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出版者:Penguin USA

作者:Visona, Monica Blackmun (EDT)

出品人:

页数:448

译者:

出版时间:2000-9

价格:$ 96.05

装帧:HRD

isbn号码:9780131833562

丛书系列:

图书标签:

• 非洲艺术
• 艺术史
• 艺术
• 非洲
• 文化
• 历史
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 手工艺品

艺术史的宏大叙事：一部跨越欧亚大陆的视觉之旅 书名： 《全球视野下的艺术：从古典文明到现当代浪潮》 作者： 伊莲娜·瓦伦蒂娜·莫雷蒂 译者： 张怀远 出版社： 寰宇文化出版社 出版年份： 2023年 --- 内容简介： 《全球视野下的艺术：从古典文明到现当代浪潮》并非仅仅是对西方艺术史的简单重述，而是一部雄心勃勃的、旨在勾勒出人类视觉文化发展脉络的鸿篇巨著。本书以一种全新的、真正意义上的“全球化”视角，对从史前时期到二十一世纪初的艺术创作进行了系统性的梳理、比较与深度解读。作者伊莲娜·莫雷蒂教授，一位在欧洲和亚洲艺术史领域均享有盛誉的学者，巧妙地打破了传统艺术史中以欧洲为中心的叙事框架，构建了一个多中心、相互连接的艺术地图。 本书的核心目标是揭示艺术在不同地理区域、不同历史时期所承担的社会、宗教、政治和哲学功能，并重点探讨文化间的交流、碰撞与融合如何催生了艺术史上的关键性转折。全书结构严谨，分为六个主要部分，共二十章，辅以数百幅高清彩图和详尽的注释，旨在为读者提供一个既具学术深度又极具可读性的视觉盛宴。 --- 第一部：文明的曙光与早期的区域特性（约公元前 3000 年以前至公元 500 年） 本部分着眼于艺术作为人类早期社会组织和信仰表达的首要工具。它首先考察了美索不达米亚（苏美尔、阿卡德、巴比伦、亚述）的纪念性建筑和浮雕叙事，分析了权力与神性的如何在楔形文字记录的背景下被视觉化。随后，目光转向古埃及，深入剖析其永恒性（Eternity）的追求，从金字塔的几何秩序到象形文字与宗教仪式的紧密结合。 重点章节探讨了爱琴海文明（米诺斯与迈锡尼）中独特的壁画风格与装饰艺术，并将其与古希腊的理想主义（从几何时期到古典盛期和希腊化时期）进行对比。作者详细分析了雕塑中对人体比例的数学化探索、陶器上的神话叙事，以及建筑中多立克、爱奥尼亚和科林斯柱式的演变。紧接着，本书转向古罗马，侧重于其实用主义、工程学成就（如万神殿的穹顶技术）以及肖像艺术中对个体权力的强调，特别是对希腊艺术的吸收与转化。 在东方，本书首次将视野拓展至印度河流域文明（哈拉帕和摩亨佐-达罗）的早期城市规划与印章艺术，并详细介绍了古印度吠陀文化影响下的早期宗教艺术，如佛教的萌芽阶段，关注舍利塔（Stupa）的象征意义。 --- 第二部：宗教的塑造与帝国的扩张（约公元 500 年至 1400 年） 第二部分聚焦于世界主要宗教的崛起及其对艺术形态的根本性影响。 在拜占庭，本书详细分析了圣索菲亚大教堂的宏伟穹顶、马赛克艺术的辉煌，以及“圣像”（Icon）在神学中的核心地位，探讨了圣像破坏运动的影响。在中世纪的西欧，艺术史线索清晰地从加洛林文艺复兴过渡到罗马式和哥特式建筑的竞争。作者不仅描绘了哥特式大教堂（如沙特尔、巴黎圣母院）对光线、色彩和垂直感的极致追求，还深入解读了手抄本插画和彩色玻璃的叙事功能。 与此同时，本书并重介绍了伊斯兰世界的艺术成就。从倭马亚王朝的圆顶之岩，到阿拔斯王朝的几何装饰，再到西班牙安达卢西亚的阿尔罕布拉宫，重点阐释了书法艺术的至高地位、对避免具象描绘的规约（Aniconism）的探讨，以及复杂星形图案（Tessellations）背后的数学美学。 东方艺术的篇幅尤其详尽：中国从魏晋到宋代的山水画发展，探讨了文人画（Literati Painting）如何从服务于朝廷转变为表达个体精神世界的媒介；日本的早期佛教艺术（如奈良时代）及其吸收中国风格的本土化过程。