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出版者:McFarland & Co Inc Pub

作者:Briggs, Jody

出品人:

页数:334

译者:

出版时间:

价格:75

装帧:HRD

isbn号码:9780786415120

丛书系列:

图书标签:

• 舞台灯光
• 灯光设计
• 照明技术
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• 舞台艺术
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• 技术手册
• 照明工程

戏剧舞台灯光设计的百科全书 本书深度聚焦于舞台灯光设计这一核心艺术领域，旨在为灯光设计师、舞台技术人员、戏剧制作人以及对舞台艺术怀有浓厚兴趣的读者，提供一套全面、系统且极具实践指导意义的知识体系。它并非对特定剧目或某位设计师作品的简单汇编，而是着眼于灯光设计这门学科的底层逻辑、历史演变、技术工具和审美哲学。 本书共分为六大部分，超过四十个章节，详尽剖析了舞台灯光从概念的萌芽到最终呈现的全过程。 --- 第一部分：光影的哲学与基础科学（The Philosophy and Science of Illumination） 本部分奠定了理解舞台灯光设计所必需的理论基石。我们首先探讨了“光”在人类文化和戏剧历史中的象征意义，追溯了自古希腊到现代剧院，光与影如何被用来塑造叙事和情感。这不是简单的历史回顾，而是深入剖析了不同哲学流派对“可见性”和“不可见性”的理解，如何影响了舞台上的布光原则。 随后，本书进入技术基础领域。我们用大量的篇幅解释了光学基础：光的物理特性，包括波长、光谱分析、色彩理论（RYB、CMY、RGB模型在舞台上的适用性与局限）。重点阐述了灯具的科学，详细拆解了不同光源技术——白炽灯、荧光灯、气体放电灯（如HMI）、LED技术——的工作原理、效率、显色指数（CRI）的重要性及其对色彩再现的实际影响。 此外，本部分对色彩心理学进行了深入研究，不仅仅停留在“红色代表激情”的表面认知，而是结合跨文化研究和生理学数据，分析特定色温和饱和度如何影响观众的潜意识感知、空间感构建和角色心理状态的揭示。我们探讨了如何利用光度的梯度变化来制造视觉的重量感和时间的流逝感。 --- 第二部分：设备与技术工具箱（The Toolkit: Fixtures, Control, and Infrastructure） 本部分是技术实现的核心指南。它详细考察了当代舞台灯光领域所使用的所有关键硬件和软件系统。 灯具详解： 我们对市面上主流的成像灯（Leko/Ellipsoidal）、聚光灯（Fresnel）、束光灯（Beam/Spot）、洗墙灯（Wash）的内部结构、光学路径进行了细致的图解和性能对比。重点分析了电脑灯（Moving Lights） 的机械结构、DMX控制协议下的定位精度、色彩混和系统的响应速度，以及如何最大限度地发挥其动态潜力。对于新型的LED照明设备，我们评估了其散热设计、光束均匀性以及与传统光源的兼容性挑战。 控制系统： 从早期的电阻调光器到现代的固态调光器（Solid State Dimming），本书系统梳理了调光技术的演进。在数字控制层面，我们详细解析了DMX512协议的结构、RDM（远程设备管理）的应用，以及当前以太网传输协议（如sACN和Art-Net）在大型演出中的数据流管理和网络拓扑构建。控制台（Console）的操作逻辑、编程范式（如Cue Stacks, Playbacks, Timelines）的差异被深入比较，旨在培养读者构建高效控制流程的能力。 辅助设备： 对色彩过滤片（Gels）、机械滤色器（Color Scrollers）、光束塑形工具（Gobos、Iris、Shutters）的材料特性、耐热性、以及在不同焦距下的效果做了详尽的表格化分析。 --- 第三部分：设计原理与视觉语言（Principles of Design and Visual Semiotics） 这是本书的艺术核心，探讨如何将技术转化为具有感染力的舞台语言。 构成元素： 本部分将舞台灯光设计解构为可分析的组成部分：光的方向性、光线的质感（硬光与软光）、光束的形状、色彩的组合与对比、以及光与影的对比度。 我们探讨了如何通过控制这些元素来引导观众的目光，建立视觉焦点，并定义空间层次。 空间构建： 书中大量篇幅用于讨论如何利用灯光来“雕刻”舞台空间。通过背景光（Back Light）、侧光（Side Light）、轮廓光（Kicker） 的精确叠加，我们如何定义物体的三维形态，消除或强调特定的深度感。针对不同尺寸和形状的舞台（如黑箱剧场、镜框式舞台、伸展舞台），灯光布局的适应性策略被详细论述。 时间与节奏： 灯光设计是时间艺术的一部分。我们分析了灯光转换的速度（Fade Times）、渐变曲线（Ramp Profiles）、以及灯光在场景间的衔接如何影响戏剧的节奏感。书中提出了“视觉节奏图谱”的工具，用以量化和规划灯光在音乐剧、歌剧或叙事戏剧中的动态变化。 --- 第四部分：风格、历史与流派实践（Styles, History, and Genre Application） 本部分将理论与实际应用场景相结合，展示了灯光设计在不同戏剧体裁中的演变和特殊要求。 历史回顾（非设计实例）： 追溯了从油灯、煤气灯到电灯发明后，舞台照明在各个历史阶段的重大转折点。重点分析了阿道夫·阿皮亚（Adolphe Appia）和爱德华·戈登·克雷格（Edward Gordon Craig） 等先驱思想家对现代灯光设计的奠基性影响，探讨了他们对“光作为建筑师”的理念的实践。 流派实践： 戏剧（Drama）： 聚焦于如何通过低调、高对比度的布光来增强心理现实主义和人物内心冲突的表达。 歌剧（Opera）： 讨论如何在宏大场景中维持清晰度，同时适应歌剧对色彩饱和度和整体辉煌感的高要求。 舞蹈（Dance）： 强调光线对舞者身体线条和运动轨迹的强调，以及对舞台地面的处理技术。 音乐剧（Musical Theatre）： 探讨在快速场景切换和复杂舞台调度的环境下，如何保持视觉的连贯性和高能感。 特定环境设计： 讨论了户外演出、大型演唱会（侧重于观众席灯光与舞台灯光的互动）、以及对光线敏感的展览空间中的灯光设计差异。 --- 第五部分：预制作、执行与文档（Pre-Production, Execution, and Documentation） 成功的灯光设计需要严谨的文档和高效的现场执行。本部分提供了从设计概念到正式演出的全流程管理指南。 设计文档与沟通： 详细介绍了灯位图（Plotting）、灯光原理图（Schematics）、灯光表（Instrument Schedule） 的标准绘制规范。强调了如何使用三维可视化软件（如Capture, WYSIWYG） 进行预编程和碰撞检测，以优化现场时间。书中还提供了与导演、舞美设计师、电气工程师进行有效技术沟通的模板和最佳实践。 编程与调校： 探讨了“挂灯”（Focusing）的系统方法论，如何确保所有灯具的投射角度和光斑覆盖范围的精确性。在编程阶段，详细阐述了“状态编程”（State Programming） 与“时间编程”（Time-based Programming） 的区别，以及如何处理复杂的光量平衡（Intensity Balancing）问题。 安全与维护： 涵盖了舞台电气安全标准、灯具的负荷计算、吊点承重评估、以及灯光设备的日常维护和故障排除流程，确保现场操作的专业性和安全性。 --- 第六部分：前沿趋势与未来展望（Emerging Trends and Future Perspectives） 本部分展望了舞台照明领域的最新发展方向。 沉浸式技术： 分析了投影映射（Projection Mapping） 与传统灯光的集成，如何创造出融合虚拟与实体的动态场景。讨论了观众席灯光（Audience Lighting）作为叙事工具的潜力。 智能化与自动化： 探讨了基于传感器、机器学习和实时数据输入（如演员移动数据）来驱动动态、响应式灯光系统的可能性，预示着灯光设计将向更具交互性和适应性的方向发展。 本书旨在为读者提供一个坚实的知识框架，使他们能够超越简单的“亮”与“暗”的开关操作，真正掌握光线作为一种强大的、富有表现力的艺术媒介，去构建、诠释和升华戏剧世界。它是一本关于理解光如何服务于故事的深度论著。

