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出版者:St Martins Pr

作者:Schminke, Karin/ Krause, Dorothy Simpson/ Lhotka, Bonny Pierce

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:2004-8

价格:217.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780823013425

丛书系列:

图书标签:

• 数字艺术
• 绘画
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• 数码艺术

铸就数字世界的史诗画卷：未曾提及的艺术领域探索 导言：超越屏幕的界限 本书将带领读者踏上一段深入探索数字艺术广阔疆域的旅程，但其焦点将完全避开传统意义上“数字艺术工作室”所涵盖的软件操作、工具应用或基础技术教学。相反，我们着眼于数字创作的哲学根基、历史演变中的关键转折点，以及那些在像素层面上构建起全新美学体系的幕后推手。我们将聚焦于那些尚未被主流教程详细阐述，却对当代视觉文化产生深远影响的概念、理论与跨学科连接。 第一部分：从早期电子实验到后数字时代的符号学转向 第一章：预先的数字幽灵：电子艺术的先驱与早期计算美学 本章将追溯电子图像的起源，远远早于个人电脑的普及。我们将审视上世纪中叶，早期电子音乐家、实验电影制作人如何利用示波器、模拟合成器和早期计算机图形学原型（如阴极射线管显示器）来制造视觉体验。这并非关于如何使用这些设备的指南，而是关于他们如何理解“电子之光”的本质——光束如何成为物质，声音如何被视觉化。我们将分析早期的算法艺术（Algorithmic Art）运动，探讨数学结构如何首次被用来替代传统的人手绘制，以及这种“去人性化”过程在当时艺术界引发的巨大争议。我们将深入研究那些专注于数据可视化与早期交互叙事的先驱者，他们构建的界面（Interface）本身就是艺术品，而非仅仅是工具。 第二章：媒介的消解：从“数字”到“后数字”的语境转变 我们不谈论Photoshop或Maya的最新功能，而是探讨“数字”这个标签本身是如何随着时间推移而失去其革命性色彩的。当计算能力变得无处不在，艺术创作的“数字性”不再是焦点，焦点转向了媒介的混合与边界的消融。本章将分析“后数字”美学（Post-Digital Aesthetics）的核心观点，即数字与模拟不再是二元对立，而是相互渗透、彼此定义。我们将研究艺术家如何故意引入技术故障、噪点（Glitch）和数据腐败，以此来抵抗数字世界的完美化倾向，并从中挖掘出新的诗意。这是一种对媒介纯粹性的拒绝，是对技术本身作为一种文化语境的批判性反思。 第二章的延伸：本体论的重塑——像素作为哲学单元 我们把像素视为一种哲学实体，而非仅仅是屏幕上的小方块。本章将探讨像素在构建现代感知世界中的作用。当我们观看高分辨率图像时，我们是否依然在感知“点阵”？或者我们的大脑已经进化到自动将其“填充”为连续的现实？我们将探讨“分辨率悖论”：追求更高的分辨率是否意味着更接近真相，还是仅仅是更精密的幻觉？这些讨论旨在提升读者对数字图像深层结构的理解，超越表面的色彩和形状。 第二部分：结构、系统与人工生命：算法叙事的复杂性 第三章：代码的诗学：生成艺术与不可预测性 本部分聚焦于那些将创作过程本身委托给系统和规则的艺术形式，避开对特定生成软件的介绍。我们将深入探讨生成艺术（Generative Art）背后的“代码诗学”。这里的重点是“意图”与“系统”之间的张力。艺术家如何设计一套规则，使其在执行过程中产生出乎意料的结果？我们分析那些受自然系统（如分形、混沌理论、细胞自动机）启发的艺术实践，它们的核心价值在于揭示系统在边界条件下的内在美与随机性。我们将研究那些将不确定性视为创作伙伴的艺术家，他们并非试图控制结果，而是设计一个能够自我演化的环境。 第四章：人机共生体：交互设计中的伦理与美学 我们不教授如何设计用户界面（UI/UX），而是探讨交互艺术（Interactive Art）的深层伦理问题。当作品要求观众参与才能完成时，观众的“输入”如何改变了艺术品的“本体”？本章将分析交互艺术中关于“作者身份”的模糊性。当算法和观众共同塑造了体验时，谁是最终的创作者？我们将研究涉及生物反馈、大规模数据集处理以及非标准输入设备（如身体动作、环境声波）的装置艺术，探讨它们如何挑战传统艺术的静止性和单向性。重点是这些技术如何重塑了我们与艺术对象之间的权力关系。 第三部分：数字时代的物质性与记忆的碎片化 第五章：虚拟的实体化：从数据到触感 数字创作常常被误解为完全脱离物质。本章将探讨数字艺术如何寻求“回归物质性”。我们将分析三维打印、媒介装置艺术以及利用投影映射（Projection Mapping）来影响物理空间的实践。这不是关于三维建模，而是关于如何使用数字逻辑来“雕刻”真实世界。例如，艺术家如何利用算法来定义材料的堆积方式，或者如何通过动态光影来赋予静态建筑以“呼吸感”。我们将研究那些将数据流可视化并转化为可触摸、可感知的物理形态的跨界项目。 第六章：数据考古学：数字失忆症与遗失的媒介 在浩瀚的数字海洋中，数据的保存和遗失是重大的文化挑战。本章探讨“数字失忆症”（Digital Amnesia）现象——我们如何不断地创造内容，却又不断地丢失旧版本。我们将研究艺术家如何利用“过时”的技术（如低保真视频格式、损坏的磁带、废弃的软件）作为一种考古材料，来讲述关于时间、衰变和记忆不可靠性的故事。这种实践是对“永恒数字备份”神话的一种温柔反抗，它承认了数字材料的易逝性，并赋予了“故障”以历史意义。 结论：超越“工作室”的未来视野 本书的全部内容都旨在拓宽对数字艺术的理解，将其从一项技术技能提升到一种跨学科的哲学探究。我们探索了数字创作的思维模型、历史的脉络、以及它对人类感知和物质世界的深刻影响，所有这些都以一种批判性的、概念驱动的方式进行，而没有触及任何软件的操作细节或特定工具的使用方法。我们关注的是驱动这些视觉现象背后的思想引擎。

