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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Willis, John (EDT)/ Hodges, Ben

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:2006-5

价格:$ 28.19

装帧:Pap

isbn号码:9781557836519

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 舞台
• 表演艺术
• 戏剧世界
• 2003-2004
• 美国戏剧
• 百老汇
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舞台之光：二十世纪中叶美国戏剧的流变与革新 (1945-1970) 本书聚焦于第二次世界大战结束至七十年代初，美国戏剧在思想、形式和商业模式上经历的深刻转型与爆炸性创造期。 本研究旨在全面梳理这一时期百老汇的黄金时代、先锋实验的兴起，以及地方剧团对美国戏剧身份重塑的努力，深入剖析那些塑造了现代美国舞台艺术的关键人物、里程碑式的作品及其背后的社会文化语境。 第一部分：战后百老汇的辉煌与转型 (1945-1959) 二战的结束并未带来短暂的平静，反而点燃了美国社会对“正常化”的渴望与对压抑情绪的集中释放。本部分详细考察了战后初期百老汇如何迅速成为文化产业的引擎，并在继承传统的同时，展现出前所未有的深度和广度。 1. 黄金时代的基石：经典主题的深化 我们首先分析了战后早期剧作如何处理战争遗留问题、美国梦的幻灭以及性别角色的重塑。重点探讨了田纳西·威廉斯（Tennessee Williams）的南方哥特式美学，特别是《欲望号街车》（A Streetcar Named Desire）中对脆弱性、性压抑和失败的浪漫主义的描绘，及其如何颠覆了传统温和的家庭剧范式。紧接着，我们深入分析了亚瑟·米勒（Arthur Miller）的现实主义批判，尤其关注《推销员之死》（Death of a Salesman）中对资本主义伦理的深刻拷问，以及《坩埚》（The Crucible）如何巧妙地借用历史重演麦卡锡主义时期的政治迫害，展现了剧场作为社会良知的力量。 2. 音乐剧的成熟与革新 这一时期是美国音乐剧艺术成熟的决定性阶段。本书不再将音乐剧视为单纯的娱乐形式，而是将其视为承载复杂叙事和时代情绪的载体。我们详尽分析了理查德·罗杰斯与奥斯卡·汉默斯坦二世（Rodgers and Hammerstein）的合作如何将“歌舞片”提升到具有文学深度和严肃主题的高度。《南太平洋》（South Pacific）对种族偏见的探讨，以及《国王与我》（The King and I）中对文化冲突的处理，展示了音乐剧在触及敏感社会议题时的潜力。 同时，我们着重研究了莱昂纳德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein）与斯蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）早期合作作品，特别是《西区故事》（West Side Story）的诞生。该剧如何以前所未有的方式融合了高雅音乐、现代舞美设计和对阶级、移民冲突的直接描绘，标志着音乐剧在艺术表达上的一个巨大飞跃。 3. 新兴力量的涌现：从剧本到舞台的权力转移 本节探讨了导演艺术在百老汇日益增长的主导地位。通过对伊利亚·卡赞（Elia Kazan）和其培养的一代演员（尤其是方法派表演）的研究，我们看到了舞台表现力的质的飞跃。卡赞将斯坦尼斯拉夫斯基体系本土化，赋予了角色前所未有的心理真实感和爆发力，深刻影响了舞台上的情感张力。 第二部分：先锋派的觉醒与离经叛道 (1960-1970) 六十年代是美国社会动荡的十年，戏剧界也随之迎来了最富革命性的实验时期。百老汇的商业模式受到挑战，Off-Broadway 和新兴的非传统剧场成为思想交锋的前沿阵地。 1. 荒诞派与黑色喜剧的本土化 尽管受贝克特（Beckett）和尤内斯库（Ionesco）的影响，美国剧作家开始将荒诞的框架融入对美国生活现实的讽刺之中。我们详细分析了爱德华·阿尔比（Edward Albee）的作品，如《谁害怕弗吉尼亚·伍尔夫？》（Who's Afraid of Virginia Woolf?），探讨其如何运用高度风格化的语言和残酷的心理对峙，揭示中产阶级婚姻和美国价值观的空虚内核。阿尔比的作品代表了从现实主义到心理现实主义的过渡。 2. 政治戏剧与反文化运动的交汇 随着民权运动的高涨、越南战争的泥潭和青年文化的兴起，戏剧开始直接介入政治。本部分考察了“新浪潮”剧作家如何放弃传统戏剧结构，采用碎片化、非线性和侵入式的表演方式。 重点分析了“剧场解放”的尝试。我们审视了那些挑战传统审美规范的作品，它们开始将舞台空间转变为政治集会或“体验”场所。这一时期的戏剧与音乐、视觉艺术的界限变得模糊，为后来的“表演艺术”奠定了基础。 3. 地方剧团的勃兴与区域戏剧的形成 本书认为，真正影响美国戏剧未来走向的，是脱离曼哈顿商业体系的地方性剧团的崛起。我们追踪了如古德曼剧院（Goodman Theatre）和一些区域性实验团体的早期工作，这些剧团不再完全依赖于纽约的评论家和票务市场，从而能够更自由地探索美国本土的故事和非传统的声音。这些地方机构成为了培养下一代作家的温床，他们致力于挖掘不同族裔和社群的戏剧传统，为七十年代多元化舞台的爆发积蓄力量。 结论：从传统到多元的断裂点 “Theatre World 2003-2004”所记录的时代，是美国戏剧界完成从欧洲模仿者向独立艺术强国转变的关键转折点。通过对上述流派、人物和作品的系统梳理，本书揭示了战后二十五年间，美国戏剧如何应对社会变革、拥抱心理深度、挑战政治禁忌，并最终为二十一世纪更加多元和实验性的舞台艺术奠定了不可磨灭的基础。它不仅仅是关于剧本和演出的记录，更是对一个国家在自我认知和表达上经历的剧烈阵痛与辉煌成就的详尽侧写。

