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出版者:Prentice Hall

作者:Wilins, David G.

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:80

装帧:Pap

isbn号码:9780131782129

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术欣赏
• 西方艺术
• 艺术理论
• 艺术风格
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 文化
• 历史

探寻人类文明的宏伟画卷：一部跨越时空的艺术史诗 这部厚重的著作，以其宏大的视野和严谨的考证，引领读者进入人类艺术发展波澜壮阔的长河。它并非仅仅罗列作品和艺术家，而是深入剖析艺术在不同历史阶段所扮演的角色、折射出的社会思潮、以及技艺上的革命性突破。本书的叙事结构如同精心编排的交响乐，层层递进，从史前洞穴的神秘符号，直至当代艺术的多元探索，勾勒出一部完整而富有生命力的视觉文化史。 第一部：光影的起源与神圣的秩序（公元前 3000 年以前至公元 500 年） 开篇追溯至艺术的曙光——史前时期的岩画与雕塑。作者并未止步于描绘其狩猎记录的功用，而是探讨了这些早期符号如何构建人类对世界的最初理解，以及它们在巫术和信仰体系中的核心地位。随后，叙事转向近东的苏美尔与巴比伦文明，聚焦于宏伟的城市景观、纪念性雕塑，以及楔形文字与浮雕的结合，揭示了早期国家权力如何通过艺术语言进行宣示和巩固。 古埃及艺术的永恒性是本卷的重点之一。通过对金字塔建筑的结构分析、法老陵墓壁画的色彩密码、以及对“卡”（Ka）概念的解读，读者得以理解古埃及人如何通过程式化的艺术形式，试图超越生死界限，实现永恒的秩序。 希腊艺术的部分则被赋予了极大的篇幅。从几何时期到古风时期的僵硬造型，再到古典时期的“黄金比例”与人文主义精神的完美结合，本书细致地分析了雕塑家如何从对自然的模仿，发展到对理想化人体的塑造。《雅典学院》不仅仅是拉斐尔的杰作，更是对柏拉图主义哲思的视觉转译。亚历山大风格的激情与希腊化时代的地域融合，标志着古典时代的终结与新气象的酝酿。 罗马艺术则被置于一个实用的框架下考察。本书强调罗马人如何吸收并改造希腊成就，尤其是在建筑工程、纪念性凯旋门、以及写实肖像雕塑方面的贡献。这些艺术形式不再仅仅关乎神祇或理想，而是成为帝国宣传、法律执行和公民身份认同的工具。 第二部：信仰的穹顶与世俗的觉醒（公元 500 年至 1400 年） 中世纪艺术是本书中对“功能性”探讨最为深入的部分。在早期基督教和拜占庭艺术中，艺术的语言服务于教义的传播和神圣体验的营造。威尼斯圣索菲亚大教堂的马赛克，其目的并非再现现实，而是通过光线和色彩的非物质化处理，引导信徒的心灵飞升。 罗马式艺术的厚重与防御性，与哥特式艺术的向上突破形成了鲜明的对比。本书详细拆解了哥特式大教堂的结构逻辑——飞扶壁、肋拱和花窗玻璃——是如何将冰冷的石头转化为“光之神学”的载体。