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出版者:Blackwell Pub

作者:Brown, Rebecca M. (EDT)/ Hutton, Deborah S. (EDT)

出品人:

页数:519

译者:

出版时间:

价格:1073.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9781405122405

丛书系列:

图书标签:

• 亚洲艺术
• 艺术史
• 绘画
• 雕塑
• 陶瓷
• 书法
• 建筑
• 佛教艺术
• 中国艺术
• 日本艺术

跨越欧亚大陆的艺术长廊：西方古典艺术的恢弘史诗 书籍名称： 辉煌的巴洛克：光影、戏剧与信仰的交织 本书简介： 《辉煌的巴洛克：光影、戏剧与信仰的交织》并非一本关注遥远东方艺术传统的著作，它将读者带入一个截然不同的世界——十七世纪至十八世纪上半叶的欧洲，一个由宏大叙事、强烈情感和精湛技艺主导的艺术时代——巴洛克时期。本书致力于深度剖析巴洛克艺术（Baroque）从其诞生之初的复杂社会背景，到其在欧洲各国发展出的独特面貌，尤其聚焦于其在建筑、雕塑和绘画领域所展现出的革命性特征。 第一部分：巴洛克的诞生与形塑——历史的剧场 巴洛克艺术并非凭空出现，它是特定历史语境的产物。本书首先将场景设置在宗教改革的硝烟尚未完全散去之时。天主教会为应对新教的挑战，启动了声势浩大的反宗教改革（Counter-Reformation）。巴洛克艺术被教会视为最有力的宣传工具——一种能够通过感官冲击和情感激发来重新吸引信徒、彰显教会至高无上权威的艺术语言。 我们深入探讨了早期巴洛克艺术的孵化地——罗马。卡拉瓦乔（Caravaggio）的革命性自然主义与强烈的明暗对比法（Tenebrism），如同聚光灯打在舞台中央，瞬间改变了绘画的叙事方式。他的作品不再是理想化的圣人形象，而是充满肉体感和人性挣扎的瞬间。与之并行的，是安尼巴莱·卡拉奇（Annibale Carracci）及其学院派对古典理想的回归与重塑，这为巴洛克风格的全面爆发奠定了基础。 本部分详细梳理了早期“巴洛克三杰”——卡拉瓦乔、卡拉奇和贝尼尼——如何通过各自不同的路径，共同构建了巴洛克美学的核心元素：动感、情感张力和对观众的直接调动。 第二部分：光影的雕塑与空间的戏剧化——建筑与雕塑的革命 巴洛克建筑的核心在于“流动性”与“整体性”。本书剖析了彼时建筑师如何摒弃文艺复兴时期强调的静态平衡，转而追求曲面、椭圆形的平面布局以及光线的巧妙运用。 重点章节将聚焦于吉安·洛伦佐·贝尼尼（Gian Lorenzo Bernini），这位集雕塑家、建筑师和城市规划师于一身的天才。通过分析罗马的圣彼得大教堂的“布道坛”（Baldacchino）和“圣特蕾莎的狂喜”（Ecstasy of Saint Teresa），读者将理解巴洛克艺术如何将雕塑从传统的壁龛中解放出来，使其成为空间叙事的一部分。贝尼尼的雕塑作品捕捉了动作的高潮，面部表情饱含强烈的内心冲突或狂喜，仿佛下一秒就要脱离石头的束缚。 我们还会探究巴洛克在意大利以外地区的“本土化”进程，例如法国的凡尔赛宫，虽然带有更强的王权绝对主义色彩，但其对宏大轴线、奢华装饰和视错觉的运用，无疑是巴洛克风格的集大成者。 第三部分：情感的沸腾与叙事的张力——绘画的极致表现 巴洛克绘画是情感的盛宴。本书细致考察了几个关键主题和技法： 1. 戏剧性的光线运用（Chiaroscuro）： 除了卡拉瓦乔的“暗色调”，我们分析了彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）那充满生命力的色彩和奔放的线条。鲁本斯的画作，如其大量的神话题材和肖像画，充满了肉感、运动感和蓬勃的生命力，展现了尼德兰巴洛克风格的独特热情。 2. 历史的瞬间定格： 巴洛克画家热衷于描绘历史或宗教故事中最具戏剧性的那个“决定性瞬间”。例如，画家们如何捕捉大卫投掷石子前的蓄力，或圣徒受难前的最后一刻的挣扎。 3. 肖像画的心理深度： 伦勃朗·范·莱因（Rembrandt van Rijn）的艺术被单独辟出一章进行深入研究。他的肖像画超越了简单的外貌再现，而是通过对光线和阴影的内省式处理，揭示了人物复杂、多层次的内心世界，这使得荷兰黄金时代的巴洛克绘画充满了人文主义的温情。 4. 凡俗的颂歌： 与意大利侧重宗教和神话不同，荷兰的巴洛克绘画大量转向了世俗生活。我们详细分析了维米尔（Johannes Vermeer）对室内光线、静物和日常场景的精确捕捉，探讨这些“小画室”（Genre Painting）如何通过对材质和细节的极致描绘，体现了新兴资产阶级的品味与财富。 第四部分：边缘的共鸣与风格的终结 本书的最后部分将目光投向了西班牙的巴洛克艺术，那里艺术风格与宗教狂热和民族自豪感紧密结合。迭戈·委拉斯凯兹（Diego Velázquez）的《宫娥》被视为巴洛克艺术对观看行为本身进行反思的典范，其复杂的空间结构和对现实的模糊处理，预示了现代艺术的某些倾向。 最后，我们探讨了巴洛克风格如何逐渐演变为更精致、更轻盈的洛可可（Rococo）风格，标志着这个充满激情、宏大叙事的时代逐渐退潮，欧洲的艺术焦点开始转向新的主题和表达方式。 通过对建筑、雕塑和绘画的全面扫描，本书旨在让读者沉浸于巴洛克艺术的巨大能量之中，理解它如何不仅仅是一种风格，而是一种对人类情感、信仰力量和宇宙秩序的深刻的、充满激情的时代宣言。它是一部关于光、影、运动和永恒戏剧的史诗。