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我必须指出，这本书的价值在于其作为一种“横向比较”的工具。在阅读过程中，我常常忍不住将书中记录的2003-2004季的某些主题和风格，与我记忆中更早的年份进行对照。你会发现，戏剧思潮的演变并非线性加速，而是螺旋上升，总有一些母题会以新的面貌重新浮现。比如，关于城市化带来的异化主题，在那个季度中以一种比十年前更为直接和尖锐的方式被搬上了舞台。本书的结构清晰地划分了商业剧与实验剧，但更巧妙的是，它展示了两者之间是如何互相渗透和影响的。商业剧开始借鉴实验剧的叙事手法，而实验剧也在努力寻找更有效的公共表达方式。这种动态的观察，让这本书超越了单纯的“年鉴”范畴，更像是一份关于艺术生态系统如何自我调节与进化的研究报告。读完后，我对当时美国戏剧界所处的文化语境有了更立体、更深入的理解。

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对我而言，这份记录的魅力还在于它保留了“被遗忘的声音”。在所有主流评论都聚焦于那些获得托尼奖提名的作品时，这本书细致地收录了那些在非主流场馆默默耕耘的剧团的简介和演出摘要。这些演出或许没有光鲜的媒体曝光，但往往蕴含着最纯粹的艺术激情和对社会现象最直接的回应。我尤其欣赏其中一篇关于移民社区戏剧团体的报道，他们用一种混合了多种语言和表演传统的独特方式，讲述了当代美国梦的复杂性和破碎性。这种对“边缘”的关注，使得整部作品的视角变得无比丰富和立体。它提醒我们，戏剧的生命力并非只存在于聚光灯最亮的中心，更在于那些充满活力和未被驯服的角落。读到那些充满生命力的文字描述时，我深切地感受到，正是这些不同层次的声音共同构成了那个黄金年代的戏剧景观。

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这部作品，坦率地说，与其说是一本记录，不如说是一次时间胶囊的开启，它捕捉到了一个特定时代百老汇和外百老汇戏剧界那种独有的、近乎狂热的生命力。我记得那一年，戏剧界正处于一个微妙的十字路口，传统巨匠们的影响力仍在，但新一代的声音也开始以一种令人耳目一新的方式闯入视野。 翻阅这些剧评和幕后花絮，我仿佛能闻到剧院里陈旧天鹅绒座椅散发的灰尘味，听到谢幕时观众如潮水般的掌声。尤其令人印象深刻的是对那些“昙花一现”的小制作的细致描摹，它们或许没有获得主流媒体的疯狂追捧，但正是这些勇敢的、实验性的作品，才真正定义了一个季节的艺术光谱。编辑的选材极为精妙，没有流于简单的票房报告，而是深入探讨了导演的理念、演员的选择逻辑，甚至是对舞台布景技术革新的讨论。我尤其钟情于其中对某位新锐导演首部大制作的深度剖析，作者以一种近乎哲学思辨的笔调，探讨了他在经典文本中注入的现代焦虑感，那种对既定规范的挑战，让人在合上书页后仍久久不能平静。这不仅仅是为戏剧爱好者准备的年鉴，更是一份对特定文化生态系统进行细致解剖的社会学文本。

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对于任何一个真正热爱舞台艺术的“老戏骨”而言，这种年度汇编的价值在于其提供了无可替代的上下文。它不是空泛的赞美，而是充满了尖锐、甚至有些残酷的行业洞察。举个例子，书中对某部年度“大制作”的评价就显得格外中肯——作者毫不留情地指出了其宏大叙事下的空洞，以及过度依赖明星效应而牺牲了剧本深度的弊病。这种诚实的记录，远比那些旨在取悦制作方的公关文稿要珍贵得多。更吸引人的是，它细致地追踪了几位重量级演员在那个季度中扮演角色的跨度。从莎翁的悲剧人物到尖刻的当代喜剧角色，你可以清晰地看到他们是如何调动自己内在资源进行转化的过程。那些关于排练室的轶闻，关于演员们在压力下如何找到表演的“支点”，读起来让人热血沸腾。它让你明白，舞台上的辉煌背后，是无数个不为人知的挣扎、妥协与突破。这本书成功地捕捉到了“在路上”的状态，而不是仅仅展示最终的、光鲜亮丽的成品。

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这本书的排版和视觉呈现，也体现出一种对“剧场美学”的尊重。它并非仅仅是文字的堆砌，每一张剧照的选择都经过了深思熟虑，它们仿佛是凝固的戏剧高潮。我特别喜欢其中穿插的对“舞台设计”部分的专题报道，那部分对灯光、布景的描述极具画面感，即便是脱离了实际的舞台，读者也能在大脑中重建起那个三维的空间。比如，书中对某部先锋戏剧如何利用极简的几何结构和变幻莫测的投影，来象征人物内心的疏离感，那段文字写得极富煽动性，让我立刻想去查阅当时演出的录像。这种对技术与艺术结合点的关注，显示出编纂者对现代戏剧发展趋势的敏锐把握。它没有满足于停留在叙事层面，而是深入到了“如何制造幻觉”的工艺层面，对于有志于舞台技术领域的人来说，这简直是宝库。

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