巴黎圣母院的雕塑群，被视为一部面向文盲大众的“石头圣经”。 在伊斯兰艺术领域，本书着重探讨了其独特的视觉美学：对几何图案的无限重复、书法艺术的至高地位，以及对“非具象描绘”的深刻理解，这与同时期欧洲的图像中心主义形成了有趣的对照。 第三部：人的发现与世界的再现（公元 1400 年至 1800 年） 文艺复兴的浪潮被系统地分解为早期、盛期和晚期。佛罗伦萨的勃勃生机，得益于对人文主义和古典学问的重新发现。本书深入探讨了透视法的发明如何彻底改变了二维表面的空间认知，将观众拉入了艺术家的“可测量世界”。达芬奇对人体解剖的钻研、米开朗基罗对雕塑的“解放”过程，以及拉斐尔的和谐构图，被视为人类理性与技艺的巅峰体现。 威尼斯画派的色彩学与北方文艺复兴的油画技术革新（如范·艾克的细节描摹）被并置比较，展现了欧洲艺术中心的多样性。 “矫饰主义”（Mannerism）被视为对古典和谐的第一次反叛，标志着艺术开始关注内在情感的复杂性与非理性。 巴洛克时期则被置于宗教改革与反宗教改革的宏大背景下考察。卡拉瓦乔的戏剧性光影对比（明暗对照法）如何服务于情感的直接冲击；贝尼尼雕塑中瞬间凝固的运动感；以及荷兰黄金时代（如伦勃朗和维米尔）对市民生活、光线与心理深度的精妙捕捉，揭示了新兴资产阶级审美趣味的兴起。 洛可可的轻盈与享乐主义，最终在启蒙运动的思潮冲击下，让位于新古典主义对共和美德和古罗马伦理的回归。 第四部：现代性的焦虑与解放（公元 1800 年至今） 十九世纪是艺术史急剧加速的时期。浪漫主义对情感、自然力量和异域风情的狂热，对抗着启蒙的理性秩序。随后，工业革命带来的社会剧变，催生了现实主义的社会批判（如库尔贝）。 印象派被解读为一次对“观看方式”本身的革命——对瞬间光影、色彩分离和主观感受的强调，这与当时摄影术的兴起和科学色彩理论密不可分。后印象主义者如塞尚对结构基础的重构、梵高对内在激情的宣泄，以及高更对“他者”世界的追寻，为二十世纪的艺术爆炸埋下了伏笔。 二十世纪初的现代艺术如同火山喷发：野兽派的色彩解放、立体主义对多视角的几何解构，以及表现主义对心理创伤的直观呈现。本书细致分析了达达主义对艺术本质的质疑，以及超现实主义对潜意识领域的探索，这些都直接反映了两次世界大战带来的文明创伤和哲学动荡。 战后，艺术的中心从欧洲转移到美国。抽象表现主义（如波洛克和罗斯科）将画布变成了行动和精神体验的场域。波普艺术（如安迪·沃霍尔）则直接拥抱消费文化和大众符号，模糊了高雅艺术与日常物品的界限。 最后的章节关注当代艺术的碎片化与全球化。从极简主义的回归形式，到观念艺术对“艺术品”定义的挑战，再到装置艺术、行为艺术和数字媒体的介入，本书描绘了艺术如何从物质客体转向了过程、语境和批判性思维的载体，其复杂性、争议性和跨文化对话性，构成了我们这个时代最引人深思的视觉景观。 全书行文流畅，论证清晰，旨在为所有渴望深入了解人类创造力遗产的读者，提供一个既具学术深度又充满阅读乐趣的指南。它提供了一种理解艺术作为人类历史不可或缺的记录方式的全新视角。