在中美洲，玛雅文明的历法艺术、石碑雕刻和精湛的陶器制作技术被置于其复杂宇宙观的语境下进行阐述。 --- 第三部：连接世界的“全球化”艺术（约 1400 年至 1750 年） 这一阶段的艺术史，其关键词是交流与传播。本书不再将“文艺复兴”视为孤立事件，而是将其置于全球贸易和知识流动的背景下考察。意大利文艺复兴（从乔托到文艺复兴盛期）的透视法和人体解剖学研究被视为一场知识革命，但作者同时指出，这种“发现”并非凭空产生，而是继承了古典遗产并受到中东数学知识的影响。 本书的独特贡献在于对大航海时代艺术交流的详尽记录。例如，探讨了葡萄牙人在亚洲建立的贸易站（如果阿、澳门）如何促进了“中西合璧”的艺术风格的产生。书中详细分析了耶稣会士如何利用欧洲绘画技术（如油画和明暗对比法）来传教，以及亚洲（尤其是中国和日本）对欧洲艺术家的反向影响，例如日本“南蛮屏风”中对欧洲人的描绘。 在奥斯曼帝国和莫卧儿帝国，本书展示了波斯细密画（Miniature Painting）的成熟与演变，以及建筑艺术（如泰姬陵）中融合了伊斯兰、波斯和印度本土元素的宏伟成就。 --- 第四部：启蒙、革命与浪漫主义的冲突（约 1750 年至 1870 年） 随着“启蒙运动”的兴起，艺术的社会功能开始发生剧变。新古典主义被视为对古典共和理想的回归，作为对洛可可风格过度奢靡的反动。本书深入分析了法国大革命与拿破仑帝国如何利用雅克-路易·大卫等艺术家的作品来塑造新的公民美德和国家叙事。 浪漫主义部分，则着重于情感、异域情调（Orientalism，在不加批判地考察其文化背景的同时）以及对自然力量的敬畏。本书比较了特纳对光影的开创性探索与中国山水画中“气韵生动”的审美追求在表达“崇高感”（The Sublime）上的异同。 工业革命对艺术的影响被放置在关键位置：摄影术的发明如何挑战了绘画的再现功能，以及早期的现实主义（如库尔贝）如何开始关注被忽视的劳动阶层。 --- 第五部：现代性的黎明与对传统的决裂（约 1870 年至 1945 年） 这一部分是现代艺术史的开端，重点在于西方艺术如何放弃对客观现实的模仿，转而探索主观感受和内在结构。从印象派对光线瞬间性的捕捉，到后印象派对形式和色彩的结构性重构（塞尚、梵高、高更），清晰地展现了艺术语言的自我解放过程。 野兽派、立体主义（毕加索与布拉克）、未来主义和抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）被系统地梳理。作者特别强调了非西方艺术对现代主义的决定性影响，特别是“原始艺术”（Primitivism）的引入，以及这些观念如何在欧洲的现代主义创作中被挪用和再语境化。 此外，本书详尽考察了俄国建构主义和包豪斯在设计与艺术教育领域的革命性实践，探讨了艺术如何试图融入社会改革的进程。 --- 第六部：战后全球艺术格局的重塑（约 1945 年至今） 二战后，艺术中心从欧洲转移至纽约。抽象表现主义的爆发被视为美国文化自信的体现。本书随后分析了波普艺术、极简主义和观念艺术如何不断挑战“艺术品”本身的定义，将日常物品和语言纳入艺术范畴。 最后一部分的重点是艺术的全球化与多元化。它涵盖了后殖民主义思潮对西方艺术史的反思、当代装置艺术、录像艺术的兴起，以及来自拉丁美洲（如墨西哥壁画运动的延续）、中东和东亚（如“星星美学”和当代水墨的创新）的艺术家如何在国际舞台上发声。本书以对“全球当代艺术”的开放性展望收尾，强调了文化身份、全球资本与技术变革对未来艺术形态的持续塑造作用。 --- 总结： 《全球视野下的艺术》是一部跨越地域和时间的百科全书式著作。它成功地将那些原本分散在不同专业领域的研究整合到一个连贯、动态的叙事结构中。莫雷蒂教授的叙述风格充满洞察力，她不仅仅描述了“什么被创造了”，更深刻地探究了“为什么被创造”以及“它如何与世界其他地方的创造相联系”。本书是理解人类艺术遗产多样性、复杂性和内在统一性的必备指南。