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这部《舞台灯光百科全书》简直是我的救星！我最近接手了一个社区剧团的灯光设计工作，说实话，我的经验仅限于把灯泡拧上去和按下开关。面对一堆复杂的术语和设备手册，我简直像在看天书。这本书的出现，就像一位经验丰富的老教授亲手牵着我的手，一步步把我带入了灯光设计的奇妙世界。它的结构非常清晰，从基础的光学原理讲起，用极其直观的图表解释了不同透镜和光源的特性，我之前一直搞不明白的“光束角”和“投射角度”这些概念，在这里终于变得通俗易懂。更让我惊喜的是，它并没有止步于理论，而是深入探讨了不同类型剧场（黑盒、镜框式）对灯具布局的特殊要求，甚至还包含了大量的故障排除指南，这对于我们这种预算紧张、无法随时请到专业维修人员的小团体来说，简直是无价之宝。这本书的排版也十分考究，插图清晰，索引做得极其详尽，我能迅速找到关于“洗墙灯”或“追光灯聚焦技巧”的具体章节，而不是像翻阅字典一样大海捞针。它不仅仅是一本参考书，更像是一部实用的操作手册，让我从一个对灯光一窍不通的门外汉，蜕变成能自信地完成一次小型演出的灯光设计师。对于任何刚踏入舞台技术领域的朋友，我都会毫不犹豫地推荐它。