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如果要用一个词来形容这本书的特点，我会选择“跨界融合”。这本书的独到之处在于，它大量引入了非传统艺术领域的知识来丰富数字绘画的表现力。例如，它用到了建筑学的“结构支撑点”理论来指导人物动态的稳定感，以及用音乐理论中的“和声与对位”概念来解释色彩组合的协调性。我最喜欢它讲解“空间深度营造”那一块，作者参考了早期摄影的暗房技术和电影的分层布光原理，教会我们如何用最少的数字笔触来模拟出极其深邃的空间感。这套理论体系非常宏大且严谨，让我意识到，我过去对数字艺术的理解太过局限，它远不止于简单的线条和填色。这本书像是一座桥梁，连接了传统媒介的精髓与现代工具的无限可能。阅读它就像是进行了一次全方位的知识升级，它要求读者不仅要动手动脑，更要多角度地去观察和理解我们所处的这个世界，然后才能更好地将其转化到屏幕之上。

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这本书的叙事风格非常具有感染力，读起来完全不像是在啃一本技术手册，倒像是在听一位极具魅力的艺术家在分享他的人生感悟。它开篇就提出一个很有趣的问题：数字艺术的“温度”究竟来源于哪里？随后，作者娓娓道来，他如何从早期的像素化审美，逐步过渡到追求有机的、人性化的笔触。书中穿插了作者自己多年来的一些失败尝试和突破瞬间，这些“幕后故事”非常鼓舞人心。我尤其被他讲述如何克服“完美主义陷阱”的那一段所打动——很多时候我们画不下去，就是因为总想一次到位。作者分享了他如何利用“快速草稿”和“故意留白”来保持创作的激情和速度。这种对创作心理的剖析，对于像我这样容易陷入自我怀疑的创作者来说，起到了极大的心理疏导作用。它让我明白，艺术的价值不在于完美，而在于真诚的表达和持续的探索。这本书真正让我找回了拿起笔时的那份纯粹的快乐。