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这本书的叙事节奏和语调变化相当丰富，这一点是很多同类学术著作所不具备的。在描述一些重大的考古发现或权力中心（比如大津巴布韦遗址）时，语言变得庄重而富有史诗感，仿佛能让人感受到历史的厚重感。而在探讨一些当代非洲艺术家的创作手法，特别是他们如何利用装置艺术或录像来解构殖民记忆时，文字又变得敏锐且充满批判性。这种风格上的游刃有余，让漫长的阅读过程丝毫没有感到疲惫。我特别喜欢作者在介绍那些“被遗忘的”或“边缘化”的艺术传统时所流露出的那种近乎人文主义的关怀。他们不仅仅是在记录艺术品，更是在为那些创造了这些奇迹的匠人和社群发声。对我而言，这本书的价值在于，它将非洲艺术从“异域奇观”的标签中解放出来，将其置于全球艺术史的严肃讨论之中。它迫使读者正视，在这片大陆上，审美和象征体系的复杂性从未低于其他任何文明的水平。

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从装帧和排版来看，出版方显然也下了大功夫。书页的纸张质量很好，保证了那些描绘精美细节的图片能够清晰呈现，这是研究视觉艺术的必备条件。但是，更让我赞赏的是作者对于“语境化”的坚持。每一个艺术实例的分析，都紧密地嵌入到其社会、政治和宗教的背景之中。例如，分析一块来自刚果河地区的权力权杖时，作者不仅描述了其雕刻的风格特征，还详尽解释了其在继承仪式中如何被赋予和转移权威。这种“不脱离语境的描述”，极大地避免了艺术品沦为纯粹的符号或装饰品的风险。此外，书中对近现代艺术的关注也展现了作者的远见。他们没有止步于“传统艺术”，而是追踪了非洲艺术如何回应全球化和后殖民时代的挑战。这种对时间连续性的捕捉，使得整本书读起来感觉非常完整和有力，像是一条流淌不息的文化长河，而不是一系列孤立的章节。

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这本《A History of Art in Africa》真是一部包罗万象的巨著，它不仅仅是一部艺术史的梳理，更像是一张通往非洲大陆深层文化脉络的地图。我尤其欣赏作者处理时间跨度和地域差异的方式。他们没有采用那种僵硬的、自上而下的编年史叙述，而是巧妙地将不同时期的艺术形式——从史前的岩画到殖民地时期的艺术抵抗——编织成一个相互呼应的整体。读起来，你会发现马里廷巴（Tingari）的雕刻与贝宁青铜器之间，虽然地域和材质迥异，却共享着一种对权力结构和精神世界的深刻洞察。书中对“艺术”这一概念本身的探讨也颇具启发性，它挑战了西方中心主义的视角，让我重新思考什么是真正的“审美”和“功能性”。例如，在讨论到西非的面具传统时，作者深入挖掘了面具在仪式中的动态角色，而非仅仅将其视为静止的雕塑品。这使得我对这些“对象”的理解从纯粹的视觉欣赏，转向了对社会实践和信仰体系的尊重。这种多层次的解读，让即便是对非洲艺术了解不深的读者，也能迅速建立起一个立体而丰厚的知识框架。书中的插图选择也非常精到，高质量的彩版印刷让那些失落的色彩和复杂的纹理得以重现，极大地增强了阅读体验。

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这部作品最成功的地方或许在于它所建立起来的知识连接性。读完之后，我发现自己对“非洲”的理解不再是单一的地理概念，而是一个由无数文化节点构成的动态网络。作者在章节间的过渡处理得极其自然，你会清晰地看到某种雕刻主题是如何从一个地区渗透到另一个地区，或者某种冶炼技术是如何在不同族群间传播并演化出不同形态的。这种“网络思维”的构建，让我对地域间的文化互动有了更深层次的认识，远超出了我原先仅凭教科书获得的零散印象。作者似乎非常谨慎地在学术严谨性和可读性之间找到了一个甜蜜点。他们引用了大量的田野调查资料和一手文献，保证了论述的可靠性，但遣词造句又保持了一种平易近人的节奏，没有过多地使用晦涩难懂的术语。总而言之，这本书为我打开了一个全新的认知世界，它不仅是艺术爱好者案头的必备工具书，更是一部引人深思的人类文明史的侧写。

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坦白说，我一开始对这样一本宏大的主题作品抱持着一丝疑虑：如何在有限的篇幅内，公正地覆盖如此广袤且多元的大陆？然而，作者成功地做到了详略得当的平衡。他们没有陷入对某一特定风格的过度渲染，而是更注重于构建一个宏观的视角，展示不同文化群体是如何应对环境、社会变迁和外部冲击的。尤其让我印象深刻的是关于撒哈拉以南艺术如何回应和吸收了伊斯兰教传入这一历史事件的章节。那种细腻的观察，揭示了文化交融并非简单的取代，而是一种复杂的共生关系。书中对材料科学的侧重也值得称赞，例如对黄金、铁器和不同木材的运用及其象征意义的分析，让我意识到艺术创作的背后是高度发达的技术知识体系。这种对工艺的尊重，提升了整部作品的学术深度。我发现自己不得不频繁地停下来，查阅一些关于特定民族历史背景的资料，这说明作者的叙事是具有强大驱动力的，它激发了读者主动探索的欲望，而非仅仅被动接受信息。

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