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这本书的价值在于它提供了一个无与伦比的“上下文”。我一直以来都是一名侧重于布景和道具设计的艺术家，对灯光的理解总是停留在“烘托气氛”的层面。但阅读了这本百科全书后，我开始理解灯光如何与我的实体设计产生物理和视觉上的互动。例如，书中关于如何利用“侧光”来强调布景的纹理和深度，以及如何通过“逆光”创造剪影效果来增强戏剧张力，这些内容直接激发了我对未来布景设计的灵感。我发现作者在撰写时，始终将灯光置于整个舞台艺术的整体环境中去考量，而不是将其视为一个孤立的技术部门。书中关于“健康与安全”的章节也写得非常到位，详细列举了高空作业的安全规范和灯具散热管理的标准，这对于我们经常需要搭建临时舞台的组织来说，是至关重要的预防性知识。这本书的体量很大，但我发现它非常耐读，每次翻开都能发现一些之前忽略掉的细节，比如关于灯光在不同湿度和温度环境下性能差异的实用建议，这绝对不是那种随便翻翻就能掌握的工具书，它需要你去吸收和消化。

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说实话，我买这本书纯粹是出于一种“收藏癖”，毕竟名字听起来就非常权威和全面。然而，我发现它远超出了我最初的期望，它不仅仅是简单地罗列技术规格，而是深入挖掘了灯光设计在叙事和情感表达中的“艺术性”。书中有一章专门讨论了如何使用色温和饱和度来暗示角色的心理状态，这部分内容写得极其精妙，引用了许多经典戏剧案例，让我对灯光如何成为舞台上的“无声演员”有了全新的认识。我特别欣赏作者对“动态照明”的论述，如何通过精巧的编程实现平滑的过渡和戏剧性的突变，这些高级技巧在很多市面上零散的技术文章中是找不到的。它甚至花了很大篇幅讨论了可持续性和LED技术的最新发展，确保了内容的前沿性。我是一名资深的舞台技术指导，阅览过不少行业资料，但这本书在理论深度和实践指导之间的平衡做得是最好的。它没有陷入过于晦涩难懂的工程细节，而是始终保持着一种启发性的姿态，鼓励读者去思考“为什么”要这样做，而不仅仅是“怎么做”。阅读这本书的过程，就像是进行了一次密集的专业培训，受益匪浅。

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对于一个在灯光设计行业打拼了二十多年的老兵来说，要找到一本能让人眼前一亮的新书真的太难了，大部分都是对旧知识的重复阐述。然而，《舞台灯光百科全书》成功地做到了这一点，它的“未来展望”章节让我震撼。书中不仅讨论了目前主流的LED和光束灯技术，还对“基于人工智能的自动布光系统”和“虚拟/增强现实技术在舞台照明预演中的应用”进行了深入的分析和预测。这使得这本书的生命周期大大延长了，它不仅是回顾历史的工具，更是指向未来的指南针。我最喜欢它在“案例研究”部分的处理方式，它没有选择那些家喻户晓的百老汇案例，而是选取了一些跨文化、跨媒介的实验性作品，分析了这些作品中灯光是如何打破传统界限的。这种开放性的视野，对于我们这些试图在传统戏剧框架外寻找突破的设计师来说，提供了巨大的启发。这本书的索引系统简直是教科书级别的，无论是按灯具类型检索，还是按设计原理检索，都能瞬间定位，这极大地提高了我的工作效率。它真正做到了“百科全书”的承诺——全面、深入且具有前瞻性。

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我是在一个非常偶然的情况下接触到这本“舞台灯光百科全书”的，当时正在为一个大型音乐剧的灯光更新方案做调研。坦白讲，我对舞台灯光的概念停留在“亮和暗”的层面，对于DMX协议、以太网控制系统这些“高科技”名词感到头疼。这本书的优秀之处在于它的多层结构设计，你可以选择性地阅读。如果你只是想快速解决一个设备连接问题，可以直接跳到附录部分的接线图和故障树；如果你想深入了解现代灯光控制台的编程逻辑，它提供了非常详尽的步骤分解，甚至包括了复杂序列的调用和场景备份的最佳实践。我尤其赞赏它对不同灯光设计流派的历史梳理，从早期的煤气灯到如今的激光和投影融合，这种宏观视角帮助我更好地定位自己目前工作所需的技术点。这本书的语言风格非常专业且严谨，读起来让人感到可靠，每一个定义和公式都有明确的出处和解释，没有任何模棱两可的描述。对于我们这种需要对接国际标准的技术团队来说，这本书提供的术语表简直是我们的“标准字典”，统一了团队内部的交流口径。

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