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这本《艺术的过去与现在》真是让人大开眼界，特别是它对文艺复兴时期艺术的剖析，简直是教科书级别的深度。作者对达芬奇和米开朗基罗的笔触、光影处理的解读，细致到令人发指，仿佛我正站在佛罗伦萨的画室里，亲眼见证这些不朽杰作的诞生。书中关于“人文主义”如何渗透进绘画和雕塑的论述尤其精彩，它不仅仅是在描述艺术品的表面形态，更是在挖掘其背后的社会思潮和哲学基础。我尤其喜欢它对比了不同时期对“理想人体”的诠释，从古典希腊的完美比例到文艺复兴对现实主义的回归，这种宏观的历史视角让原本枯燥的艺术史变得鲜活起来，充满了对人类精神追求的探讨。不过，对于初次接触艺术史的读者来说，一些术语和复杂的艺术理论可能需要多花些时间去消化，但对于资深爱好者来说，这无疑是一份珍宝，能帮你巩固和深化已有的知识体系，甚至可能推翻一些旧有的认知。它教会我，艺术从来不是孤立存在的，它是时代精神最直接的投射。

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读完这本书，我最大的感受是，它极其擅长构建一种跨越时空的对话感。书中对后印象派和野兽派的讨论，完全没有那种高高在上的学院派腔调，反而像是一位经验丰富的策展人在你耳边低语，告诉你梵高如何用色彩来“尖叫”，马蒂斯如何用大胆的色块来“唱歌”。它没有简单地罗列作品和生平，而是深入到艺术家创作时的情绪波动和对既有规则的挑战。比如，关于色彩理论的探讨，书中用了大量的篇幅来解析点彩派如何将物理光学原理融入绘画，这种科学与艺术的结合点，非常引人入胜。我感觉作者仿佛是一位翻译家，将那些晦涩难懂的现代艺术理念，转化成了我们都能理解的情感语言。唯一略感遗憾的是，对于战后美国艺术，比如波普艺术的社会批判性着墨略显单薄，略微削弱了其作为“现在”的代表性力量，但总体而言，这是一部充满激情和洞察力的作品，它让你重新审视那些你以为已经“看懂了”的现代杰作。

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这本书的价值远超其作为一本艺术史参考书的定位，它更像是一本关于“人类观察世界方式变迁”的哲学导论。作者对于抽象表现主义的论述，可以说是全书的亮点之一。它没有试图去“解释”那些看似随机的笔触，而是去“感受”和“追溯”艺术家在创作瞬间的行动轨迹，将画布视为一个精神竞技场。这种对过程的强调，让我开始重新审视那些强调“即兴”和“偶然性”的艺术形式。此外，书中对不同地域艺术的平衡处理也值得称赞，它避免了将欧洲中心主义的叙事一以贯之，而是引入了更多非西方艺术传统的影响，虽然篇幅有限，但至少提供了一个更广阔的视野。这本书读起来需要投入精力，它要求读者不仅用眼睛看，更要用思考去“解码”文字背后的深层含义，但收获是巨大的，它将艺术从“欣赏”的层面提升到了“理解”和“对话”的层面，极大地丰富了我对当代文化景观的理解深度。

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坦白说，我购买这本书是抱着一种将信将疑的态度，因为市面上关于艺术史的读物实在太多，大部分都流于表面，充斥着陈词滥调。然而，这部作品给我的惊喜是爆炸性的。它最强大的地方在于其批判性的视角——它从不盲目赞美“经典”，而是敢于揭示艺术在特定历史时期是如何被权力、市场和意识形态所塑造的。尤其在讨论20世纪初的“革命性”艺术运动时，作者提出了许多发人深省的观点，比如探讨了“前卫”艺术如何迅速被市场吸纳并转化为新的主流，这种对艺术“异化”过程的解剖，犀利而深刻。阅读过程中，我常常停下来思考，当代我们所热衷的那些新媒体艺术，是否也在重复着历史的某种循环？这本书提供了一个极佳的参照系，帮助读者建立起一套属于自己的、既尊重历史又保持质疑的审美框架。它的文字风格老练而克制，没有过度的煽情，但每一句都有其分量。

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这本书的结构编排堪称一绝，它不像很多艺术史书籍那样采用严格的时间线性叙事，而是采用了一种主题式的跳跃，这反而带来了阅读上的惊喜。例如，它可能上一章还在细品巴洛克的戏剧性光影，下一章就跳跃到20世纪初表现主义画家对内心恐惧的捕捉，这种看似杂乱无章的切换，实则暗合了艺术在不同历史阶段所面对的核心矛盾。我特别欣赏其中关于“观众参与性”演变的那一章节，从早期教堂壁画的教化功能，到现代装置艺术对空间体验的重塑，作者敏锐地捕捉到了艺术与受众之间权力关系的微妙变化。这种非线性的叙事方式，极大地拓宽了我的思维边界，让我不再局限于“哪个在前，哪个在后”的简单排序，而是去思考“什么驱动了艺术的根本性转变”。书中的配图质量无可挑剔，印刷精良，色彩还原度高，这对于一本讨论视觉艺术的书来说至关重要，毕竟，没有高质量的视觉参照，所有的文字描述都将是空中楼阁。

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