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这本画册的出现，简直是给我这个老画师带来了久违的“新鲜空气”。说实话，现在市面上的教程太多了，大多是千篇一律的“三步走、五步法”，讲的都是工具栏里哪个按钮该按，流程化得让人失去了灵魂。但这本书完全不一样，它更像是一本关于“视觉哲学”的深度探讨。我最欣赏的是它关于“构图的心理学影响”那一章，作者没有停留在传统的黄金分割，而是深入分析了现代流行文化中，那些打破常规、反而更抓人眼球的非对称构图是如何利用人脑的预期偏差来实现冲击力的。书中引用了大量的经典电影截图和前卫插画作为案例，分析得细致入微，从运镜到笔触的控制，都有一套自洽的逻辑。我花了整整一个下午，只是反复揣摩其中一个关于动态平衡的分析案例，它让我重新审视了自己多年来形成的构图习惯，那种被“颠覆”的感觉，是真正的学习的开始。这本书的深度，使得它不仅仅是一本“如何画得更好”的书，更是一本“如何更深刻地思考如何表达”的书。对于追求突破瓶颈的进阶学习者，这本书提供了一种全新的、更具批判性的视角。

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天呐，我刚读完这本新书，简直是打开了我艺术创作的大门！这本书的内容编排得非常巧妙，它没有把我一下子推向那些复杂到令人望而却步的专业软件操作，而是从最基础的“心法”开始讲起。我特别喜欢它关于色彩理论和光影运用的章节，作者用一种极其生动易懂的方式解释了抽象的概念，比如“情绪色板”和“环境光衰减”，这让我立刻就能明白为什么某些画面看起来有“氛围感”。举个例子，书中讲解如何通过调整环境光的色温来暗示时间流逝，我立刻拿起了我的数位板，跟着书中的步骤实践了一下，效果立竿见影，那种‘哦，原来是这样啊’的顿悟感，太棒了！而且，这本书的排版设计也非常人性化，大段的文字叙述中间穿插着清晰的图例和思考提示，让人在阅读过程中不会感到疲劳，更像是在和一位经验丰富的导师进行一对一的交流。它强调的不是工具的堆砌，而是如何用工具去表达创作者的内心世界，这对于我这种一直想提升“艺术性”而非仅仅是“技术性”的爱好者来说，简直是如获至宝。这本书让我对未来几年的学习方向都有了更清晰的规划，我甚至已经开始尝试用它介绍的新思维去解构我过去的一些作品，发现了很多之前忽略的潜力点。

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我得说，这本书的实战操作性，放在整个同类书籍里绝对是名列前茅的，但它绝不是那种只教你做表面功夫的速成指南。我尤其关注了它在“材质模拟”部分的处理方式，作者非常细致地拆解了不同媒介（比如水彩的晕染、油画的厚涂、数字笔触的锐利）在数字环境下的“等效表达”。让我印象深刻的是，书中提供了一个关于“模拟旧照片颗粒感”的综合流程，它不是简单地套一个滤镜，而是通过叠加多层噪点、调整色彩分离度以及模拟光线散射等多个步骤，最终营造出那种年代特有的、充满故事感的物理质感。我立刻在我的一个项目中应用了这个技术，效果惊人，远比我之前自己摸索的要真实、有层次感得多。而且，这本书非常注重“效率优化”，它不仅教你技术，更教你如何“聪明地工作”，比如如何设置快捷键组合来加速流程，如何构建高效的文件管理结构。对于需要长期稳定产出的自由职业者来说，这种对工作流的关注，价值千金。

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