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翻开这本书，首先涌现的感受是：哇，信息量真是爆炸性的！它简直不像是一本导览手册，更像是一部百科全书的浓缩版，但显然，它更倾向于“百科”的那一面。我原本期待的是一次流动的、跨越地理界限的审美之旅，比如从敦煌的飞天形象如何影响了吴哥窟的雕刻风格，这种横向的、充满活力的文化对话。然而，这本书的结构更像是按部就班的地理划分，然后深入到每个地理区域的内部时间线。当我读到关于东南亚艺术的部分时，我希望能看到巴厘岛的祭祀舞蹈与面具艺术之间那种神秘的关联性，那种渗透在日常生活中的宗教张力。但作者似乎更热衷于精确到年份的王朝更迭，以及不同时期统治者对艺术赞助的详尽清单。这种叙述方式使得艺术品本身仿佛成了历史事件的注脚，而不是讲述历史的主角。我感觉自己像是在看一份详尽的、带有插图的历史年鉴，而不是一本真正意义上的艺术读物。书中的插图质量参差不齐，有些地方是精美的彩印，但转眼间又跳跃到模糊不清的黑白线描图，这对于一个依赖视觉刺激来理解艺术的读者来说，是相当令人沮丧的。想要快速找到某个感兴趣的流派或艺术家进行深入了解，会变得异常困难，因为它更注重“面面俱到”，而非“重点突出”。它更像是一份供研究者备查的工具书，而不是一本能让人爱不释手的阅读材料。

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这本厚重的精装本，初次捧起时就有一种沉甸甸的艺术史的重量感。封面设计极简，黑底白字，直白地标明了书名，似乎在宣告其内容的权威性与学术性。我原本是抱着一种对东方美学探索的好奇心翻开它的，期待能领略到从古老的印度河流域文明到璀璨的中国唐宋，再到精致的日本浮世绘之间的脉络梳理。然而，这本书的叙述方式，与其说是带我领略，不如说更像是在进行一场严谨的、近乎考古学式的文献审阅。它花费了极大的篇幅去考证某一个时期特定王朝的宫廷画师的师承关系，以及某件石窟壁画的颜料成分分析，数据详实得令人咋舌，脚注堆叠得仿佛一座座微型纪念碑。当我试图寻找那些直击人心的、能够引发情感共鸣的艺术作品赏析时，却发现它们往往被淹没在对历史背景和社会经济结构的冗长描述中。例如，关于宋代山水画的论述，与其说是在描绘“一览众山小”的恢弘意境，不如说是在详细分析宋徽宗时期对画院的制度化管理对审美取向的影响。对于一个渴望在闲暇时间沉浸于艺术之美的普通爱好者来说，这种过于学术化的处理方式，无疑成了一道难以逾越的门槛。我不得不承认，其资料的广度令人敬佩，但阅读的体验却更像是在啃食一块营养丰富但口感坚硬的干粮，让人倍感知识的重量，却难以享受艺术的轻盈与愉悦。我常常翻到一半就不得不停下来，去查阅那些陌生的历史专有名词，这无疑打断了欣赏艺术应有的那种流畅与沉浸感。

