它只适合初学者，但深入阅读后发现，即便是资深设计师也能从中受益匪浅。作者对新材料和新技术的探索精神非常值得称赞，比如涉及到3D打印技术在道具制作中的应用，以及环保材料的替代方案，这些前沿的内容让我看到了行业未来的发展方向。书中的“故障排除”部分简直是神来之笔，解决了许多我在实际工作中遇到的棘手问题，例如如何处理道具在高温或高湿环境下的形变。这是一本值得反复翻阅的案头宝典，每一次重读都能发现新的细节和启发，绝对是舞台设计专业人士必备的工具书之一。

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原来写论文的时候读过。。。

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原来写论文的时候读过。。。

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