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这本书的选材偏向似乎非常明显，它似乎更青睐那些已经被西方主流学术界广泛认可的、且易于进行档案化和文本分析的艺术形式。比如，对中国古代书法的笔墨技法和日本能剧面具的象征意义，都有着极其详尽的论述。然而，当我试图寻找一些更具活力和当代性的内容时，便会感到强烈的失落。对于现当代亚洲艺术的关注度非常低，即便提及，也往往是作为对传统的一种“反叛”或“延续”来简略带过，缺乏深入的探讨。例如，关于当代东亚电影的视觉语言，或者东南亚当代装置艺术在国际舞台上的崛起等这些令人兴奋的话题，在书中几乎找不到踪影。这使得整本书的氛围显得过于沉重和“古老”，给人一种“亚洲艺术”就等同于“古代文物”的错觉。它更像是一部为博物馆策展而准备的背景资料汇编，专注于那些已被时间淘洗、定格的经典，而对于那些正在呼吸、正在变化的当代艺术生命力，则显得力不从心。阅读下来，我感觉自己仿佛被拉回到了上个世纪中叶，对理解当下亚洲艺术的多元性帮助不大，更像是一部关于“过去”的权威总结，而不是一本面向“未来”的艺术对话指南。

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我必须承认，这本书的编排逻辑似乎是按照一种非常线性的、甚至是有些刻板的“时间轴+地域区块”的模式进行的。当我翻阅到关于伊斯兰艺术与印度教艺术的交汇点时，我本能地期待看到一种融合与创新的生动案例，看到不同宗教符号在同一片土地上如何碰撞出新的火花。然而，这本书的处理方式却是：先将伊斯兰艺术的脉络梳理得一丝不苟，详述其几何图案的发展；紧接着，再用一个完整的章节来独立分析印度教雕塑的“三位一体”概念。这种强行切割式的叙事，让不同区域艺术之间的相互影响和潜在的对话被系统性地忽视了。整个阅读过程缺乏一种动态感，仿佛每一个艺术门类都被锁在了自己独立的时间胶囊里，互不干涉。这种结构对于想要宏观把握艺术流变和跨文化影响的读者来说，是一个不小的挑战。我更希望看到的是一张动态的艺术地理网络图，而不是一本被严格划分的行政区划手册。最终的结果是，我读完后，对各个独立板块的知识点有所增加，但对于“亚洲艺术”作为一个整体的、相互关联的、生动的概念的理解，却感到有些模糊和碎片化，缺乏一种整体的、令人信服的艺术史观的构建。

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这本书的语言风格，用一个词来形容就是“晦涩而精准”。它似乎是写给一位已经对东方艺术史了如指掌的学者，而不是像我这样一个渴望入门的门外汉。每一个句子都充满了复杂的从句和专业术语，作者似乎深怕自己对某个概念的描述不够严谨，于是便不断地添加限定词和修饰语，使得本该生动的艺术描述变得无比僵硬。比如，描述一件青铜器的纹饰时，它不会直接说“这描绘了神秘的饕餮纹”，而是会用一长串的定语来界定其“在商代晚期至西周早期之间，特定冶铸技术下，受地域性巫术观念影响所呈现出的程式化兽面符号群落”。这种追求极致准确性的代价，就是牺牲了阅读的流畅性和趣味性。我常常需要停下来，重新阅读一段话两到三遍，才能勉强抓住作者想要表达的核心观点。更别提书中对不同学派观点交锋的呈现方式，那种引经据典的辩论，读起来比阅读艺术本身要费劲得多。我购买这本书的初衷，是希望通过文字的引导，让我更好地欣赏博物馆里的那些静默的展品，但遗憾的是，这本书里的文字，反而成了我与艺术之间的一层厚厚的屏障。它更像是一份充满学术争鸣的会议记录汇编，而不是一部供人享受的艺术画册。

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其中徐冰那篇很有趣

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